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Künstliche Intelligenz revolutioniert die Kreativbranche – von der Bildgenerierung bis hin zu komplexen Animationen. In einem aktuellen Uni-Projekt experimentiere ich mit einem faszinierenden Workflow: Bilder mit Midjourney erstellen, sie mit Hailuo AI animieren und daraus ein komplettes Video produzieren. In diesem Blogbeitrag teile ich meine Erfahrungen, analysiere die Vor- und Nachteile dieses Ansatzes und gebe einen Einblick in die Zukunft der KI-gestützten Animation.

1. Bildgenerierung mit Midjourney

Midjourney hat sich als eines der leistungsfähigsten Tools für KI-generierte Bilder etabliert. Durch präzise Prompts lassen sich beeindruckende, hyperrealistische oder stilisierte Grafiken erstellen, die sich perfekt für Animationen eignen.

Pro’s:

+ Unbegrenzte kreative Möglichkeiten: Mit den richtigen Prompts kann man nahezu jeden Stil und jede visuelle Welt erschaffen.
+Hohe Qualität: Die Bilder sind detailreich, scharf und oft auf einem Niveau, das von Hand illustrierte Werke herausfordert.
+ Schnelligkeit: Innerhalb von Minuten kann man ganze Bildserien generieren.

Con’s:

– Konsistenzproblem: Charaktere und Umgebungen sehen bei jeder neuen Generierung leicht anders aus, was für eine flüssige Animation hinderlich sein kann.
– Eingeschränkte Kontrolle: Feine Details oder Korrekturen müssen manuell nachbearbeitet werden.
–  Stilbruch-Gefahr: Die KI interpretiert jeden Prompt eigenständig, was zu unerwarteten Variationen führt.

2. Hailuo AI: Die Brücke zwischen Bild und Bewegung

Sobald die Bilder fertig sind, kommt Hailuo AI ins Spiel. Diese KI ermöglicht es, statische Bilder in flüssige Animationen zu verwandeln, indem sie Bewegungsmuster extrapoliert und Übergänge berechnet.

Der Workflow:

1. Bilder hochladen: Die Midjourney-Bilder werden in Hailuo AI importiert.
2. Bewegung definieren: Man kann vorgefertigte Motion-Patterns nutzen oder eigene Einstellungen vornehmen.
3. Animation generieren: Hailuo AI verwandelt das Bild in eine fließende Sequenz.
4. Post-Processing: Falls nötig, werden in einem zusätzlichen Schritt Anpassungen in After Effects oder ähnlicher Software vorgenommen.

Pro’s:

+  Automatisierte Animation: Kein aufwändiges Frame-by-Frame-Design nötig.
+ Zeitsparend: Innerhalb weniger Minuten lassen sich Animationen erstellen.
+ Weiche Bewegungen: Besonders organische Effekte wie Wind in Haaren oder sanfte Kamerafahrten sehen beeindruckend aus.

Con’s:

– Bewegungsunschärfen & Artefakte: Bei komplexen Bewegungen entstehen gelegentlich Verzerrungen.
– Begrenzte Kontrolle: Die KI bestimmt die Bewegungsmuster – Eingriffe sind nur bedingt möglich.
– Nicht für alle Animationstypen geeignet: Dynamische Action-Szenen oder realistische Gesichtsausdrücke sind noch schwierig umzusetzen.

3. Die finale Produktion: Alles zusammenfügen

Der letzte Schritt besteht darin, die animierten Sequenzen zu einem stimmigen Video zusammenzufügen. Hier kommen klassische Editing-Programme wie Premiere Pro oder DaVinci Resolve ins Spiel, um die Szenen zu schneiden, Übergänge zu optimieren und eventuell noch Soundeffekte sowie Musik hinzuzufügen.

Pro’s:

+ Visuell beeindruckend: Das Endergebnis kann wie ein hochwertiger animierter Kurzfilm wirken.
+ Effektiver Workflow: Im Vergleich zur traditionellen Animation spart man enorm viel Zeit.
+ Perfekt für atmosphärische Szenen: Besonders für cinematische Sequenzen oder stilisierte Animationen funktioniert die Methode sehr gut.

Con’s:

+ Noch nicht auf Hollywood-Niveau: Für High-End-Produktionen fehlen noch einige technische Verfeinerungen.
+ Eingeschränkte Interaktion zwischen Charakteren: Natürliche Gesten oder Dialoge sind schwer realisierbar.
+ Abhängigkeit von KI-Tools: Änderungen sind schwieriger umzusetzen als bei herkömmlicher Animation.

4. Fazit: KI-Animation – eine Revolution mit Grenzen

Die Kombination aus Midjourney für die Bildgenerierung und Hailuo AI für die Animation zeigt, dass KI die Art und Weise, wie wir animieren, fundamental verändert. Die Geschwindigkeit und Qualität sind beeindruckend, aber es gibt auch Herausforderungen – insbesondere in Bezug auf Konsistenz und Kontrolle über die Bewegung.

Für bestimmte Projekte, wie ästhetische Kurzfilme, künstlerische Animationen oder Konzeptvisualisierungen, ist diese Methode bereits eine echte Alternative zur klassischen Animation. Doch für komplexe Charakteranimationen oder interaktive Elemente stößt sie aktuell noch an ihre Grenzen.

Die Frage ist nicht mehr, ob KI die Animation beeinflussen wird, sondern wie schnell sie sich weiterentwickelt. Vielleicht sind wir nur wenige Monate davon entfernt, dass KI-gestützte Animation vollständig nahtlos und interaktiv wird. Bis dahin bleibt es ein spannendes Experimentierfeld – und genau das macht es so aufregend!

Der Artikel „Do Music Videos Still Matter?“ von Jubran Haddad, veröffentlicht am 28. Februar 2024 auf How Music Charts, untersucht die Relevanz von Musikvideos in einer von Kurzform-Inhalten dominierten Medienlandschaft.

Die goldene Ära der Musikvideos und der digitale Wandel

In den 2010er-Jahren erlebten Musikvideos einen Höhepunkt, maßgeblich beeinflusst durch Plattformen wie YouTube und Vevo. Videos wie „Despacito“ von Luis Fonsi und Daddy Yankee (2017) mit über 8,39 Milliarden Aufrufen, Ed Sheerans „Shape of You“ (2017) mit 6,21 Milliarden und „See You Again“ von Wiz Khalifa und Charlie Puth (2015) mit 6,19 Milliarden Aufrufen dominierten diese Ära. Diese Werke prägten die Popkultur nachhaltig. Mit dem Aufstieg von Streaming-Diensten wie Spotify hat sich jedoch das Konsumverhalten verändert. Eine Analyse der meistgestreamten Titel auf Spotify im Jahr 2023 zeigt, dass 36 der Top-40-Titel aus den Jahren 2022 und 2023 begleitende Musikvideos hatten. Diese Videos erzielten durchschnittlich 374 Millionen Aufrufe, während die entsprechenden Tracks im Schnitt 1,1 Milliarden Streams verzeichneten – eine Differenz von 731 Millionen. Dies deutet auf eine Verschiebung der Rolle von Musikvideos hin.

Genre-spezifische Unterschiede in der Rezeption von Musikvideos

Die Bedeutung von Musikvideos variiert je nach Musikgenre. Im Latin-Genre bleiben Musikvideos auf Plattformen wie YouTube konstant beliebt. Beispielsweise erreichte „TQG“ von Karol G und Shakira in den ersten zwei Wochen nach Veröffentlichung 181,9 Millionen Aufrufe und wurde damit zum meistgesehenen Musikvideo des Jahres 2023. Im K-Pop sind aufwendig produzierte Musikvideos ein zentrales Element der Vermarktung. Neun der zehn meistgesehenen YouTube-Videos innerhalb von 24 Stunden stammen von K-Pop-Künstlern wie BTS und BLACKPINK. BTS‘ „Butter“ stellte 2021 mit 108,2 Millionen Aufrufen in den ersten 24 Stunden einen Rekord auf. Veröffentlichungen wie „Seven“ von Jung Kook feat. Latto erreichten innerhalb einer Woche 86,4 Millionen Aufrufe und übertrafen innerhalb eines Monats etablierte Pop-Acts wie Taylor Swift.

Herausforderungen und Kritik in der Popmusik

Im Pop-Genre hingegen scheint die Bedeutung von Musikvideos abzunehmen. Obwohl Titel wie Miley Cyrus‘ „Flowers“ beeindruckende Aufrufzahlen verzeichnen, bevorzugen viele Hörer:innen mittlerweile Streaming-Plattformen für den Musikkonsum. Kritiker:innen bemängeln, dass aktuelle Pop-Musikvideos oft uninspiriert und mit geringem Budget produziert sind, was es Künstler:innen erschwert, innovativ zu sein und das Publikum zu fesseln.

Zukunftsperspektiven

Trotz dieser Herausforderungen bleibt das Musikvideo ein wichtiges Medium für künstlerischen Ausdruck und Markenbildung. Es bietet einzigartige visuelle Erlebnisse, die durch Audio allein nicht vermittelt werden können. Um die Relevanz von Musikvideos zu erhalten, sollten Künstler:innen und Labels verstärkt in die Entwicklung von Talenten investieren, kreative Inhalte fördern und traditionelle Medienkanäle unterstützen. Die Musikindustrie hat in der Vergangenheit gezeigt, dass sie sich an veränderte Konsumgewohnheiten anpassen kann, und es ist möglich, dass Musikvideos in Zukunft wieder an Bedeutung gewinnen.

Fazit

Musikvideos haben nach wie vor einen festen Platz in der Musikindustrie, auch wenn ihre Rolle je nach Genre und Publikum variiert. Während einige Genres wie Latin und K-Pop weiterhin stark auf visuelle Inhalte setzen, hat sich der Konsum in anderen Bereichen zugunsten von Audio-Streaming verschoben. Dennoch bieten Musikvideos Künstler:innen die Möglichkeit, ihre Geschichten visuell zu erzählen und eine tiefere Verbindung zu ihrem Publikum aufzubauen. Die kontinuierliche Anpassung an neue Technologien und Plattformen wird entscheidend sein, um die Relevanz von Musikvideos in der modernen Musiklandschaft zu sichern.

Literatur

Haddad, Jubran. „Do Music Videos Still Matter?“ How Music Charts, 28. Februar 2024. https://hmc.chartmetric.com/do-music-videos-still-matter/

Die zunehmende Verflechtung von Musikvideos mit sozialen Medien hat die Art und Weise, wie Musik visuell präsentiert und rezipiert wird, grundlegend verändert. In seinem Kapitel Music Video Meets Social Media: Intertextuality, New Aesthetics, and the Development of New Practices untersucht Eduardo Viñuela diese Transformation und analysiert die intertextuellen Beziehungen zwischen Musikvideos und nutzergenerierten Inhalten auf Plattformen wie YouTube, TikTok und Instagram (Viñuela 2024, 41).

Die Evolution des Musikvideos in der digitalen Medienlandschaft

Während Musikvideos traditionell als audiovisuelle Erweiterung eines Songs fungierten, sind sie heute Teil eines dynamischen digitalen Ökosystems, in dem Nutzer:innen aktiv an der Reproduktion und Modifikation der Inhalte beteiligt sind. Durch die wachsende Bedeutung von Social Media entwickeln sich neue Formen der Intertextualität, die nicht nur den Produktionsprozess beeinflussen, sondern auch die Ästhetik und Distribution von Musikvideos (Viñuela 2024, 44). Diese Entwicklung führt dazu, dass sich die Grenzen zwischen offiziellen und nutzergenerierten Inhalten zunehmend verwischen. Künstler:innen greifen verstärkt auf virale Trends zurück oder binden Memes in ihre offiziellen Musikvideos ein. Zum Beispiel beschreibt das Konzept von Henry Jenkins‘ „Convergence Culture“ (2006), wie verschiedene Medienformate miteinander verschmelzen und eine neue Form der Partizipation ermöglichen (Jenkins 2006, 95).

Intertextualität und die Ästhetik sozialer Medien

Ein zentrales Merkmal der neuen Musikvideoästhetik ist die Anpassung an das visuelle und narrative Format sozialer Medien. Vertikale Videos, die früher als fehlerhaft galten, stellen mittlerweile ein Standardformat für mobile Plattformen dar (Elleström 2020, 4). Viele Künstler:innen veröffentlichen offizielle vertikale Versionen ihrer Musikvideos, um sie für Instagram Stories oder TikTok optimiert zu präsentieren. Eine weitere wichtige ästhetische Entwicklung ist die zunehmende Nutzung von „Split-Screen“. Diese ursprünglich von TikTok populär gemachte Funktion erlaubt es Nutzer:innen, eigene Performances neben bereits bestehenden Videos zu platzieren, wodurch eine neue Form der interaktiven Intertextualität entsteht (Lacasse 2018, 44). Auch prominente Künstler:innen wie Mariah Carey oder Metallica haben sich dieser Technik bedient, indem sie auf TikTok mit Fans oder fiktionalen Charakteren aus populären Serien interagierten (Viñuela 2024, 50). Zudem haben sich durch soziale Medien neue Praktiken der Audiomanipulation etabliert. Besonders beliebt sind „sped-up“ Versionen von Songs, die durch künstliches Beschleunigen oder Verlangsamen eine neue klangliche und visuelle Ästhetik erzeugen. Musiklabels haben diesen Trend erkannt und veröffentlichen mittlerweile offizielle „sped-up“ oder „slowed + reverb“ Versionen von Songs, die sich an der Ästhetik populärer TikTok-Clips orientieren (Jost 2020, 34).

Strategien der Musikvermarktung und Fankultur

Musikvideos werden zunehmend als transmediale Erzählformen konzipiert, die nicht isoliert betrachtet werden können. Stattdessen sind sie Teil umfassender digitaler Marketingkampagnen, in denen Fans aktiv in den Entstehungsprozess einbezogen werden. Social-Media-Plattformen ermöglichen es Künstler:innen, vor der offiziellen Veröffentlichung eines Musikvideos Teaser-Clips, Challenges oder exklusive Behind-the-Scenes-Aufnahmen zu teilen, um die Community zu mobilisieren (Jenkins 2007).

Ein besonders prominentes Beispiel für diese Art der strategischen Fan-Einbindung sind virale Tanz-Challenges. Jennifer Lopez und Olivia Rodrigo haben gezielt kurze Videoausschnitte ihrer Songs verbreitet und Fans dazu animiert, eigene Tanzinterpretationen zu erstellen (Viñuela 2024, 55). Diese Art der Partizipation stärkt nicht nur die Bindung zwischen Künstler:in und Publikum, sondern trägt auch zur massiven Verbreitung des Musikvideos bei.

Die Zukunft des Musikvideos in der Ära der sozialen Medien

Die Analyse von Viñuela (2024) zeigt, dass Musikvideos heute nicht mehr nur als Werbeformat für einen Song fungieren, sondern als eigenständige Kunstform, die tief in die digitale Kultur eingebettet ist. Die Grenzen zwischen offiziellen Produktionen und nutzergenerierten Inhalten verschwimmen immer weiter, und Musikvideos sind zunehmend Teil eines interaktiven Netzwerks aus Remixes, Referenzen und transmedialen Strategien. Die zunehmende Digitalisierung und die Integration sozialer Medien in die Musikproduktion werden auch in Zukunft eine zentrale Rolle spielen. Musikvideos profitieren nicht nur von neuen Technologien, sondern auch durch den kreativen Input der Online-Community der stetig weiterentwickelt wird (Korsgaard 2017, 110).

Literatur

Elleström, Lars. Transmediation: Some Theoretical Considerations. New York: Routledge, 2020.

Jenkins, Henry. Convergence Culture: Where Old and New Media Collide. New York: New York University Press, 2006.

Jenkins, Henry. „Transmedia Storytelling 101.“ Pop Junctions, 22. März 2007. https://henryjenkins.org/blog/2007/03/transmedia_storytelling_101.html.

Jost, Christofer. Integrated Pop: Intertextuality, Music Video, and Transmedia Production Modes in Popular Music. London: Bloomsbury, 2020.

Korsgaard, Mathias Bonde. Music Video after MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music. London: Routledge, 2017.

Lacasse, Serge. „Toward a Model of Transphonography.“ In The Pop Palimpsest: Intertextuality in Recorded Popular Music, herausgegeben von Lori Burns und Serge Lacasse, 9–60. Ann Arbor: University of Michigan Press, 2018.

Viñuela, Eduardo. „Music Video Meets Social Media: Intertextuality, New Aesthetics, and the Development of New Practices.“ In Aesthetic Amalgams and Political Pursuits: Intertextuality in Music Videos, herausgegeben von Tomasz Dobrogoszcz, Agata Handley und Tomasz Fisiak, 41–60. New York: Bloomsbury Academic, 2024.

Die Symbolik des Musikvideos

„Cellophane“ ist ein Lied von FKA Twigs aus ihrem zweiten Studioalbum „Magdalene“ (2019). Die Lyrics thematisieren eine verletzliche Frau, die sich in einer komplexen Beziehung befindet und verzweifelt versucht, die Verbindung zu retten, obwohl ihre Bemühungen von der Öffentlichkeit nicht unterstützt werden und ihr Partner nicht darauf eingeht. Die Metapher des „Cellophanes“ – eine durchsichtige, fragile Plastikfolie – spielt auf die zerbrechliche und durchsichtige Natur der Gefühlswelt der Protagonistin an. Im Musikvideo wird diese Metapher auf verschiedene Weisen visuell aufgegriffen. Die visuelle Darstellung zeigt die Künstlerin FKA Twigs in einer Tanzperformance. Es zeigt Twigs, wie sie Pole Dance vor einem unsichtbaren Publikum ausführt, dabei an der Stange emporsteigt, um ein großes fliegendes Wesen zu treffen, das ihr Gesicht trägt, und schließlich in eine Art „Unterwelt“ fällt. Dort wird sie von zwei weiblichen Wesen mit Ton bedeckt.

Produktion und Regie

Das Video wurde unter der Regie von Andrew Thomas Huang gedreht, der für seine surrealen Videos bekannt ist. Huang beschrieb das Video als „Bild ihrer Aufstiege und dem Fall durch ein Bild von sich selbst“. Es wurde von Pitchfork zum besten Musikvideo des Jahres 2019 gewählt (Wikipedia, 2024). FKA Twigs ist nicht nur Sängerin, sondern auch Tänzerin und Choreografin. Die Zusammenarbeit mit den technischen Aspekten der Produktion, wie der Kameraführung und der Beleuchtung, ist für die Effektivität des Musikvideos entscheidend. Die Kamera bewegt sich durch die Szenen, folgt den Bewegungen der Tänzerin und verstärkt so das Gefühl der Intimität und Fragilität. Ein weiteres Element ist die Beleuchtung: Sie ist minimalistisch und dramatisch, wodurch die Figur der Protagonistin stark in den Vordergrund tritt. Der Einsatz von Schatten und Licht sorgt für eine surrealistische Atmosphäre. Die Choreografie des Videos, die von FKA Twigs selbst entwickelt wurde, spielt eine zentrale Rolle in der Darstellung der emotionalen und körperlichen Auseinandersetzung der Protagonistin. FKA Twigs, die auch als Tänzerin ausgebildet ist, nutzt ihre Expertise, um den Tanz als eine visuelle Metapher für die innere Reise der Protagonistin zu verwenden. In einer Erklärung zur Veröffentlichung von „Cellophane“ gab Twigs bekannt, dass sie über ein Jahr lang Pole Dance gelernt hatte, bevor das Musikvideo gedreht wurde, um ihre Vision für das Video zu verwirklichen (Wikipedia, 2024).

3D

Im Musikvideo zu „Cellophane“ von FKA Twigs wird auch die Verwendung von 3D-Elementen eingesetzt. Der 3D-Part des Videos ist sowohl technisch als auch symbolisch komplex und spielt eine entscheidende Rolle in der Schaffung der surrealen Welt. Ein Beispiel für den Einsatz von 3D-Technologie findet sich in der Szene, in der FKA Twigs in einem riesigen, transparenten Netz aus schimmernden Fäden gefangen ist. Dieses Netz ist nicht nur ein physisches Element, sondern auch eine digitale, computergenerierte Struktur. Das Netz wird durch digitale Effekte erzeugt, die es ermöglichen, mit der Perspektive und dem Raum zu spielen. Ein weiteres Element ist die Verwendung von 3D-Animationen, die während der Tanzsequenzen in den Raum integriert werden. Die digitalen Elemente, wie abstrakte geometrische Formen und amorphe, pulsierende Strukturen, interagieren mit den Bewegungen der Tänzerin. Der Effekt ist eine Verschmelzung von realer und digitaler Welt. Zusätzlich wird in mehreren Szenen eine digitale Verzerrung verwendet.

Relevanz

Das Musikvideo zu „Cellophane“ ist nicht nur sehr inspirierend und schön anzusehen, sondern ist auch ein starkes Statement: Der Tanz, die Regie und die emotionale Tiefe. Es geht nicht nur um Unterhaltung, sondern um Themen, die viele Frauen betreffen: Öffentliche Beurteilung und die Herausforderungen im privaten sowie auch im Berufsleben. Das Video ist ein weiterer Impuls für die Diskussion darüber, wie Frauen in der Musik- und Filmbranche immer noch mit spezifischen Hürden zu kämpfen haben.

Literatur

Wikipedia, „Cellophane (FKA Twigs song)“, zuletzt geändert am 20. November 2024, Zugriff am 07.Februar, 2025, https://en.wikipedia.org/w/index.phptitle=Cellophane_(FKA_Twigs_song)&oldid=1258507962 

Musikvideos sind heute allgegenwärtig, insbesondere durch Plattformen wie YouTube und soziale Medien. Dennoch nimmt die akademische Forschung dieses Mediums oft nicht dieselbe prominente Stellung ein wie seine Popularität im kulturellen Diskurs. Mathias Bonde Korsgaards Buch Music Video After MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music (2017) schließt diese Lücke, indem er Musikvideos nicht nur als kommerzielle Produkte betrachtet, sondern als eigenständige audiovisuelle Kunstform analysiert. Der Autor verfolgt einen interdisziplinären Ansatz, der Musikforschung, Medienwissenschaft und Kulturstudien verbindet.

Die Entwicklung des Musikvideos: Von MTV zur digitalen Ära

In den 1980er- und frühen 1990er-Jahren spielten Musikvideos eine entscheidende Rolle in der Popkultur, insbesondere durch den Fernsehsender MTV. Mit dem Aufstieg des Internets und Plattformen wie YouTube erlebte das Musikvideo jedoch eine Transformation, die seine Produktions-, Distributions- und Rezeptionsweisen grundlegend veränderte. Korsgaard argumentiert, dass sich das Medium in einem „permanenten Zustand simultaner Krise und Erneuerung“ befinde: Während das klassische Musikvideo-Format in der Fernsehlandschaft an Relevanz verlor, erlebte es online eine zweite Blütezeit (Korsgaard 2017, 3).

Dieses Phänomen beschreibt er als „Post-Musikvideo“-Ära, in der neue Formen wie interaktive Videos, Musikvideo-Apps und nutzergenerierte Inhalte entstehen. Korsgaard zeigt auf, dass Musikvideos nicht nur als eigenständiges Medium zu betrachten sind, sondern dass sie zunehmend andere audiovisuelle Formate beeinflussen, von Film und Werbung bis hin zu digitalen Kunstprojekten.

Audiovisuelle Ästhetik und die „Musikalisierung der Vision“

Ein zentraler Beitrag des Buches ist Korsgaards Konzept der Musikalisierung der Vision. Während Musikvideos oft als visuelle Ergänzungen zu Songs wahrgenommen werden, argumentiert der Autor, dass das Zusammenspiel von Bild und Musik eine komplexere Beziehung aufweist. Die visuelle Gestaltung eines Musikvideos wird nicht nur durch das Narrativ oder die Ästhetik des Films, sondern durch die musikalische Struktur selbst geprägt (Korsgaard 2017, 62). Er illustriert dies anhand von Fallstudien zu Musikvideos von Künstlern wie Michel Gondry und Chris Cunningham, die audiovisuelle Techniken einsetzen, um musikalische Strukturen zu visualisieren. Zum Beispiel analysiert Korsgaard das Video zu Star Guitar von The Chemical Brothers, bei dem visuelle Elemente wie Landschaften und Bewegung strikt auf den Rhythmus der Musik abgestimmt sind (ebd., 73). Diese enge Verzahnung zwischen Ton und Bild unterscheidet das Musikvideo grundlegend von anderen audiovisuellen Medien wie dem Spielfilm. Während Filme oft auf lineare Erzählstrukturen setzen, arbeiten Musikvideos häufig mit assoziativen oder fragmentierten Bildern, die eher musikalische als narrative Prinzipien widerspiegeln.

Korsgaard argumentiert, dass Musikvideos in ihrer heutigen Form zunehmend hybride Räume schaffen, in denen verschiedene Medienformen miteinander verschmelzen. Dies zeigt sich besonders deutlich in interaktiven und immersiven Musikvideos, die auf digitalen Plattformen experimentelle audiovisuelle Erlebnisse ermöglichen (Korsgaard 2017, 144). Ein Beispiel hierfür ist das Musikvideo We Used to Wait von Arcade Fire, das als interaktive Web-Erfahrung konzipiert wurde. Durch die Nutzung von Google Maps und personalisierten Inhalten werden Zuschauer:innen in das Video eingebunden, wodurch eine neue Form der Medienrezeption entsteht (ebd., 106). Darüber hinaus thematisiert Korsgaard die Rolle von User-Generated Content, Remixen und viralen Trends, die dazu beitragen, dass Musikvideos nicht mehr als abgeschlossene Werke betrachtet werden, sondern als fluides, partizipatives Medium. Diese Entwicklung steht im Einklang mit der zunehmenden Medienkonvergenz, in der Grenzen zwischen Film, Musik, Werbung und Social Media immer weiter verschwimmen.

Relevanz der Musikvideoforschung in der digitalen Kultur

Korsgaards Buch leistet einen wichtigen Beitrag zur akademischen Beschäftigung mit Musikvideos, indem es zeigt, dass diese weit mehr sind als bloße Werbeclips für Künstler:innen. Vielmehr handelt es sich um eine eigenständige Kunstform, die tief in die zeitgenössische Medienkultur eingebettet ist.

Mit seinem interdisziplinären Ansatz stellt Korsgaard eine Brücke zwischen Musik- und Medienwissenschaft her und liefert eine systematische Analyse der post-millennialen Entwicklung des Musikvideos. Besonders wichtig ist sein theoretischer Rahmen zur Audiovisualität, der es ermöglicht, Musikvideos nicht nur als visuelle Werke, sondern als komplexe mediale Phänomene zu verstehen. Angesichts der fortschreitenden Digitalisierung und der zunehmenden Hybridisierung audiovisueller Medien bleibt die Auseinandersetzung mit Musikvideos auch in Zukunft ein zentrales Thema in den Kultur- und Medienwissenschaften. Korsgaards Arbeit bietet eine fundierte Grundlage für weitere Forschungen und eröffnet neue Perspektiven auf ein Medium, das trotz seiner omnipräsenten Verfügbarkeit oft unterschätzt wird.

Literatur

Korsgaard, Mathias Bonde. Music Video After MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music. New York: Routledge, 2017.