He is one of the most influential figures in the history of manga and anime and known as the „God of Manga“. He was born on November 3, 1928, in Toyonaka, Osaka Prefecture, Japan. He graduated from Osaka University with a degree in medicine, although he chose to pursue a career in manga and animation instead. Tezuka revolutionized the manga industry with his innovative storytelling, complex characters, and cinematic panel layouts. He created numerous influential works including „Astro Boy“ (Tetsuwan Atom), „Black Jack,“ „Princess Knight“ (Ribon no Kishi) and „Phoenix“ (Hi no Tori).
„The God of Manga“ – A documentary detailing his contributions to the manga and anime industries.
„Tezuka Osamu: The Legend“ – A documentary that explores his life, artistic process and enduring legacy.
What is the Persistance of Vision?
The „persistence of vision“ creates the illusion of movement in cinema, even though the images on the screen don’t actually move. This phenomenon relies on the retina’s ability to retain an image for a brief moment after it’s gone and the brain’s capacity to distinguish between quickly changing individual frames. This principle is the fundamental science behind movies and motion capture technology.
What Actually is the Definition of Anime?
Animation involves creating movement by using non-photographic techniques, such as hand-drawn or computer-generated images. This effect is achieved by making small, incremental changes to the images from one frame to the next.
Who is Hayao Miyazaki?
Hayao Miyazaki is the most famous anime director in Japan. His works stand out globally for their unique style. He crafts worlds that feel both exotic and familiar to viewers, striking a perfect balance between reality and fantasy. “Miyazaki’s attempt to create a binding version of fantasy with reality, he rejects the tradition of happy endings in children’s films. If reality is ambiguous and full of possibilities, he believes so should be fantasy.”, so researcher Nguyen Nhu Ngoc.
»Inspiration can come from anywhere – an image, a comment, something that’s happened to me or someone I know. It’s hard to know exactly.« – Nicholas Sparks
Nowadays we are lucky to sometimes know, where our inspiration comes from. We are looking at content on Instagram, TikTok and co. daily, and if we safe it, we know where it comes from. I have started a variety of lists on Instagram to get inspired. It is an easy, natural process, that will help me in the future. Of course, I can always check the messages, I send to people, mostly consisting of reels, but as long as there is no great way to locate specific videos on Instagram, my method is practical. I have structured my collection into the lists: Master Thesis, Cinematography, Animation, Stop Motion and Inspo [Inspiration in general]. All the fields, I could see myself doing my Master Thesis in at this snapshot in time. I wish I would have started this sooner, because everything before that system is a mess of reels that I saved. From cooking, to vacation, to interior design, over to fashion and plant care – even Marie Kondo couldn’t organise it now. Better late than never to start a working system.
What am I looking for?
For cinematography, I am looking mostly for editing styles, mood, music and cuts. I do get inspired by the way the videos are filmed, but in this area, I am more attuned in already. I have the visual eye, the hands, the vision but I am missing the experience in post production in film.
Animation and Stop Motion is a field, where I have a lot of theoretical knowledge, through constant consumption. My practical skills are in the beginning phases. So, I pretty much put every reel I like, no matter if it is the style, drawing, cuts, composition, idea, everything goes in there. These fields are exciting to me, because I am so new at it, that I enjoy every improvement, like a child learning to take a first step. It is all interesting, and I am proud of myself for just making something move, or being able to draw something on my iPad. Hopefully, I can stay in this stage for a long time, even as my skills progress {hopefully!}.
The Master Thesis List was the one, that started my collection. I suddenly saw many surf videos on Instagram, probably cause I have been saying the word „surfing“ a lot. It is not a full-on conspiracy „our phones listen to us“ {duh} seeing as I have surfed in the past, and went to a surf camp just last year. It is a list of either great female surfers, or surfing documentaries/videos or surfing in general.
The general Inspo List is as it is in the name already, for anything that I find inspiring. It does not have to be study related, it is just something, where I mentally go „ah, nice, never thought about it like that before.“. As I am a collector of random ideas and thoughts since I could walk, I believe that anything can be useful someday. So if you need a random object to fit into something you have broken, knock on my door, you might get lucky.
To answer my own question: I am looking inspiration. In any way or form.
Looking back up the lines of text of this post, I can see my mind wandering from one place to the next, without addressing my chosen title. Therefore, I will give you some names, that I have collected. Names of people, who I believe make great content. Do with that what you will.
showing process, comic style, drawing, great character animation, full of love
*My taste has started at „drawings that look cute“ to animation that tells as story. I just reflected that because I had to look at my list. I also saw, that I put a surf video into the animation list – mistakes are normal.*
I am going to make an extra blog post, showing more inspirational creators. I realised that I have saved still illustrations too, so might be interesting to creators from all specialisations. I believe it is interesting, because I always love to discover new „role models“.
Produktion eines Kurzfilmes mit Unterstützung von KI und mixed media über die psychische Gesundheit im Medienbereich.
Forschungsthema
Das Forschungsthema konzentriert sich auf die Produktion eines Kurzfilms unter Verwendung von KI und Mixed Media, der sich mit psychischer Gesundheit im Medienbereich befasst. Die zentrale Forschungsfrage könnte lauten:
Wie können KI und Mixed Media eingesetzt werden, um komplexe Themen der psychischen Gesundheit auf eine informative Weise darzustellen und reflektieren?
Relevanz
Dieses Thema ist für Designer*innen von entscheidender Bedeutung, da es ihnen ermöglicht, die Arbeitsbedingungen und Herausforderungen im Medienbereich besser zu verstehen und zu adressieren. Zu den zu lösenden Problemen gehören möglicherweise der Umgang mit Stress, Zeitdruck, Burnout und anderen psychischen Belastungen, denen Mediengestalter*innen in ihrem Berufsleben meist ausgesetzt sind.
Eigenes Interesse
Meine Motivation liegt darin, ein Bewusstsein für die psychische Gesundheit von Mediengestalter*innen zu schaffen und Wege zu finden, wie die Arbeitsumgebung unterstützender gestaltet werden kann. Aus eigener Erfahrung in verschiedenen Arbeitsstellen im Medienbereich (Filmbranche, Grafikdesing) und aus dem Bekanntenkreis habe ich mitbekommen, wie sich die Lage anspannt, sei es am Dreh, mit Kunden oder Konkurrenten. Auch bei diversen Veranstaltungen darunter auch die pixel, wurde dieses Thema immer wieder angesprochen.
Erkenntnisse und Methoden
Aus diesen bereits oben genannten Erkenntnissen möchte ich mittels Interviews und Umfragen Daten sammeln und mithilfe von KI auswerten und weiter verarbeiten.
Stand der Technik
Dieser Aspekt bezieht sich auf den Kurzfilm, der daraus resultieren soll, um mehr Bewusstsein zu schaffen. In diesem Kurzfilm sollen die ausgearbeiteten Interviews von Filmschaffenden mit einfließen und mithilfe von mixed media kombiniert werden. Aus diesem Grund bezieht sich der Stand der Technik auf folgende Bereiche: Kurfilm, KI und Stop Motion/Motion Graphics
Nächste Schritte
Vertiefte Recherche und Konzeptentwicklung
Story-Entwicklung und Drehbucharbeit
Experten Meinungen einholen
Produktion
Vision für den Kurzfilm: Die Vision für den Kurzfilm ist es, ein einfühlsames und informatives Werk zu schaffen, das die Herausforderungen und Erfahrungen von Mediengestalter*innen im Zusammenhang mit ihrer psychischen Gesundheit am Arbeitsplatz auf eine respektvolle und unterstützende Weise darstellt. Er soll zudem auch Empathie fördern und positive Veränderungen in der Arbeitsplatzkultur innerhalb des Medienbereichs anregen. Letztendlich soll der Kurzfilm dazu beitragen, eine offene und unterstützende Umgebung zu schaffen, in der die psychische Gesundheit der Mediengestalter gefördert und respektiert wird.
Überlegungen/Motivationen
In einer Welt, die von ständigem Fortschritt und technologischer Innovation geprägt ist, werden die Grenzen des Storytellings ständig neu definiert. Ein spannendes Beispiel dafür ist die Produktion von Kurzfilmen, die sich der Unterstützung von KI und Mixed Media bedienen, um ein tieferes Verständnis für psychische Gesundheit im Medienbereich zu vermitteln.
Die psychische Gesundheit ist zu einem immer wichtigeren Thema geworden, insbesondere im Medienbereich, der oft die Realität verzerrt und Stereotypen verstärkt, aber auch die Arbeit in diesen Bereichen bringt viele Hürden mit sich. Die Verwendung von Kurzfilmen als Medium ermöglicht es, komplexe Emotionen und Erfahrungen in kurzer Zeit zu vermitteln, was es zu einer idealen Plattform macht, um das Bewusstsein für psychische Gesundheit zu schärfen.
Die Integration von KI in die Produktion von Kurzfilmen bietet eine faszinierende Möglichkeit, die Darstellung psychischer Gesundheit zu verbessern. KI-Algorithmen können große Datenmengen analysieren und Muster identifizieren und einige Tasks in der Produktion übernehmen.
Ein weiterer Schlüsselaspekt bei der Produktion von Kurzfilmen über psychische Gesundheit ist die Nutzung von Mixed Media. Durch die Kombination verschiedener Medien wie Animation, Live-Action-Film und Stop Motion können eine vielschichtige Erfahrung schaffen, die die Zuschauer*innen dazu einlädt, sich in die Welt der Charaktere hineinzuversetzen und ihre inneren Kämpfe besser zu verstehen.
Trotz dieser Herausforderungen bietet das Zusammenspiel von KI und Mixed Media in der Produktion von Kurzfilmen über psychische Gesundheit ein enormes Potenzial, das Bewusstsein zu schärfen, Vorurteile abzubauen und Menschen zu ermutigen, über ihre eigenen mentalen Herausforderungen zu sprechen. Durch die Kombination von Technologie und Kreativität können neue Wege gefunden werden, um komplexe Themen zu erforschen, um positive Veränderungen in der Medienindustrie und auch generell in der Gesellschaft herbeizuführen.
Literatur ist hierfür auch den bisherigen Blogposts zu entnehmen
Was sagt ChatGPT über die Verwendung von KI im Bereich Mediengestaltung?
Die Verwendung von KI im Bereich der Mediengestaltung bietet eine Fülle von Möglichkeiten und Herausforderungen. Hier sind einige Überlegungen:
Effizienzsteigerung: KI kann wiederholte Aufgaben automatisieren und den Workflow beschleunigen. Dies könnte bedeuten, dass Grafikdesigner und Mediengestalter mehr Zeit für kreative Arbeit haben, da sie sich weniger mit Routineaufgaben befassen müssen.
Personalisierung: KI-basierte Systeme können dabei helfen, Inhalte basierend auf den Vorlieben und dem Verhalten der Benutzer zu personalisieren. Dadurch können Medieninhalte relevanter und ansprechender für das Publikum gestaltet werden.
Generative Kunst: KI kann auch dazu verwendet werden, neue Formen der Kunst und des Designs zu schaffen. Generative Modelle können Bilder, Musik und sogar Texte erzeugen, die von menschlichen Künstlern inspiriert sind oder völlig neue Stile und Ideen präsentieren.
Ethik und Bias: Die Verwendung von KI in der Mediengestaltung wirft jedoch auch Fragen der Ethik und des Bias auf. KI-Systeme lernen aus Daten, und wenn diese Daten voreingenommen oder unvollständig sind, können sie diese Vorurteile verstärken oder reproduzieren.
Kreative Autonomie: Ein weiteres Anliegen ist, dass die Verwendung von KI in der Mediengestaltung die Rolle des menschlichen Künstlers oder Designers beeinträchtigen könnte. Es ist wichtig, dass KI als Werkzeug betrachtet wird, das die menschliche Kreativität ergänzt, anstatt sie zu ersetzen.
Insgesamt bietet die Verwendung von KI im Bereich der Mediengestaltung eine Vielzahl von Chancen, aber es ist wichtig, dass diese Technologie verantwortungsbewusst eingesetzt wird und dass die kreative Integrität gewahrt bleibt.
ChatGPT 3.5
Im Kunstbereich Die aufstrebende Präsenz Künstlicher Intelligenz vor allem in der Kunstwelt hat die Art und Weise, wie Kunst konsumiert und produziert wird, grundlegend verändert. KI-Tools haben eine neue Dimension der Kreativität eröffnet und traditionelle Vorstellungen von Künstlerschaft infrage gestellt.
Die Entwicklung von KI-Tools, die Text in Bilder umwandeln können, hat die Erstellung digitaler Kunst erleichtert und für jedermann zugänglich gemacht, unabhängig von künstlerischem Talent. Diese Demokratisierung hat die Einstiegshürden gesenkt und die kreative Entfaltung erleichtert.
Jedoch hat die Verwendung kommerzieller KI-Tools auch eine Diskussion über den Ursprung von Kunstwerken ausgelöst. Die herausragenden Ergebnisse solcher Tools führen oft zu Unsicherheiten über die wahre Urheberschaft der Werke. Es ist wichtig zu betonen, dass KI-Kunst ebenso Zeit, Anstrengung und Hingabe erfordert, um die Eingabeaufforderungen zu verfeinern.
Eine Herausforderung liegt darin, den Wert von KI-Kunst zu bestimmen. Galerien und Sammler spielen dabei eine zentrale Rolle, und ihre Anpassung an die veränderte Landschaft wird entscheidend sein, um den Wert von Kunstwerken zu beeinflussen.
Der Einfluss von KI auf Kunststile und -trends ist ein weiterer wichtiger Aspekt. Die vermehrte Nutzung von KI zur Erstellung von Kunstwerken könnte neue Stile und Trends prägen und die Zukunft der Kunstwelt maßgeblich beeinflussen.
KI in der Filmproduktion Es ist entscheidend zu erkennen, dass KI lediglich ein Werkzeug ist und die Qualität der Ergebnisse von den Eingabeaufforderungen abhängt. Die Auffassung, dass KI eine Bedrohung für die Kunstindustrie darstellt, ist unzutreffend. Der Schlüssel zur Erzeugung herausragender KI-generierter Kunst liegt nicht in der Geschwindigkeit, sondern in der Sorgfalt bei der Ausgestaltung der Eingabeaufforderungen.
Wichtig zu beachten bei KI-generierten Experimentalfilmen ist der Fantasie freien Lauf zu lassen und mit neuen Ideen zu experimentieren. Die Zusammenarbeit mit KI kann ein mächtiges Werkzeug sein, um die kreative Vision zum Leben zu erwecken. Ebenso kann es den bereits integrierten Workflow erleichtern und so unterstützend beitragen.
Quell-Beiträge von aycaturan: https://medium.com/@aycaturan/the-impact-of-ai-on-the-art-world-the-rise-of-ai-art-and-its-challeges-1b47fdba7d7# https://medium.com/@aycaturan/ai-generated-experimental-film-workflow-4a6e4930cbb2
The reaction to feminism in film and discussions of heavy topics in cinema can vary widely, and it’s essential to recognize that people’s responses are shaped by diverse perspectives, experiences, and beliefs. Here are some reasons why some individuals may be triggered or have strong reactions:
Resistance to Change: Some people may resist feminist perspectives or heavy topics in film because it challenges traditional or long-held beliefs. Changes in societal norms can be met with discomfort or resistance by those who are accustomed to the status quo.
Fear of Loss of Representation: Individuals who feel threatened by increased representation of women or marginalized groups may perceive it as a loss of their own representation or influence. This fear can lead to defensive reactions.
Stereotypes and Misconceptions: Misunderstandings about feminism or heavy topics may contribute to negative reactions. Stereotypes and misconceptions about these subjects can lead to misinterpretations and resistance.
Political or Ideological Differences: Some people may view feminism or discussions of heavy topics through a political or ideological lens. If these topics align with a particular political stance that someone opposes, it can trigger strong reactions.
Personal Experiences: Individuals‘ personal experiences can shape their reactions to certain themes. If someone has had negative experiences related to feminism or the heavy topics being discussed, it may influence their perception.
Fear of Uncomfortable Emotions: Films addressing heavy topics often evoke strong emotions, including sadness, anger, or discomfort. Some individuals may actively avoid these emotions, leading them to reject films that delve into challenging subjects.
Misinformation or Lack of Exposure: Lack of exposure to diverse perspectives or misinformation about feminist ideas can contribute to negative reactions. Exposure to well-rounded and accurate information can help foster a more informed understanding.
Cultural or Religious Beliefs: Cultural or religious beliefs can play a significant role in shaping individuals‘ attitudes toward certain themes in film. Some may find that feminist ideas or heavy topics conflict with their cultural or religious values.
It’s crucial to engage in open and respectful dialogue about these topics to promote understanding and bridge gaps in perception. Film, as a powerful medium, has the potential to foster empathy, encourage conversations, and challenge societal norms, but it can also be met with resistance due to the deeply ingrained nature of cultural and personal beliefs.
Stepping out of our comfort zones and addressing topics like feminism and heavy social issues in film can be a powerful way to bring about positive change. It’s important for filmmakers, storytellers, and audiences alike to embrace the potential for positive change that comes with addressing these issues in film. By actively participating in the conversation and supporting diverse and inclusive storytelling, we contribute to a cultural landscape that reflects the richness and complexity of the human experience.
Sei es in der Unterhaltungsbranche oder in der Vermarktung, Storytelling ist unabdinglich. Deshalb fokussiert sich dieser Blogbeitrag auf Storytelling oder im Spezielleren auf die Figur innerhalb des Storytellings, da sie neben dem Plot ein wichtiges Standbein des Storytellings ist. Als Literaturquelle wurde Story – Die Prinzipen des Drehbuchschreibens von Robert McKee herangezogen. Zwar stützt sich McKee bei seiner Beschreibung auf Drehbücher von Filmen, trotzdem kann man auch für andere Bereiche des Storytellings Rückschlüsse ziehen.
Charakter ≠ Charakterisierung
Der wahre Charakter offenbart sich in den Entscheidungen, die ein Mensch unter Druck trifft – je größer der Druck, desto tiefgreifender ist die Enthüllung, desto mehr entspricht die Entscheidung dem innersten Wesen der Figur.
McKee 2019, S.117
Der Charakter einer Figur ist nicht dasselbe wie die Charakterisierung einer Figur. Die Charakterisierung schließt alle Eigenschaften, Werte, äußere Attribute und Verhaltensmuster einer Figur mit ein (vgl. McKee 2019, S.116).
Wie bereits das vorangestellte Zitat von Robert McKee beschreibt, kann der Charakter einer Figur durch die Entscheidungen, welche unter Druck gefallen sind, ersichtlich werden. Würde sich beispielsweise eine Figur in einer lebensbedrohlichen Situation für die Wahrheit entscheiden, obwohl eine Lüge ihr aus der Lage helfen würde, zeigt dies das der Charakter dieser Figur sehr viel Wert auf Ehrlichkeit setzt. Den Druck braucht es bei der Definition von Charakter, da ohne ihn Entscheidungen zu Oberflächlichkeiten werden (vgl. McKee 2019, S.117ff).
Enthüllung der Illusion
Die maßgebliche Bedeutung einer guten Erzählung ist die Enthüllung des wahren Charakters oder der Widerspruch zur Charakterisierung. Zuseher:innen möchten nicht, dass zum Beispiel das Auftreten eines liebevollen Ehemanns am Ende genauso scheint wie es am Anfang etabliert worden ist. Denn wenn der wahre Charakter und die Charakterisierung einer Figur genau gleich sind, wird die äußere und innere Erscheinung der Figur festgefroren und die Rolle eine reine Wiederholung von vorhersehbaren Verhaltensweisen. Die Figur wird eindimensional und uninteressant (vgl. McKee 2019, S. 119).
Figurbogen
Das beste Schreiben enthüllt nicht nur den wahren Charakter der Figur, sondern treibt ihre innere Natur im Laufe der Erzählung auf die Spitze oder verändert ihr innerstes Wesen zum Besseren oder Schlechteren.
McKee 2019, S.120
Wie das Zitat bereits vorweg nimmt, wird beim Schreiben einer Figur ein Bogen gespannt, welcher eine bestimmte Entwicklung (positiv/negativ) abbildet. Dieser Entwicklungsablauf kann man in 5 Teile gliedern:
Die Handlung charakterisiert den oder die Protagonist:in
Bekanntmachung mit dem Innersten der Figur
Dieser Tiefencharakter ist nicht deckungsgleich mit der äußeren Erscheinung/Haltung der Figur. Sie steht im Gegensatz bzw. im Widerspruch zum Tiefencharakter.
Die Handlung übt, nach Offenlegung des inneren Wesens der Figur, immer mehr Druck auf sie aus, damit sie immer schwierigere Entscheidungen treffen muss.
Alle getroffenen Entscheidungen der Figur haben sie bis zum Höhepunkt tiefgreifend verändert (vgl. McKee 2019, S.121f).
Die Wechselwirkung Struktur und Figur
Um die wahre Natur einer Figur rauszukitzeln, benötigt es wie bereits erwähnt Druck. Dieser Druck wird im Storytelling von der Struktur des Plots erzeugt. Die Figur bringt ihre Charakterisierungseigenschaften mit. Verknüpft werden diese zwei Elemente durch das Handeln der Figur. Damit eine Figur als authentisch anerkannt wird müssen die gewählten Handlungen der Figur ihren Eigenschaften entsprechen. Es ist auch wichtig darauf zu achten, dass durch jede getroffene Entscheidung der Figur, verändert sie sich und kann daher im Verlauf der Geschichte anders handeln (vgl. McKee 2019, S.122f).
Wie facettenreich Figuren sind, muss dem Genre angepasst werden. Normalerweise sind Figuren im Action- / Abenteuerfilme Bereich eher einfach gestaltet, damit sie nicht allzu sehr von den Stunts ablenken können. Geschichten, welche persönlichen oder inneren Konflikt beinhalten, benötigen komplexe/tiefgründige Figuren (vgl. McKee 2019, S.124).
Die Handlung ist, wie Aristoteles festhielt, wichtiger als die Charakterisierung, aber Story-Struktur und wahrer Charakter der Figur sind ein und dasselbe Phänomen, unter zwei verschiedenen Blickwinkeln betrachtet. Die Entscheidungen, die Figuren hinter ihren äußeren Masken treffen, machen ihr inneres Wesen aus und treiben gleichzeitig die Story voran.
McKee 2019, S.127
Fazit
Diese Bestandsaufnahme der Figur im Storytelling kratzt gerade einmal die Oberfläche eines weitläufigen Feldes. Man könnte noch auf Subthemen, wie Klischees und Rollenbilder oder mögliche Figuren-Kategorien eingehen. Trotzdem zeigt dieser Beitrag die fundamentalen Attribute auf, welche bei der Entwicklung von Figuren wichtig ist. Außerdem können diese Prinzipien nicht nur auf menschliche Figuren angewendet werden, sondern auf alle möglichen Protagonisten einer Handlung wie beispielsweise einem Wort oder einem einzelnen Buchstaben.
Literaturverzeichnis
McKee, Robert: Story – Die Prinzipien des Drehbuchschreibens. Berlin: Alexander Verlag Berlin, 12. Auflage, 2019.
Wann immer wir Kleidung kaufen, entscheiden wir uns nicht nur für das Kleidungsstück, welches uns steht oder die präferierte Farbe hat, sondern auch wie es sich auf unserer Haut anfühlt. Diese Logik können wir auf viele Bereiche in unserem Leben zurückführen. Auch ist die Materialität ein essentielles Gestaltungselement in der visuellen digitalen Gestaltung.
Textur als Element der Bildgestaltung
In der Bildkomposition sticht eine scharfe/ kantige Textur weitaus mehr heraus, wenn es in Verbindung mit einer weichen Textur steht. Deswegen wird der shallow depth of field Effekt so oft eingesetzt. Außerdem zeigt die Textur Details. Ohne sie würden wir nur geometrische Formen sehen. Zwar geht die Textur eine Beziehung mit Farbe und Lichtsetzung ein, doch im Gegensatz zu den beiden Elementen, kann man Textur im Realbild/ Film nicht wirklich manipulieren. Während Komposition, Licht und Farbe die Persönlichkeit des Shots haben, hat Textur die Persönlichkeit von der Location. Es zeigt die Zeitspanne, den Ort, das Alter, den Zustand. Zudem verbessert es die anderen Elemente in der Aufnahme (vgl. Robbins 2017 [00:55-02:15]).
Verlangen nach Haptik
“One of the interesting factors of digitialisation is the steep rise in nostalgia for physicality…nobody ever really talked about the smell of books until ebooks started to threaten their existence. All of a sudden, we became nostalgic for a quality that we never really noticed before.“
Nedtalks
Seit dem Aufstieg der digitalen Sphäre in unserem alltäglichen Leben, gibt es immer wieder große Debatten, was nun besser sei, das Digitale oder doch das Analoge. James Bridle erwähnt in seinem Ted Talk A new aesthetic for the digital age eine Komponente, die nicht nur für die Buchwelt gilt, sondern auch für Felder wie zum Beispiel die Bildmedien. Er ist der Meinung, dass das Problem von E-Books nicht der Inhalt der Bücher sei, sondern das Fehlen vom physischen Erleben. Dieses physische Erleben ist stark mit unserer Erinnerung, Geschichte und Kultur verbunden. Auch sieht man diesen Aspekt zum Beispiel bei Instagram. Instagram ist sozusagen die digitale Variante von persönlichen Fotosammlungen, welche entweder kuratiert in Fotoalben oder chaotisch in Schuhschachteln zu finden sind. Durch das Posten, teilt man mit der Welt die persönliche/ gemeinsame Erinnerung an etwas. Doch in diesem Prozess gibt es auf Instagram auch die Variante Filter auf die digitalen (meist) Handyfotos zu legen, um die Ästhetik einer Kamera zu simulieren. Bridle ist der Meinung, dass dieses Verhalten darauf zurückzuführen ist, dass wir Menschen noch sehr im Physischen verhaftet sind und wir Materialität oder die Reproduktion von Materialität im digitalen suchen, da sie nicht nur Vertrautheit aussendet, sondern auch Erinnerungen in uns weckt (vgl. Bridle 2012, 0:00-6:37). Somit müssen Nostalgie Objekte nicht mehr von physischer Natur sein, wie beispielsweise Schallplatten, sondern sie können von der digitalen Welt imitiert werden, so dass wir als Konsumenten Nostalgie verspüren.
Film Grain als Ästhetik
Ein weiteres Beispiel für die Reproduktion im digitalen Raum ist Filmgrain (oder Filmkörnung). Früher hatten Filmemacher:innen noch die Ambitionen Grain aus dem analogen Film zu verbannen. Heutzutage gilt Grain als Ästhetik, vor allem im Indie-Film, da Grain all diese Assoziationen mit der Filmgeschichte hat. Doch wie kann Grain eingesetzt werden?
Was ist Grain?
Vorher kurz noch eine Erklärung, was man eigentlich unter Grain versteht. Grain oder im deutschen Korn/ Körnung/ Körnigkeit entsteht durch die chemische Reaktion der Silberhalogenidkristalle in einem (fotografischen) Film oder Fotopapier während der Belichtung und Entwicklung (vgl. Abreu, 2020).
Korn tritt vor allem bei analogen Filmen auf und ist ein Merkmal der Silberhalogenidkörner, die durch verschiedene Faktoren wie Empfindlichkeit des Films, Entwicklungsmethode und die Art des Films beeinflusst werden können (vgl. Abreu, 2020).
Korn kann dazu führen, dass ein Bild einen grobkörnigen oder feinkörnigen Effekt hat. In der Schwarzweißfotografie kann Korn auch als gestalterisches Element verwendet werden, um bestimmte Stimmungen oder Effekte zu erzeugen (vgl. Abreu, 2020).
Film noise ist ein weiterer Begriff in Zusammenhang mit Grain. Beim analogen Film werden meist die schnellen sprühenden und sichtbaren Flecken/ Körnchen und Haare genannt, welche am Anfang oder am Ende des Films auftreten. Auch in der digitalen Fotografie/ Videografie gibt es einen ähnlichen den Begriff Noise (deutsch digitales Rauschen). Man könnte sagen, dass es als die digitale Variante von Grain gesehen werden kann. Er entsteht, wenn die Belichtung zu hoch ist oder die Kamera über ihren natürliche dynamic Range ist (vgl. Abreu, 2020).
Grain als gestalterisches Element
Nerdwriter erklärt in seinem Video Essay Mandy: The Art Of Film Grain auf YouTube, anhand des Films Mandy von Panos Cosmatos, was das expressive Potenzial von Grain als gestalterisches Element – losgelöst von seiner Charakteristik eine Hommage an die Filmgeschichte – sein könnte. Dabei liegt der Fokus darauf, was für eine Qualität der Gefühle und der Bildsprache, der Einsatz von Grain hervorruft.
Die prominenteste Qualität von Grain im Film ist Bewegung. So werden Stilleben plötzlich zum Leben erweckt, da durch das bewegende Grain beispielsweise eine Blume in einer Vase plötzlich lebendig wird. Grain erweckt Gefühle in uns. Auch hat es einen hypnotischen Effekt, welcher passend zum Film Mandy ist. Es kann auch das Gefühl von Paranoia bei den Betrachter:innen wecken, weil beispielsweise man den Verdacht hegen könnte, dass sich da was hinter dem gezeigten Bild versteckt (vgl. Nedwriter1 2018, [03:55-04:30]).
Eine andere Qualität von Grain ist, dass es verschmilzt. Es verleiht dem Einzelbild eine grundlegende Textur, sodass es eine Kontinuität zwischen zwei Objekten aufrecht erhalten werden kann. Außerdem hat es den Eindruck, dass das Bild aus einer Vielzahl von kleinen Partikeln aufgebaut ist. Diese kleinen Partikel könnten auseinandergehen und überlappen. Cosmatos verwendet dichten Grain oft mit Nebel, um diesen Effekt noch mehr zu überspitzen. So ist nichts mehr solide oder greifbar für die Zuschauer:innen. Geglaubtes verändert sich zu etwas anderem. Im Beispiel Mandy wird es in einer Szene verwendet, in der sie unter Drogeneinfluss steht und Bewegungen in einander übergehen (vgl. Nedwriter1 2018, [04:31-05:55]).
Fazit
Somit kann man sagen, dass Textur nicht nur für die Ästhetik oder Nostalgie herangezogen werden kann, sondern auch um Botschaften zu übermitteln oder um visuelle Spannungen zu erzeugen.
Quellenverzeichnis
Abreu, Rafael (13.09.2020): What is Film Grain? The Causes and Effects Explained. Online: https://www.studiobinder.com/blog/what-is-film-grain-definition/ (Zuletzt geöffnet: 22.01.2024).
Aidin Robbins (02.09.2017): Why Texture is so Important in Filmmaking. Online: https://www.youtube.com/watch?v=yRfO9TuHJhI (Zuletzt geöffnet: 22.01.2024).
Bridle, James (06.07.2012): James Bridle: A new aesthetic for the digital age. Online: https://www.youtube.com/watch?v=4PcpGxihPac (Zuletzt geöffnet: 11.01.2024).
Nedwriter1 (18.10.2018): Mandy: The Art Of Film Grain. Online: https://www.youtube.com/watch?v=4PcpGxihPac (Zuletzt geöffnet: 22.01.2024).
Das Genre Ein Genre ist eine der einfachsten Formen der Klassifizierung, es erleichtert vor allem aus kommerzieller Sicht, wie ein Film vermarktet wird. Sobald Film zugänglich für die große Masse wurde, wurden auch Genres etabliert. Diese werden in Abhängigkeit der Zeit und des Entwicklungsstandes der Filmtechnik kategorisiert. Aufgrund dessen gibt es in vielen Genren zur Zeit keinen Zuwachs mehr, sieht man sich das Genre “Film noir” an, das vor allem in der Nachkriegszeit beliebt war.
Eine kurze Geschichte des Films Seite 7
Die Entstehung eines Genres erfolgt dann, wenn eine Gruppe von Filmen bei einem Publikum Erfolg hat und diese immer wieder kopiert werden, sodass sich ähnliche Motive und Typen bestimmen lassen, die wiederum wiederverwendet werden. Auch die kulturellen Aspekte spielen bei den Genren eine Rolle. Beispielsweise wird das Filmdrama im deutschsprachigen Raum anders definiert als im englischen. Im Deutschen beruft es sich auf die Handlung eines klassischen Dramas mit einem tragischen Verlauf, im Englischen ist es die Darstellung einzelner Personen, auf die mehr Fokus gelegt wird und auch wesentlich ausgeprägter ist.
Filmwissenschaftliche Genreanalyse-Markus Khun, Seite 71f
Erfolgsfaktoren bei Filmen Bei einem Film fließen unterschiedliche Faktoren ein, weshalb dieser als erfolgreich gilt. Unterschieden wird hauptsächlich zwischen zwei Gruppen, darunter spielt der Name des Regisseurs oder der Regisseurin, das Genre, Darsteller:innen und wie attraktiv – im Sinne ihrer Leistungen – oder etabliert diese bereits sind, und natürlich die Qualität des Filmes. Neben diesen Merkmalen gibt es noch begleitende Merkmale, die vor allem die Kommunikation danach betreffen: Filmkritik, Bewertungen, Preise und Auszeichnungen, sowie die Vermarktung durch Werbung.
Mögliche Fragestellungen, die sich aus diesem Kapitel für das Interview ergeben:
Wie entstand die Idee für das Genre von Cornetto? – Hast du von vorn herein gewusst in welches Genre dieser Film fällt?
Welche Genre faszinieren dich besonders und warum?
Wie lässt sich der Erfolg von Cornetto messen? – hast du das Gefühl, dass bestimmte Merkmale des Filmes(Darsteller:innen, Handlung, Kooperationen, etc.) mehr beigetragen haben als andere?
Welche begleitenden Merkmalen hast du bei diesem Film besonders herausgehoben, wie haben sie den Erfolg beeinflusst deiner Meinung nach? (Filmkritik, Bewertungen, Preise und Auszeichnungen, Vermarktung durch Werbung)
Hat die Wahl dieses Genres deiner Meinung nach mehr Erfolg als andere und warum?
Definition: Stop-Motion reiht Einzelbilder aneinander und erweckt dadurch statische Objekte und Bilder zum Leben. 1
Die Techniken: Es gibt unterschiedliche Techniken wie Claymation (Knetanimation), Pixilation (mit menschlichen Darsteller*innen), Cutout-Animation (ausgeschnittene Figuren), Objekt-Animation, Puppenanimation und Silhouetten-Animation. 1
Die Geschichte: Erste Anwendungen dieser Filmtechnik sind auf das Ende des 19. Jahrhunderts zurückzuführen. Georges Méliès zählt zu den Pionieren dieser Zeit, die sich mit der Stopptrick-Technik beschäftigten. Zeichentrickfilme Anfang des 20. Jahrhunderts basierten auf dieser Filmtechnik. 1
Künstler*innenund Regisseur*innen: In meinen Blogeinträgen könnte ich über Stop-Motion-Filme und deren Schöpfer*innen schreiben (Otmar Gutmann: Pingu; Guillermo Del Toros: Pinocchio; Daniel Ojari und Michael Please: Rote Robin u.a.).
Color Grading hat einen großen Einfluss auf die Wirkung von Filmen. Meine Blogbeträge könnten zu dieser Annahme forschen.
Filmgenres: Es könnte darum gehen die einzelnen Genres klar zu definieren und voneinander abzugrenzen. Die Genres könnten analysiert werden in Bezug auf das Color Grading. Als Genres könnte auf Science-Fiction, Drama, Horror und Dokumentarfilme eingegangen werden.
Software: In den Blogbeiträgen könnte auf die gängige Software DaVinci Resolve eigegangen werden. Ihre Funktionen und Möglichkeiten könnten in den Beträgen vorgestellt werden.
Farbmanagement: Hierbei geht es um die Vorteile der Verwendung von Color Charts. Auch die Kalibrierung von Monitoren wäre interessant in den Blogbeiträgen zu behandelt.
Die Entwicklung: Vor der Einführung von günstigen Camcordern, war es nur professionellen Filmproduktionen möglich Events wie Hochzeiten festzuhalten. Filmschaffende Menschen waren in einer exklusiven Position und hatten neben teurer Ausrüstung auch ein breites Fachwissen. Die Camcorder öffneten privaten Personen einen neuen Zugang. Viele der Aufnahmen aus dieser Zeit sind in veralteten Formaten steckengeblieben. Damals gab es noch keine Tools zur Bearbeitung und die Weiterverbreitung war nicht so einfach möglich wie heute mit Social Media. 2
Heute: Die Grenze zwischen Amateur- und professionellen Filmproduktionen verschwimmt langsam. Smartphones und Laptops sind auf einem technischen Niveau, welches einige Jahre zuvor nur professionelle Filmkameras und Computer hatten. Jeder hat Zugang zu professionellen Schnittprogrammen, die auch in Hollywood ihre Anwendung finden. Auch die Benutzerfreundlichkeit wird immer besser. 2
Chancen und Risiken: Durch diese Entwicklungen haben wir die Chance Geschichten von Menschen zu hören, die uns ansonsten verborgen geblieben wären. 2
