by bensu.kaya -

→ Impulse_02 | World Usability Congress

On 16&17th October, we attended the World Usability Congress 2024 as last year. While there were many interesting talks on UX/UI design, most didn’t connect directly with my thesis topic. However, one presentation stood out—Kent Eisenhuth’s „Lessons Learned From Our Accessibility-First Approach to Data Visualization.„ It gave me fresh ideas about how to approach data visualization, and I want to share some of the key points that can useful for me.

What I Learned

  1. Clarity Makes Data More Universal
    Kent emphasized the importance of making visualizations simple and clear. Overly detailed or complex charts make it harder for people to understand the message. This idea connects with my work on language visualization. If visualizing the sounds of words or sentences becomes too busy, it could lose its meaning.
  2. Accessible Visuals Help Everyone
    One takeaway that stuck with me was how accessibility benefits all users, not just those with disabilities. For example, using high-contrast colors, patterns, or clear text labels in data visualization makes it easier for everyone to interpret, even in situations like low light or small screens. I realized this applies to visualizing language sounds too—users should be able to understand the visuals without needing extra effort.
  3. Using Multiple Senses
    Kent talked about going beyond visuals by incorporating sound or touch into data visualizations. This reminded me of the potential for multisensory designs in my language visualization project. For example, visualizing how German or English sounds could include audio feedback to make the experience richer for users.
  4. Focus on the Message
    A big part of accessibility is focusing on what you’re trying to say with the data. Kent showed examples where the message was lost because of too much decoration or unnecessary details. For my work, this means focusing on the core idea: how different languages “look” when spoken, and not getting distracted by extra effects.

Conclusion

Kent Eisenhuth’s talk made me think about how important accessibility is in data visualization and how I can use it in my thesis. Visualizing language sounds in a way that’s clear and easy to understand is essential for making it useful to others. Overall, it was a very inspiring talk!

by bensu.kaya -

→ Impulse_01 | Klanglicht

Klanglicht 2024 was both challenging and exciting for me. Having the chance to showcase two projects, I experienced some of the most rewarding but also stressful moments throughout the process. We presented Sonolux Speculative Future in the Young Masters exhibition with Mahtab Jafarzadeh Miandehi, Hannah Albrecht, Francisco Sylla, and David Laßlberger, and Langnicht as part of Spektrum. Klanglicht festival is such an inspiring event for me and my thesis, featuring installations that combine sound and visuals in creative ways.

SONOLUX SPECULATIVE FUTURE

© Max Kathan

For this project, we created a multi-sensory installation inspired by research into the acoustic ecology of the Hilmteich area in Graz. It explored how urbanization—like the construction of the LKH hospital—impacts this natural space. We imagined speculative futures for Hilmteich, showing two scenarios while reflecting on its current state. This installation was featured in the Young Masters exhibition at Schlossbergstollen.

David and I worked on audio-reactive visuals using TouchDesigner, which was a great way to practice my skills and showcase them in an exhibition. On top of that, we all worked together to construct the installation, which made the whole experience even more challenging but good 🙂

Being part of Young Masters was truly amazing. I’m really proud of our team and what we did!

© Max Kathan

SPEKTRUM

For Spektrum, we transformed the nave of Antoniuskirche in Graz into an immersive media experience. The title reflects the exploration of light and sound spectra, as well as the broader concepts of diversity and range. Our narratives focused on the in-betweens—like emotional and meaning spectra, harmony and chaos, colors and movement.

This was made possible with the guidance of our amazing lecturers: Astrid Drechsler, Daniel Fabry, Michael Kernbichler, Didi Mosbacher, and Roman Pürcher.

LANGNICHT

Langnicht explores the spectrum between nature and technology. The entire process—from planning to building to the final presentation—was such a mix of excitement, learning, and occasional stress. Our team grew so much during this time, and we created something we’re all really proud of. For me, working with After Effects and contributing to the construction was especially inspiring.

© Max Kathan

Conclusion

I feel really proud and lucky to have been part of Klanglicht 2024! It was an amazing experience to not only showcase our work but also to see and connect with other artists, exchange ideas, and receive feedback from professionals from the field of design. All the hard work, stress, and long hours were absolutely worth it. I’m so grateful for this opportunity and everything I’ve learned along the way! ✨💙

Overall,

by tom.giess -

IMPULSE #3: Representation of Epilepsy in Back for Good (2017)

© Zum Goldenen Lamm GmbH & Co. KG, SWR

While conducting research about the topic of epilepsy I came across the EMDb – Epilepsy Movie Database and was curious what movies I would find and how epilepsy as a disease is represented in modern cinema. I decided to host a movie night accompanied with friends and decided to watch the following movie. For my part I payed attention to the way of how epilepsy is represented.

The german tragicomedy movie „Back for Good“, directed by Mia Spengler and released in 2017, deals about the story of former reality TV star Angie, who is forced to move back into her mother’s house in her hometown after going through drug withdrawal. She is about to live with her overprotective mother Monica and her pubescent sister Kiki, who was diagnosed with epilepsy and is bullied at school. Angie herself is moderately successful, but hopes to become a candidate for the next season of Dschungelcamp, a reality show on german television, and have a comeback. The movie incorporates a culture clash, where the b-list celebrity world meets the life in the province.

The relationship between the sisters is tense, but as soon as mother Monica needs to stay in hospital, Angie has to take responsibility for her sister Kiki. This unexpected burden lets the two sisters approach each other.

Although the movie incorporates comedy elements and has overall bizarre characteristics, expert opinions highlight the high fidelity of how epilepsy is portrayed. The movie puts emphasis on a realistic and responsible representation of epilepsy. It displays how a family structure can be complicated and societal stigmatization reinforces self-worth, self-perception and social isolation.

First of all, Angie did not know about her sister’s diagnosis. Not only because of their bad relationship with each other, her mother Monica decided to not tell her older daughter about it. It may be assumed that Monica does not want to put too much attention to her daughter’s disease, because Angie’s work as a TV star means publicity.

Kiki has to wear a noticeable helmet, which protects her in case she experiences an epileptic seizure. She feels ashamed to wear a helmet in school, which gives bullies at school a target and results in her own self-isolation. Her mother limits Kiki’s freedom in the way she takes care of her daughter. When Kiki becomes a victim of cyberbullying, her mother sees herself powerless. The movie plays with the contrast of irresponsible drug abuse and uncertain chronic illness, independence and dependence. This becomes clear, when Angie orders food at a fast food drive-in and Kiki lists, what she can’t eat because of her illness. When Angie and Kiki become closer, it is shown how rarely Angie knows something about her sister’s disease. Kiki needs to explain what can happen to her and how she experiences her individual form of epilepsy. Compared to her mother Monica, who acts withdrawing and protective, Angie is characterized by a more self-conscious and confrontative nature. As soon as she witnesses Kiki being bullied at school, she faces the bullies in an aggressive as well as violent way, making threats to Kiki’s schoolmates.

The jury of Deutsche Film- und Medienbewertung (FBW), a german governmental institution which reviews movies regarding their artistic, documentary or film-historical significance, awards Back for Good with the highest status „Prädikat besonders wertvoll“. Besides its cinematic quality, relevant aspects that led to this decision were the acting performance of main actress Kim Riedel (Angie) and the movie’s authentic and non-judging representation of the environment, where the story takes place. Another added value is the questioning of social tolerance and how to interact with people, that are different.

The movie got awarded in 2017 and 2018 as Young Talent Award of the DEFA foundation, Prize of the Jury of German-Language Film Critics, Best Film of Studio Hamburg and Biberacher Filmfestspielen as well as Best Debut Film of weekly journal Bunte.

Back for Good manages to show the challenges persons with epilepsy face on a daily basis by putting them into the context of a complex family history. Medical as well as social and emotional aspects and their impacts on affected people and their environment are integral part of the plot. By combining humor and seriousness, the film succeeds in making the subject of epilepsy accessible to a wider audience while promoting greater understanding and acceptance.

Resources

https://filmdatenbank.dgfe.info/index.html

https://www.fbw-filmbewertung.com/film/back_for_good

https://www.epd-film.de/filmkritiken/back-good

https://de.wikipedia.org/wiki/Back_for_Good_(Film)

by hanna.weichsler -

IMPULS 3: (Film) „Die Fotografin“

Diesen Film habe ich in einem englischen Kino in Wien gesehen. Seine Bildsprache und die erzählte Geschichte haben mich abgeholt. Außerdem hat mich der Film dazu motiviert mein Masterarbeitsthema „Frauen in der Selbstständigkeit“ anzugehen. Ich ging mit einem „Jetzt erst recht!“ Gefühl aus der Vorstellung heraus. Der Film „Die Fotografin“ beschäftigt sich mit Lee Millers Jahren als Kriegsfotografin im Zweiten Weltkrieg. Regie wurde von Ellen Kuras geführt und die Produktion sowie die Hauptrolle übernahm Kate Winslet. Lee Miller kannte ich durch ihr berühmtes Portrait in Hitlers Badewanne. Im Film wurden ihre Bilder mit viel Liebe zum Detail nachgestellt.

Im Magazin „ALL ABOUT HISTORY“ wird der Film als „fiercely feminist biopic“ beschrieben.1 In einem Interview von „GALORE“ stellt die Produzentin und Schauspielerin Kare Winslet allerdings klar, dass sie den Film nicht als Biopic sieht. Die ganze Biografie von Lee Miller könnte eine 12-teilige Serie füllen, meinte Winslet. Der Film fokussiert sich auf rund zehn Jahre ihres Lebens. Sie wollten Lee Miller bewusst von ihrer Rolle als Fotomodell und Muse von Man Ray lösen und ausschließlich ihre Zeit als Korrespondentin im Krieg zeigen.2

Ich hasse den Begriff Muse und lege viel Wert darauf, dass er [Man Ray] und alles, wofür er steht, im Kontext unseres Films keine Rolle spielt.3

In einem Interview mit dem „TOTAL FILM“ Magazin beschreibt Winslet das die Art und Weise, wie Lee Miller beschrieben wurde, auf dem männlichen Blick (male gaze) beschränkt blieb. Sie ist eine Frau, die oft nur als Muse von Man Ray gesehen wird. Winslet sagt, dass Lee Miller es hasste ein Model zu sein. Diese Annahme belegt sie mit dem bekannten Zitat von Lee Miller: „I’d rather take a photograph than be one.“ Für die Regisseurin Kuras war es wichtig Lee Miller nicht zu objektifizieren, sondern zu zeigen wie sie genug davon hatte und sich auf die andere Seite der Kamera stellte.4

Mit folgendem Opener-Text wurde Lee Millers früheres Leben kurz angeschnitten: „I’d been the model, I’d been the muse, I’d been the ingénue. I was good at three things: drinking, sex and photography.” Miller war nicht daran interessiert für ihren Partner Roland Penrose Hausfrau zu spielen. Stattdessen überzeugte sie das „Vogue“ Magazin von ihrer Fotografie und wurde Kriegs-Korrespondentin. Laut dem „All About History“ Magazin ist Winslet perfekt für die Rolle der Lee Miller geschaffen und machte darüber hinaus als Produzentin einen guten Job. Es werden nicht nur Lee Millers Erfolge gezeigt, sondern auch ihr Umgang mit ihrer posttraumatischen Belastungsstörung, Ansprüche an Mutterschaft, ihre Alkoholabhängigkeit und Depression. Dem Magazin zu folge gibt der Film zu verstehen, dass Miller bestrebt war, sich als Fotografin und Journalistin zu beweisen.5 

We come to understand Miller was driven to prove herself as an artist and journalist in her own right, but did so with humanity and a curious lack of ego. 6

Der Film gibt Anlass über das Leben von Frauen nachzudenken und die Art und Weise, wie ihr Wert von Männern definiert wurde (und allzu oft noch wird).7

Die Produzentin spricht offen über Hürden, die es zu überwinden galt. Unteranderem trafen sie auf einem Geldgeber, der fragte warum er diese Frau mögen sollte. Für Winslet war sofort klar, dass dieser Mann nicht Teil des Films sein wird. Ihnen war wichtig diesen Film nur mit Menschen zu produzieren, die ein Verständnis für die Geschichte mitbrachten.8

Der Film bzw. Lee Miller könnte für meine Masterarbeit eine Bedeutung haben. Lee Miller ist heute noch sehr interessant, da sie in einer Branche Karriere machte, die von Männern dominiert wurde. Ich könnte mich mit ihr beschäftigen und anhand ihrer Geschichte Frauen dazu inspirieren in der Selbstständigkeit Fuß zu fassen. Sie stellte sich gegen gesellschaftliche Erwartungen und wollte nicht bloß Hausfrau und Mutter sein. Außerdem finde ich sehr interessant, dass sie lange Zeit nur als Muse von Man Ray gesehen wurde. Der Film stellt sie in einem anderen Licht da, der ihr und ihren Werken viel mehr gerecht wird.

1 vgl. Conterio 2024, S.78

2 vgl. Heidmann 2024, S.107

3 Kate Winslet IN: Heidmann 2024, S.107

4 vgl. Miles 2024, S.12

5 vgl. Conterio 2024, S.78

6 Conterio 2024, S.78

7 vgl. Conterio 2024, S.78

8 vgl. TOTAL FILM 2024, S.13

Literaturangabe

Miles, Lauren: NO FILTER. LEE. In: TOTAL FILM issue 354 (2024), S.12f

Conterio, Martyn: LEE. A fascinating, fiercely feminist biopic about WWII photographer Lee Miller. In: ALL ABOUT HISTORY issue 148 (2024), S.78

Heidmann, Patrick: Hinter der Kamera. In: GALORE INTERVIEWS 9,24 (2024), S.107

by anna-katharina.hammerer -

Impuls #4 – Forget the Film, watch the title

Home

Ich habe bereits in meinem letzten Impulsbeitrag mir eine Website angeschaut, welche sich auf Titelsequenzen fokussiert. Auch Forget the film, watch the title beschäftigt sich ausschließlich mit Titelsequenzen aus Film, Fernsehen, Events und Videospielen. Trotzdem lohnt es sich für mich, mir diese Website im Bezug auf meine Masterarbeit genauer anzuschauen.

Allgemeines zur Website

Inspiriert von der VHS Kollektion von Submarine Channel gestaltete der Niederländer Remco Vlaanderen diese Website als Hobby. Sie ging 2006 online und wurde nach eine Pause von 2014-2019 wieder aufgenommen. Auf der Website sind über 200 Titel und behind-the-scenes Inhalte vorzufinden. Diese Sammlung bietet einen einzigartigen Einblick in die Arbeitswelt der Titel Design-Gestalter:innen und präsentiert die zuständigen Personen, die Ideen und die Prozesse hinter den Titelsequenzen. Auch werden auf der Seite kurze Dokumentationen über die bekanntesten Titel Design-Gestalter:innen veröffentlicht.

(Mir ist unklar wer die Website nun betreibt, weil die Website auch ein Submarine Channel Projekt sei).

Aus dieser Website sind folgende Spin-Off Projekte entstanden:

  • Playgrounds Vs Submarine Channel – Ein Event in Amsterdam in Kooperation mit dem Playgrounds Festival (2011) mit Vorträgen von Kyle Cooper, Dvein, Onesize und Buck.
  • Watch the Titles! on Tour – Eine einstündige Vorführung von einer Selektion an Titelsequenzen, welche zwischen 2005 und 2010 entstanden sind. Diese Vorführung wurde an mehreren Standorten in den Niederlanden und auf weltweiten Festivals gezeigt.
  • Watch the Titles! DVD – Auf dieser befinden sich 38 Titelsequenzen und 9 Kurzdoumentationen über Titeldesigner, welche in Los Angeles, London, Berlin und Amsterdam tätig sind.
  • Flux Screening Series – Ein Vortragsabend in The Hammer Museum in Los Angeles in Kooperation mit Flux mit Vorträgen von Kyle Cooper, Karin Fong, Garson Yu, Jamie Caliri und Danny Yount
  • Forget the Film, Watch the Titles at MU – Eine Ausstellung in Eindhoven (Niederlande) von Dezember 2009 bis Jänner 2010. Diese hat 30 Titelsequenzen, eingeteilt in 5 Themenbereiche, beinhaltet. Es gab auch ein Event mit den Vortragenden wie Nic Benns, Miki Kato von Momoco und weiteren.
  • Cinema.nl – Hier findet man Beiträge vom Team der Website. Die Website ist eine niederländische film Seite.

Aufbau der Website

In der Navigationsleiste findet man Verlinkungen zu den Kategorien: Titelsequenzen, Designer, Studios und Suche. Auf der Homepage begrüßt einen eine Diashow mit ausgewählten Beiträgen wie Video-Interviews mit Designern und Titelsequenzen. Darunter gibt es eine Galerie mit den Interviews. Darauffolgend gibt es Banner für die Kategorie Film, Serien, Events, Studentenprojekte, French Fridays. Diese Kategorien findet man auch in der Verlinkung Titelsequenzen in der Navigationsleiste. 

Klickt man auf eine der Unterkategorien von Titelsequenzen, gelangt man auf eine Unterseite, welche kurz die Kategorie beschreibt und danach im Raster Titelsequenzen ohne erkennbare Ordnung anzeigt. Auf der Seite der Studentenprojekte wird angegeben, wie man Titelsequenzen einreichen kann, um auf die Seite mit Studentenprojekte zu gelangen. Aber auf der Seite gibt es nur 5 Titelsequenzen von Studentenprojekten.  Bei der Kategorie French Fridays handelt es sich um Titelsequenzen von französischen Produktionen, welche Laure Chapalain und Hervé Tissot haben. 

Bei der Auswahl Designer gelangt man zu einer alphabetischen Liste aller vorkommenden Designer. Unter den Designern werden auch die bekanntesten Titelsequenzen von ihnen genannt. Dasselbe passiert, wenn man die Auswahl Studios tätigt.

Die Seite einer einzelnen Titelsequenz enthält normalerweise das Video der Titelsequenz, eine längere Beschreibung der Titelsequenz/ Interview mit den Machern, Eckdaten, kurze Biografie der Macher, Verlinkungen und Stills aus der Titelsequenz. Hier muss ich leider anfügen, dass die Videos zum Zeitpunkt des Schreibens nicht abspielbar sind. Aber die Beiträge zu den einzelnen Titelsequenzen sind trotzdem sehr informativ. 

Auf der Seite der einzelnen Designer und Studios ist eine kurze Biografie und die auf der Website vorkommenden Titelsequenzen vorzufinden. Auch Links zu Portfolios sind auf der Seite platziert. 

Die Videointerviews mit Designern sind um die 10-Minuten lang und starten immer mit einem kurzen Zusammenschnitt von verschiedenen Titelsequenzen des Designers. Im Interview reden sie über ihre Arbeit an bestimmten Titelsequenzen. Auch geben sie Tipps mit auf den Weg.

Abschließende Gedanken 

Bei meiner Auseinandersetzung mit der Website ging es mir darum, herauszufinden, ob diese Seite im Vergleich zur Website Art of the Title, mir weitere Perspektiven für meine Masterarbeit liefert.

Ich bin zum Schluss gekommen, dass sie definitiv für meine Masterarbeit interessante Eckdaten liefert. Vor allem, finde ich die weitere Kategorisierung in Film, Serien, Events, Videospiele, Studentenprojekte und French Fridays gut. Auch sind die Beiträge zu den einzelnen Titelsequenzen sehr ergiebig. Auch decken sich die Titelsequenzen der zwei Webseiten oft nicht. Ich bin mir zwar nicht sicher, ob die Website immer noch betrieben wird, da es einige Bugs gibt und es eigentlich keine neueren Titelsequenzen auf der Website gibt. Trotzdem möchte ich mir auf jeden Fall die Videointerviews noch genauer anschauen (diese funktionieren, glücklicherweise). 

Link zur Website

Home

Weitere Quellen

Kyle Cooper und prologue films: 

homepage

https://en.wikipedia.org/wiki/Kyle_Cooper

Filmograph (Portfolio): 

https://www.filmograph.tv

by anna-katharina.hammerer -

Impuls #3 – Website Art of the Title

Die Website Art of the Title spezialisiert sich auf Vor- und Abspänne. Seit 2007 kuratiert Lola Landekic (sitzhaft in Toronto, Kanada) verschiedenste Main Title Designs aus Film, Fernsehen und darüber hinaus. Dem Team ist es wichtig, Titelsequenzen aus aller Welt zusammenzuführen und den Personen hinter den Schöpfungen Ehre zu erweisen. Ein anderer Nutzen neben der Sammlung und Präsentation von Titelsequenzen ist die Wissensvermittlung über Titelsequenzen. Die Betreiber unterstützen deshalb Diskurs rundum dieses Themenfeld. Leider, aufgrund von finanziellen Hürden, ist der Betrieb der Seite bis auf weiteres eingestellt (Stand November 2024).

Arbeitsweise der Website

Für die Auswahl der Titelsequenzen sind Lola Landekic und das aktuelle Redaktionsteam zuständig. Titelsequenzen stammen normalerweise aus den Kategorien: Film, Fernsehen, Videospiele, Events und Konferenzen. Feature-Artikel werden mit Hilfe der Parameter wie Originalität und Innovation, Einfluss, Atmosphäre, Relevanz im Verhältnis zu größeren/ vorangegangen Arbeiten und Technik ausgewählt. Deshalb sind Fragen wie die folgenden für den Ausleseprozess relevant:

  • Ist es etwas, was wir noch nie gesehen haben?
  • Ist es eine ältere oder sehr bekannte Technik, welche auf eine neue Art und Weise verwendet worden ist?
  • Sind die Methoden neu und innovativ?
  • Bezieht es sich auf neue Weisen auf ältere Werke?
  • Ist es wunderbar, heftig oder faszinierend?
  • Ist sie ein Unterhaltungsstarter?
  • Gibt es hier eine Geschichte ?

Aufbau der Website

Die Website bietet verschiedene Möglichkeiten sich auf ihr zu bewegen. Zum einen kann man durch die neusten Beiträge stöbern. Es kann sich dabei um die neuesten hinzugefügten Titelsequenzen oder um Artikel, wie beispielsweise Top 5 Chloe Okuno oder 10 Women of Title Design – part seven handeln. In der Navigationsleise kann man zwischen Titelsequenzen und Designers + Studios auswählen. Klappt man Titelsequenzen auf, scheinen 3 Spalten auf: Neu dazugekommen, empfohlen und Klassiker. Möchte man sich alle Titelsequenzen oder Beiträge ansehen kann man jeweils auf eine Verlinkung drücken. Bei der Auswahl Designer + Studios hingegen werden bei der Auswahl alle Designer und Studios alphabetisch aufgelistet. Blaue Punkte neben Designern verweisen darauf, dass es auf dieser Website ein Interview mit ihnen gibt.

Auf der Seite der ausgewählten Titelsequenz, ist die Titelsequenz zum Abspielen eingebettet. (Für das Hosting wird Vimeo verwendet.) Es gibt auch immer ein passendes Zitat zur Titelsequenz, einzelne aussagekräftige Frames aus der Titelsequenz werden gezeigt und die Credits für die Titelsequenz sind aufgelistet. Bei einer Titelsequenz mit dem Tag Feature oder Interview, wird die Titelsequenz noch genauer behandelt (im Interview mit dem Gestalter / der Gestalterin der Titelsequenz). Hier können auch Zwischenstände der Arbeit und Inspirationen hergezeigt werden.

Die Seiten der einzelnen Designer und Studios bieten eine Biografie und eine Auflistung / Verlinkung zu den von ihnen gestalteten Titelsequenzen. Auch gibt es externe Verlinkungen zu Portfolio-Websites, Studios und ihrer gesamten Filmografie.

Schlüsse auf meine Masterarbeit

Ich habe deshalb den Aufbau der Website deshalb so genau angeschaut, da die Kategorisierung mir eventuell bei meiner Gliederung der Masterarbeit helfen könnte. Eines steht fest, die Website bietet mir für meine Masterarbeit eine Breite von Inspirationsbeispielen und Werke, welche ich als Beispiele und zur Analyse für meine Masterarbeit heranziehen kann. Auch die Beiträge und Blicke hinter die Kulissen können für meine Masterarbeit relevant werden, da ich mich auf Interviews beziehen kann. Auch kann mir der Aufbau mancher „Blick hinter die Kulisse“–Beiträgen beim Aufbau meiner Beschreibung meines praktischen Teils helfen und Inspirationsanstöße geben.

Link zur Website

https://www.artofthetitle.com

Weitere Quellen

Link zur Portfolio-Seite von Lola Landekic (Editor in Chief): 

https://www.landekic.com

Link zu elastic studio ( Titelsequenzen unter anderem Shogun und Game of Thrones): https://makemakeentertainment.com/elastic/

by anna-katharina.hammerer -

Impuls #2 – Page Artikel (Skip) Intro

Jede Person, welche Streaming Angebote nutzt, kennt ihn – den Skip Intro Knopf. Wahrscheinlich verwenden viele dieser Personen diesen Knopf jedes Mal. Somit stellt sich legitimerweise die Frage: weshalb gibt es Titelsequenzen überhaupt noch?

Abgesehen von rechtlichen Gründen besitzen Titelsequenzen viele wichtige Parameter, weshalb sie eigentlich heute immer noch unabdinglich sind. Mit dem Zukunftspotential und gestalterischen Möglichkeiten beschäftigt sich auch Antje Dohmann in ihrem Artikel Skip Intro erschienen im Page 09/24 Magazin.

Der Einsatz von Titelsequenzen startete vor allem durch das Wirken des Designers Saul Bass, mit seinen zweidimensionalen und sehr grafischen Intros zu Filmen wie Vertigo oder Psycho. Seit dieser Zeit hat sich viel im Feld der Titelsequenzen-Gestaltung getan. In den letzten Jahren sind Vor- und Abspänne wieder vor allem in Serien populär geworden, da sie eine geeignete Leinwand sind, Kernelemente der vorangegangen Geschichte oder Hinweise auf die Handlung der bevorstehenden Episoden wiederzugeben.

Auch der steigende Medienkonsum führt dazu, dass es immer wichtiger wird sich prägnant von anderen abzusetzen. So kann eine plakative visuelle Identität für einen Film oder Serie schon dabei helfen, dass das Publikum durch die Verwendung von graphischen Elementen, Intro-Musik oder Typografie der Titelsequenz an diesen bestimmten Film oder Serie denken.

Die Titelsequenzen sind zwar durch die Entscheidungsfreiheit, welcher der „Skip Intro-Knopf“ den Nutzer:innen bietet, als Gegenbewegung dazu generell kürzer geworden, doch in ihrer visuellen Erscheinung stehen sie ihren längeren Artgenossen in nichts nach. Hier führt Dohmann das Beispiel des stimmungsgebenden Vorspanns von der Serie Killing Eve an, bei der eine messerscharfe Schrift verwendet wird von der Blut tropft.

Durch die technische Entwicklung kann man auf der gestalterischen Ebene mit vielen Möglichkeiten herumexperimentieren. Beispielsweise kann jede Folge einer Serie einen neuen, zur Folge passenden Titelvorspann haben, wie es die Design Agentur Pentagram New York für die Serie „Bupkis“ rund um den Comedian Pete Davidson realisiert hat.

Während in den USA es Gestaltungsbüros gibt, welche sich völlig dem Main Title Design verschrieben haben, sieht es im deutschsprachigen Raum ganz anders aus. Oft stammen Titelsequenzen von deutschsprachigen Produktionen von Animationsstudios, welche auch Werbung und Branding Projekte realisieren. Diesen Unterschied kann man durch die Budgetdifferenzen zwischen Hollywoodproduktionen und deutschsprachigen Produktionen erklären. Trotzdem merkt man auch einen Wandel in Deutschland. Vor allem Streamingserien, wie beispielsweise How to Sell Drugs Online (fast) helfen dabei, dass dieser Gestaltungsbereich immer mehr floriert.

Abspann

Die Gestaltung der Abspänne haben in den letzten Jahren auch erhöhte Aufmerksamkeit der Kreativschaffenden bekommen. Das Setting – die angehenden Lichter und das aufstehende Publikum – ist für die Gestaltung der Abspänne zwar undankbarer als bei Vorspännen, doch der Reiz besteht, das Publikum mit einem passenden Abspann sanft aus dem Handlungsstrang des Films herauszuführen. Beispielsweise erzählt Silke Sieler vom Studio This is Y im Artikel ihre Herangehensweise zum Abspann für den Film Chantal im Märchenland darüber, dass die grundlegende Idee war, den Abspann wie ein modernes farbenfrohes Märchenbuch aufzubauen. So wurden Rollenbildern und Klischees von Märchen „modernisiert“. Auf Wünsche vom Regisseur Bora Dağtekin wurden Szenen aus dem Film mit einem Twist (z.b. es explodieren plötzlich Dinge) auch inhaltlich abgebildet. Fokus lag auf der allgemeinen Stimmung des Films: witzig und der feministisch-rotzige Attitüde der Protagonistin.

Welche Fähigkeiten braucht es für das Title Design?

  • Storytelling: Es geht darum die Handlung des Films, Serie etc. auf eigene Art und Weise nachzuerzählen
  • gutes Konzept
  • Verständnis für Schnitt, Sounddesign, Komposition, Typografie
  • geschlossenes Auftreten des Brandings des Projektes und Titelsequenz (Stichpunkt: gleiche Typografie).

Meine Schlüsse für die Masterarbeit

Dieser Artikel hat mir interessante Impulse für meine Masterarbeit zu den Themen:

  • Länge der Titelsequenz
  • Platzierung der Titelsequenz
  • Storytelling-Tool (z.b. was wenn jede Folge einen eigenen Vorspann erhält)
  • Potential in der kommerziellen Vermarktung des Films/ der Serie
  • Setting als Hilfestellung, um das Publikum in den Film / Serie einzuführen oder auszuklingen
  • Aufstellung im deutschsprachigen Raum

Zitate zum merken

„Eine Titelsequenz ist wie das Cover eines Buches. Sie kann nicht nur wichtige Informationen vermitteln, sondern auch visuelle Referenzen liefern, die Stimmung und den Ton vorgeben und die Vorfreude auf die kommende Geschichte steigern“ (Dohmann zit. Ben Woodlook 2024, S.37).

„‚Title Design‘ können die Ouvertüre sein, der Moment in dem sich der Vorhang hebt und das Publikum sich auf eine neue Welt einlässt. Genauso können sie aber überhaupt keine Rolle spielen – nämlich dann, wenn die Zuschauer:innen „Skip Intro“ drücken“ (Dohmann zit. Emily Oberman 2024, S.38).

Weiterführende Links

Pentagram New Yorks Portfolio mit verschiedesten Title Designs für Film, Serien und Festivals sowie anderen Design Projekten: 

https://www.pentagram.com/work/sector/entertainment

Page Online Artikel über Chantal im Märchenland Abspann + Abspann und Stills (In der 2D-Paperfold Ästhetik im 3D-Raum) 

Was für Filmcredits für Chantal im Märchenland!

Quelle

Dohmann, Antje: Skip Intro. In: page N°02 09.2024, S.35-45

by Ramona Gross -

#5 Interlibrary loan for my masterthesis: „Palette Perfect Vol. 2“ von Lauren Wager

Colors are one of the most powerful tools in design. They evoke emotions, set moods, and shape the identity of any project. In her book „Palette Perfect Vol. 2,“ designer Lauren Wager takes us on a journey through the world of color palettes, demonstrating how to use them effectively for creative projects.

What’s the Book About?

This book is all about the art of combining colors to create specific moods and feelings. It features a stunning collection of color palettes, ready to be applied across various design contexts, including graphic design, interior design, fashion, and photography. Each palette is thoughtfully presented with accompanying images and concise descriptions, allowing readers to experience the emotional essence of each color combination.

Who Is This Book For?

„Palette Perfect Vol. 2“ is perfect for designers, artists, and creatives seeking inspiration. Whether you’re working on a branding project or redecorating a space, this book offers a treasure trove of ideas for incorporating colors in ways that elevate your work.

A Closer Look at the Book

The Emotional Power of Colors

Lauren Wager showcases how colors can communicate emotions and moods:

  • Soft, warm tones like beige and blush exude calmness and comfort.
  • Bold, vibrant contrasts like turquoise and yellow convey energy and creativity.
    Each palette is thoughtfully curated and paired with visual examples to bring these feelings to life.

Applications Across Design Fields

The versatility of the palettes makes them suitable for a wide range of projects:

  • Fashion Design: For clothing, accessories, or entire collections.
  • Graphic Design: Perfect for logos, websites, or printed materials.
  • Interior Design: To craft spaces with cohesive and inviting atmospheres.
  • Photography: As a guide for harmonious color compositions in images.

Strengths and Limitations

What Stands Out?

  • Visual Inspiration: The palettes are not only stunning but also spark new creative ideas.
  • Clear Structure: The thematic organization makes it easy to navigate and find what you need.
  • Practical Focus: Real-world examples show how the palettes can be applied in different projects.

Where It Falls Short

While the book offers plenty of visual stimulation, it lacks in-depth theory on color psychology or the cultural significance of colors. It’s more of an inspirational guide than a deep dive into the science behind color.

Final Thoughts: A Must-Have for Creatives

„Palette Perfect Vol. 2“ is an inspiring book with a meticulously curated collection of color palettes. Lauren Wager has created a resource that speaks to designers and artists alike. It’s ideal for those looking to use colors intentionally to convey moods and emotions in their work. While it’s not a scientific reference, it’s a must-have for anyone seeking visual inspiration.

Book Details

Lauren Wager: Palette Perfect Vol. 2. Hoaki Books S.L., 2022.

by Ramona Gross -

# 4 Video: Kelli Anderson – artist, designer, paper engineer

In this talk, Kelli Anderson, an artist, designer, and pioneer in the field of paper engineering, delves into the hidden potential of everyday materials—specifically paper. Anderson reveals how simple, low-tech materials can be powerful tools for interacting with and understanding complex aspects of our reality. Her unique approach shows that even humble materials can engage meaningfully with physical forces like sound, light, and time. This interaction often makes abstract concepts tangible and easier to grasp, bypassing the “black-box” nature of much modern technology, which often conceals how it functions and distances users from understanding its inner workings. Instead, Anderson’s work brings us closer to the mechanics of our world in a hands-on way.

Anderson’s career highlights include a series of fascinating projects that challenge conventional uses of everyday materials. Notably, in 2008, she collaborated on a recreated version of The New York Times filled entirely with articles from a utopian future. This project, designed as a form of “art intervention,” used design to imagine alternative possibilities and inspire conversations around what a better world might look like. This unique endeavor won the Ars Electronica Prix Award of Distinction, further cementing her reputation as a groundbreaking designer.

In 2011, she garnered widespread attention with her creation of a paper record player. This innovative piece of work, featured in media outlets like Mashable, Wired, and NPR, demonstrated how paper could be crafted into a working music player, challenging assumptions about the limitations of paper as a medium. This project, among others, is part of Anderson’s broader mission to highlight how we can see and interact with the world differently by rethinking the potential of familiar materials.

Anderson’s recent endeavors include experimenting with risograph animation, a printing technique that allows her to create unique, animated images by using paper as a direct interface with physical phenomena. By pushing the boundaries of what paper can do, Anderson encourages her audiences to question and reimagine the everyday tools and objects around them. Her artistic philosophy suggests that by reengaging with materials in this direct, hands-on way, we can reconnect with the “real” forces shaping our world—forces that technology sometimes hides behind layers of abstraction.

Additionally, Anderson’s workspace reflects her dedication to hands-on exploration: she works in a live/work studio filled with equipment from a bygone era, including a 1919 letterpress and other unconventional contraptions. This space enables her to keep exploring and testing the possibilities of “outdated” technology, aligning her artistic process with her belief in transparency and physical interaction. Anderson’s work is a testament to the power of minimalistic, tactile design and its ability to cut through modern complexities, helping us see the world—and our own human experience—in fresh, surprising ways.

Through her design philosophy, Anderson challenges viewers to reconsider how they engage with both art and technology. Her work ultimately aims to make the invisible forces around us more accessible, asking us to see not only how objects function but also what they reveal about human potential and creativity. Her talk is likely to inspire creatives and audiences alike to think beyond digital solutions, reconnect with material realities, and explore the unexpected potential of the “low-tech” world.

With support from institutions like the University of Michigan Library and the Ann Arbor District Library, and partnerships with media outlets such as Detroit Public Television and PBS Books, Anderson’s message reaches a wide audience. The Penny Stamps Speaker Series, which hosted this event, emphasizes freedom of speech and artistic expression, aligning well with Anderson’s mission to use art as a means of exploring ideas freely and meaningfully. Her work ultimately encourages a more thoughtful and engaged relationship with the objects and technologies that shape our lives, suggesting that by re-engaging with tangible materials, we might uncover surprising truths about ourselves and the world around us.

by hanna.weichsler -

IMPULS 2: (Video) Diversity and Representation in Animation and Character Design Challenge Awards (PIXELvienna 2023)

Die Sprecher*innen des Panels beim „Pixels Wien 2023“ waren:

Caro Laa (they/them): Caro eröffnete und moderierte die Diskussion.

Tova Bele: Tova ist eine Videospieldesignerin aus Wien, die Einblicke aus der Videospielbranche beisteuerte. Die authentische Charakterdarstellung und das miteinzubeziehen von Personen mit diversen Hintergründen, sind ihr ein großes Anliegen.

Amelie Loy: Amelie ist Animationskünstler*in und Regisseur*in sowie Lehrende für Animation und Storytelling an einer technischen Hochschule. Amelie sprach über die Herausforderungen und Wichtigkeit, vielfältige Charaktere zu entwickeln und ermutigte dazu, stereotype Darstellungen zu hinterfragen.

Yassmine Najime: Yassmine ist Head of Production und Artdirector bei einem Animationsstudio. Sie teilte ihre Erfahrungen und reflektierte über die Notwendigkeit, Arbeitsprozesse zu schaffen, die echte Diversität ermöglichen.

Anne Raffin: Anne Raffin ist 2D-Background-Artist und Regisseur*in bei Passion Pictures Paris. Sie sprach über Projekte mit LGBTQIA+ und anderen unterrepräsentierten Charakteren ein und betonte, wie wichtig es ist, Diversität auch in der Ausbildung von Designer*innen zu fördern.

Jede*r der Sprecher*innen brachte wertvolle Perspektiven aus verschiedenen Bereichen der Kreativindustrie ein und sprach zu Themen wie Gleichberechtigung, Vielfalt, Repräsentation und der Förderung von Frauen und marginalisierten Gruppen in kreativen Berufen.

(Minute 3:05-5:05): 

Die Diskussion dreht sich darum, wie Animation und Filme bestimmte stereotype Rollenbilder verstärken. Eine Sprecherin erwähnt Mulan als prägenden Charakter, merkt jedoch kritisch an, dass der Film Stereotype aufweist – insbesondere bei den antagonistischen Figuren.

…there’s something about that movie that is also like bothering me, for example the way that the Huns are portrayed… they have darker skin than any other characters, they look like beasts, monsters almost, not human anymore… (Miunte 4:16 – 4:29)

(Minute 5:36 – 9:13):

Die Gäst*innen schlagen vor, sich beim Charakterdesign stärker an der Vielfalt realer Menschen zu orientieren, um Stereotype zu vermeiden. Dazu gehört, Menschen mit unterschiedlichen Körperformen und Ausdrücken in der Umgebung bewusst wahrzunehmen und diese Vielfalt in die Charaktergestaltung einzubringen. Sie betonen auch die Notwendigkeit, schon in der Ausbildung von Künstler*innen für Diversität zu sensibilisieren. Ein weiteres empfohlenes Vorgehen ist, die eigenen Vorurteile zu reflektieren und im Austausch mit Menschen zu stehen, deren Lebenswelten man repräsentieren möchte. Besonders gelobt werden Studios, die Diversity-Teams einsetzen, um diese Ansätze umzusetzen.

(Minute 13:02 – 15:11):

Eine Panelistin erzählt von ihrer Arbeit an einer TV-Show, in der eine Figur aus der LGBTQIA+-Community vorkommt. Sie erzählt, dass ihr Team Schwierigkeiten hatte die Figur authentisch dazustellen. Die Mehrheit des Teams hatte nämlich keinen Bezug zur Lebensrealität von LGBTQIA+ Menschen. Sie luden eine Gruppe von LGBTQIA+ ein und fragten nach ihren Perspektiven und ihr Feedback. Außerdem wurde angesprochen, dass es wichtig ist die Menschen fair für ihre Beratungsarbeit zu entschädigen.

(Minute 25:59 – 28:09):

Es wurde darüber gesprochen wie durch die Verwendung von anonymisierten E-Mail-Adressen, mehr Frauen und nicht-binäre Personen dazu ermutigt werden, ihre Portfolios zur Bewertung einzureichen. Da viele Frauen und marginalisierte Gruppen oft höhere Ansprüche an sich selbst stellen und weniger Vertrauen in ihre Fähigkeiten haben, sah das Team in diesem Verfahren eine Möglichkeit, die Teilnahme von FLINTA*-Personen zu fördern. Häufig beginnen Frauen ihre Einsendungen mit „I’m sorry, it’s not very good“ was zeigt, dass sie ihre Fähigkeiten oft unterschätzen. Dieser Abschnitt verdeutlicht, wie strukturelle Veränderungen im Bewerbungsprozess den Zugang für Frauen und FLINTA*-Personen erleichtern können und wie wichtig solche Maßnahmen sind, um Gleichberechtigung im Beruf zu fördern.

Ein Teilnehmer aus dem Publikum (Minute 53:17) erzählt, dass er enttäuscht war, in einer Dokumentation nur auf seine Migrationserfahrungen reduziert zu werden, anstatt als Musiker wahrgenommen zu werden. Die Sprecher*innen greifen dies auf und reden darüber, dass viele Frauen und marginalisierte Gruppen in ihrer beruflichen Darstellung oft auf ihre Herkunft oder Identität reduziert werden, anstatt ihre Fähigkeiten und Interessen zu betonen. Ein Sprecher fügt hinzu, dass man Geschichten mit subtilen Elementen und visuellen Details erzählen kann, ohne explizit auf eine marginalisierte Identität hinzuweisen. Dieser Punkt unterstreicht die Wichtigkeit, Individuen in ihrer Ganzheit darzustellen und stereotype Zuschreibungen zu vermeiden.

Link zum Video: https://www.youtube.com/watch?v=lAWNQwp6874&ab_channel=PIXELvienna

Für das Thema „Frauen in der Selbstständigkeit“ bedeutet dies, dass Selbstzweifel ein zentrales Hindernis darstellen können, wenn Frauen ihre Karriere aufbauen möchten. Das Gespräch zeigt, dass Frauen häufig ihre eigenen Fähigkeiten unterschätzen und Selbstzweifel haben. Sie sind zögerlich, ihre Arbeit zu präsentieren oder berufliche Chancen wahrzunehmen. Es wird erwähnt, dass viele Frauen ihre Portfolios mit Entschuldigungen wie „I’m sorry, it’s not very good“ einreichen. Solche Formulierungen deuten auf einen Mangel an Selbstvertrauen hin was Frauen oft daran hindert ihre Leistungen selbstbewusst zu zeigen. Dieser Impuls führt mich zum Thema „Imposter-Syndrom“, welches in meiner Masterarbeit als zentrales Hindernis für Frauen in der Selbstständigkeit behandelt werden könnte. Dieses Thema bietet sich auch als Blogbeitrag an.

PIXELvienna (28.02.2024): Diversity and Representation in Animation and Character Design Challenge Awards In: YouTube, https://www.youtube.com/watch?v=lAWNQwp6874&ab_channel=PIXELvienna (zuletzt aufgerufen am 17.11.2024)

Ein KI generiertes Transkript der Veranstaltung wurde von Youtube genommen und mit Hilfe von ChatGPT 4o strukturiert und zusammengefasst. Diese Zusammenfassung wurde als Hilfe für diesen Blogpost herangezogen. Alle Informationen wurden von mir mit dem Inhalt des Videos abgeglichen und überprüft.