Autor: maximilian.kathan

Einleitung

In meinem letzten Blogpost habe ich über Character Walk Animations gesprochen, ein wesentlicher Bestandteil der Animation. Heute möchte ich ein weiteres kritisches Element des Animationsprozesses beleuchten: Rigging. Rigging ist das Fundament jeder guten Charakteranimation und ein komplexer, aber lohnenswerter Teil des Motion Designs. In diesem Blogpost werde ich erklären, was Rigging ist, welche Schwierigkeiten es mit sich bringt und welche Herausforderungen ich persönlich dabei gemeistert habe.

Was ist Rigging?

Rigging ist der Prozess, bei dem man ein digitales Skelett für ein Charaktermodell erstellt. Dieses Skelett besteht aus „Bones“ (Knochen) und „Joints“ (Gelenken), die es ermöglichen, das Modell zu bewegen und zu animieren. Durch das Hinzufügen von Steuerungselementen (Controls) können Animatoren den Charakter effizient und realistisch bewegen. Rigging bildet somit die Basis für alle nachfolgenden Animationen, ob es sich um einfache Bewegungen oder komplexe Aktionen handelt.

Die Schwierigkeiten beim Rigging

Komplexität und Präzision

Eines der größten Probleme beim Rigging ist die Komplexität. Jedes Gelenk und jeder Knochen muss präzise platziert werden, damit die Bewegungen des Charakters natürlich wirken. Selbst kleinste Fehler können zu unnatürlichen Bewegungen oder Verzerrungen führen. Es erfordert viel Geduld und Genauigkeit, um ein gutes Rig zu erstellen.

Anatomische Genauigkeit

Ein weiteres Problem ist die anatomische Genauigkeit. Um realistische Bewegungen zu erzielen, muss das Rig die natürlichen Bewegungen des Körpers korrekt nachahmen. Das bedeutet, dass man ein grundlegendes Verständnis der menschlichen Anatomie und der Funktionsweise von Gelenken und Muskeln haben muss.

Weight Painting

Beim Rigging ist es wichtig, das Gewicht der verschiedenen Körperteile richtig zu verteilen, um sicherzustellen, dass die Bewegungen natürlich wirken. Dieser Prozess, bekannt als „Weight Painting“, kann besonders knifflig sein. Eine ungleichmäßige Gewichtsverteilung kann dazu führen, dass Teile des Modells sich unerwartet bewegen oder deformieren.

Was zu beachten ist

Beim Rigging gibt es mehrere wichtige Aspekte zu beachten:

1. Saubere Geometrie: Es ist wichtig, dass das Charaktermodell eine saubere und einfache Geometrie hat. Dies erleichtert den Rigging-Prozess und minimiert potenzielle Probleme.
2. Gut platzierte Gelenke: Die Gelenke müssen sorgfältig an den richtigen Stellen platziert werden, um realistische Bewegungen zu ermöglichen. Dies erfordert oft einiges an Trial and Error.
3. Korrekte Hierarchie: Die Hierarchie der Knochen und Gelenke muss korrekt sein, damit sich die Bewegungen wie erwartet ausführen lassen.
4. Flexibilität und Kontrolle: Es sollten genug Steuerungselemente eingefügt werden, um eine flexible und einfache Animation zu ermöglichen, ohne den Animator mit zu vielen Kontrollpunkten zu überfordern.

Meine eigenen Herausforderungen und Erfahrungen

Beim Erlernen des Riggings bin ich auf zahlreiche Herausforderungen gestoßen. Einer der größten Stolpersteine war das Platzieren der Gelenke. Anfangs hatte ich Schwierigkeiten, die Gelenke an den richtigen Stellen zu platzieren, was zu unnatürlichen Bewegungen führte. Es dauerte einige Zeit und viele Anpassungen, bis ich die richtige Balance gefunden hatte.

Weight Painting war ebenfalls eine große Herausforderung. Es war schwierig, das Gewicht gleichmäßig zu verteilen, ohne dass Teile des Charakters sich unerwartet bewegten oder deformierten. Es erforderte viel Geduld und Feingefühl, um sicherzustellen, dass alle Bewegungen natürlich aussahen.

Ein weiteres Problem war die Komplexität der Steuerungselemente. Zuerst fügte ich zu viele Controls hinzu, was die Animation unnötig kompliziert machte. Ich musste lernen, wie man ein ausgewogenes System erstellt, das sowohl flexibel als auch einfach zu handhaben ist.

Fazit

Rigging ist ein essenzieller Bestandteil der Charakteranimation und bildet das Fundament für alle nachfolgenden Bewegungen. Es erfordert Präzision, Geduld und ein gutes Verständnis der Anatomie. Trotz der zahlreichen Herausforderungen, die es mit sich bringt, ist es eine lohnende Fähigkeit, die meine Animationen erheblich verbessert hat.

Einleitung

Character Walk Animations sind eine spannende und herausfordernde Disziplin im Bereich des Motion Designs. Eine gut gemachte Walk Cycle Animation kann einem Charakter Leben und Persönlichkeit einhauchen, was entscheidend für das Storytelling und das Engagement des Publikums ist. In diesem Beitrag möchte ich erklären, warum Character Walk Animations so wichtig sind und meine eigenen Herausforderungen und Challenges beschreiben.

Warum sind Character Walk Animations so wichtig?

1. Verleiht dem Charakter Leben

Eine gut animierte Gehbewegung ist mehr als nur eine visuelle Darstellung von Bewegung. Sie kann die Persönlichkeit, Stimmung und Emotionen eines Charakters ausdrücken. Ein stolzer, aufrechter Gang vermittelt Selbstbewusstsein, während ein schlurfender, langsamer Gang Traurigkeit oder Müdigkeit ausdrücken kann. Durch subtile Variationen in der Bewegung können Charaktere vielschichtiger und glaubwürdiger dargestellt werden.

2. Verbessert das Storytelling

Walk Cycles sind oft ein integraler Bestandteil der Handlung. Sie ermöglichen es, eine Geschichte ohne Worte zu erzählen und helfen, die Aufmerksamkeit des Publikums aufrechtzuerhalten. Eine Animation, die die Gehweise eines Charakters präzise und ausdrucksstark darstellt, kann wichtige narrative Informationen vermitteln und die emotionale Verbindung zum Publikum stärken.

3. Steigert die Qualität der Animation

Professionelle Walk Cycles tragen zur Gesamtqualität einer Animation bei. Sie zeigen ein hohes Maß an handwerklichem Können und Aufmerksamkeit zum Detail, was den Gesamteindruck des Projekts verbessert. Eine gut gemachte Walk Animation kann den Unterschied zwischen einer durchschnittlichen und einer herausragenden Animation ausmachen.

Techniken und Schritte zur Erstellung von Walk Cycles

1. Verständnis der Grundlagen

Der erste Schritt zur Erstellung einer Walk Animation besteht darin, die grundlegenden Bewegungsabläufe zu verstehen. Dies umfasst die Positionierung der Füße, das Schwingen der Arme und die Bewegung des gesamten Körpers. Es ist wichtig, die verschiedenen Phasen eines Schritts zu kennen: Kontakt, Abstoß, Hochpunkt und Auftakt.

2. Verwendung von Referenzen

Die Arbeit mit Referenzen hilft dabei ungemein. Videos von echten Menschen, die gehen, oder bestehende Animationen können wertvolle Einblicke in die Details einer natürlichen Gehbewegung bieten. Referenzen helfen dabei, die Bewegung realistischer und überzeugender zu gestalten.

Herausforderungen und Schwierigkeiten

1. Realismus vs. Stil

Eine der größten Herausforderungen bei der Erstellung von Walk Cycles besteht darin, den richtigen Balanceakt zwischen Realismus und stilisierter Animation zu finden. Ein zu realistischer Gang kann langweilig wirken, während ein übertriebener Stil die Glaubwürdigkeit beeinträchtigen kann. Es ist wichtig, den Stil des Charakters und der gesamten Animation zu berücksichtigen und einen Gang zu wählen, der dazu passt.

2. Synchronisation und Timing

Die Synchronisation der Bewegungen und das richtige Timing sind entscheidend für eine natürliche Gehbewegung. Schon kleine Fehler in der zeitlichen Abfolge der Bewegungen können den gesamten Walk Cycle unnatürlich wirken lassen. Hier ist viel Feinarbeit und Geduld gefragt, um sicherzustellen, dass alles perfekt zusammenpasst.

3. Technische Aspekte

Die technischen Aspekte der Animation können ebenfalls Herausforderungen darstellen. Dies umfasst die rigging des Charakters, die Verwendung von Inverse Kinematics (IK) und die Anpassung von Bewegungsbahnen. Fehler im Rigging oder in den Bewegungspfaden können zu unnatürlichen Bewegungen oder Verzerrungen führen, die die Qualität der Animation beeinträchtigen.

Meine eigenen Herausforderungen und Erfahrungen

Beim Erlernen der Character Walk Animations stieß ich auf mehrere Herausforderungen. Das Rigging der Charaktere bereitete mir zunächst große Schwierigkeiten, da die Gelenke oft unnatürlich wirkten. Auch das Timing der Bewegungen war knifflig und erforderte viel Feinabstimmung, um eine flüssige Gehbewegung zu erzielen. Der Übergang zwischen den Gehphasen gestaltete sich oft steif und unnatürlich, was viel Geduld und Übung erforderte. Trotz dieser Schwierigkeiten habe ich durch kontinuierliches Lernen und Experimentieren Fortschritte gemacht.

Fazit

Character Walk Animations sind eine essentielle Fähigkeit im Motion Design, die viel Übung und ein tiefes Verständnis der menschlichen Bewegung erfordert. Trotz der Herausforderungen und Schwierigkeiten, die mit der Erstellung von Walk Cycles verbunden sind, lohnt sich der Aufwand. Eine gut gemachte Walk Animation kann einem Charakter Leben und Persönlichkeit verleihen, das Storytelling verbessern und die Gesamtqualität der Animation erheblich steigern. Wenn Sie bereit sind, sich der Herausforderung zu stellen, werden Sie feststellen, dass Character Walk Animations Ihre Projekte auf ein neues Niveau heben können.

Expressions in After Effects sind ein mächtiges Werkzeug, das viele Möglichkeiten zur Automatisierung und Feinabstimmung von Animationen eröffnet. Durch die Verwendung von JavaScript-basiertem Code können komplexe Bewegungen und Effekte erstellt werden, die mit herkömmlichen Keyframes nur schwer oder gar nicht erreichbar sind. In diesem Beitrag möchte ich erläutern, warum es wichtig ist, eigene Expressions zu erstellen, und einige praktische Beispiele und Herausforderungen vorstellen, die ich bei der Arbeit mit Expressions erlebt habe.

Was sind Expressions?

Expressions in After Effects sind kleine JavaScript-Codeschnipsel, die auf Eigenschaften von Ebenen angewendet werden können. Sie ermöglichen es, dynamische und automatisierte Animationen zu erstellen, indem sie die Werte von Eigenschaften basierend auf mathematischen Berechnungen, Logik oder anderen Eingaben verändern.

Warum sind eigene Expressions wichtig?

1. Automatisierung und Effizienz

Expressions sparen Zeit und Mühe, indem sie komplexe Animationen automatisieren. Anstatt unzählige Keyframes manuell zu setzen, kann eine einzige Expression dieselbe Arbeit erledigen. Dies ist besonders nützlich, wenn Sie wiederholende Bewegungen oder Effekte haben, die sich über viele Ebenen oder Projekte hinweg erstrecken.

2. Flexibilität und Präzision

Mit Expressions können Sie Animationen erstellen, die auf spezifischen Bedingungen oder Benutzereingaben basieren. Dies bietet eine Flexibilität und Präzision, die mit herkömmlichen Methoden nicht erreichbar ist. Sie können beispielsweise Bewegungen synchronisieren, Effekte zufällig variieren oder Animationen abhängig von Audiodaten erstellen.

3. Erweiterte Möglichkeiten

Expressions eröffnen eine neue Welt der kreativen Möglichkeiten. Sie können auf Daten zugreifen, die in After Effects sonst nicht direkt animierbar wären, und diese Daten nutzen, um beeindruckende und einzigartige Effekte zu erzielen. Dies kann Ihre Animationen auf ein völlig neues Niveau heben.

Beispiele von gecodeten Expressions

1. Wiggle Expression

Die wiggle Expression fügt zufällige Bewegung zu einer Eigenschaft hinzu. Dies kann für die Erstellung von natürlichen, unvorhersehbaren Bewegungen nützlich sein.

javascriptCode kopierenwiggle(2, 30)

Diese Expression bewirkt, dass die Ebene zwei Mal pro Sekunde um bis zu 30 Pixel in alle Richtungen wackelt.

2. Time Expression

Die time Expression nutzt die aktuelle Zeit, um kontinuierliche Animationen zu erstellen. Dies ist besonders nützlich für rotierende oder sich kontinuierlich bewegende Objekte.

javascriptCode kopierenrotation = time * 90;

Diese Expression sorgt dafür, dass die Ebene kontinuierlich mit 90 Grad pro Sekunde rotiert.

3. LoopOut Expression

Die loopOut Expression wiederholt eine Animation endlos. Dies kann für animierte Hintergründe oder wiederholende Bewegungen verwendet werden.

javascriptCode kopierenloopOut("cycle")

Diese Expression wiederholt die Animation von Anfang bis Ende in einer Schleife.

Herausforderungen und Schwierigkeiten

1. Lernkurve

Die größte Herausforderung bei der Arbeit mit Expressions ist die Lernkurve. Obwohl JavaScript eine weit verbreitete und gut dokumentierte Programmiersprache ist, kann es schwierig sein, die spezifischen Anforderungen und Möglichkeiten von Expressions in After Effects zu verstehen. Es erfordert Zeit und Übung, um die Syntax und Logik zu beherrschen und effektive Expressions zu schreiben.

2. Fehlersuche

Das Debuggen von Expressions kann kompliziert sein, besonders wenn sie nicht wie erwartet funktionieren. Kleine Fehler in der Syntax oder Logik können große Auswirkungen haben und es kann schwierig sein, die genaue Ursache zu finden. Hier sind Geduld und eine systematische Herangehensweise gefragt.

3. Komplexität

Einige Aufgaben erfordern sehr komplexe Expressions, die mehrere Variablen und Bedingungen enthalten. Dies kann schnell unübersichtlich werden und es ist wichtig, den Code sauber und gut dokumentiert zu halten, um spätere Änderungen oder Fehlerkorrekturen zu erleichtern.

Fazit

Expressions in After Effects sind ein leistungsstarkes Werkzeug, das die Möglichkeiten der Animation erheblich erweitert. Trotz der Herausforderungen und Schwierigkeiten, die mit dem Erlernen und Verwenden von Expressions verbunden sind, lohnt sich der Aufwand. Sie bieten Automatisierung, Flexibilität und eine Vielzahl kreativer Möglichkeiten, die mit herkömmlichen Methoden nicht erreichbar sind. Wenn Sie bereit sind, sich auf den Lernprozess einzulassen, werden Sie feststellen, dass Expressions Ihre Arbeit in After Effects auf ein neues Niveau heben können.

Im 12. Abschnitt des Motion Design School Kurses ging es um Logo Animationen.

In diesem Blog-Post werde ich erläutern, warum Logo-Animationen für Unternehmen wichtig sind und was die Herausforderungen und Schwierigkeiten sind.

Warum eine custom Logo-Animation so wichtig ist

1. Starker erster Eindruck

Eine gut gestaltete Logo-Animation erzeugt einen starken ersten Eindruck. Eine animierte Version des Logos erregt sofortige Aufmerksamkeit und unterstreicht die Einzigartigkeit des Unternehmens.

2. Verstärkung der Markenidentität

Durch Bewegung, Klang und Effekte kann die Markenidentität effektiver kommuniziert werden.Die Animation ermöglicht es, subtile, aber kraftvolle Botschaften zu vermitteln, die in einem statischen Logo nicht zum Ausdruck kommen könnten. Bewegungen können den Charakter und die Energie der Marke widerspiegeln.

3. Erhöhte Wiedererkennbarkeit

Eine einprägsame Logo-Animation bleibt im Gedächtnis. Besonders in kurzen, prägnanten Clips macht eine Logo-Animation oft den entscheidenden Unterschied.

4. Verbesserung der User Experience

Animierte Logos machen Webseiten und Anwendungen lebendiger und ansprechender. Eine meiner Lieblingsanwendungen ist die Verwendung eines animierten Logos als Ladeanzeige, was die Wartezeiten für Nutzer angenehmer gestaltet. Auch in Präsentationen und Videos fügen animierte Logos eine dynamische und professionelle Note hinzu, die ich in meinen Projekten sehr zu schätzen gelernt habe.

Herausforderungen und Schwierigkeiten

1. Komplexität des Designs

Eine der größten Herausforderungen, die ich bei der Erstellung dieser Logo-Animation hatte, war die Komplexität des Designs. Ein statisches Logo, das gut funktioniert, muss oft vereinfacht oder angepasst werden, um in animierter Form effektiv zu sein. 

2. Technische Anforderungen

Die technischen Anforderungen für Logo-Animationen können hoch sein. Verschiedene Plattformen und Medienformate haben unterschiedliche Anforderungen an Auflösung, Dateigröße und Kompatibilität. In meinen Projekten musste ich sicherstellen, dass die Animation auf allen relevanten Kanälen optimal dargestellt wird, was zusätzliche Planung und Anpassung erforderte.

3. Zeit und Ressourcen

Die Erstellung einer hochwertigen Logo-Animation ist zeitaufwändig und erfordert erhebliche Ressourcen. Von der Konzeption über die Storyboard-Erstellung bis hin zur finalen Animation und Nachbearbeitung – jeder Schritt erfordert Expertise und Sorgfalt. Da diese Animationen meine ersten waren, haben sie mich sehr viel Zeit gekostet.

Fazit

Eine maßgeschneiderte Logo-Animation kann Unternehmen helfen, sich abzuheben, ihre Markenidentität zu stärken und die User Experience zu verbessern. Trotz der Herausforderungen und Schwierigkeiten, die ich bei der Erstellung erlebt habe, lohnt sich der Aufwand. Eine gut gemachte Animation hinterlässt einen bleibenden Eindruck und macht die Marke unvergesslich. Wenn Sie also überlegen, in eine Logo-Animation zu investieren, tun Sie es – Ihre Marke wird es Ihnen danken.

In diesem Blogpost möchte ich meine Erfahrungen mit den Lektionen 7 bis 9 des Motion Design School Kurses: Motion Beast teilen, die sich auf Loops, Text Animationen und Morphing in After Effects konzentrieren. Diese Themen haben mein Verständnis und meine Fähigkeiten im Motion Design weiter vertieft und mir gezeigt, wie man komplexe Animationen effizient erstellt.

Loops: Endlose Bewegung in Perfektion

Was sind Loops?

Loops sind Animationen, die nahtlos von Anfang bis Ende ablaufen und dann wieder von vorne beginnen. Sie sind ideal für wiederholende Bewegungen und können in Endlosschleife abgespielt werden, ohne sichtbare Übergänge.

Anwendungsbeispiele

Loops finden Anwendung in GIFs, animierten Hintergrundelementen und interaktiven Benutzeroberflächen. Sie sind besonders nützlich für Animationen, die dauerhaft oder über längere Zeiträume hinweg gezeigt werden sollen, wie zum Beispiel Ladeanimationen oder wiederkehrende Bewegungsmuster.

Schwierigkeiten

Die größte Herausforderung bei der Erstellung von Loops liegt darin, den Anfang und das Ende der Animation perfekt aufeinander abzustimmen, sodass keine abrupten Übergänge entstehen. Dies erfordert präzise Planung und oft auch den Einsatz von Expressions, um die Bewegungen mathematisch zu steuern und sicherzustellen, dass sie sich wiederholen.

Text Animationen: Worte in Bewegung

Was sind Text Animationen?

Text Animationen umfassen eine Vielzahl von Techniken, um Schriftzüge und Textblöcke dynamisch darzustellen. Dazu gehören Bewegungen, Verformungen, Farbwechsel und vieles mehr.

Anwendungsbeispiele

Text Animationen sind in Werbespots, Titelsequenzen, Social Media Posts und Präsentationen weit verbreitet. Sie können dazu beitragen, Informationen auf ansprechende und einprägsame Weise zu vermitteln und die Aufmerksamkeit des Betrachters zu fesseln.

Schwierigkeiten

Die Herausforderungen bei Text Animationen bestehen darin, die Lesbarkeit des Textes zu bewahren und gleichzeitig kreative und interessante Effekte zu erzielen. Es erfordert eine Balance zwischen Design und Funktionalität, um sicherzustellen, dass der animierte Text sowohl ästhetisch ansprechend als auch leicht verständlich ist.

Morphing: Fließende Übergänge zwischen Formen

Was ist Morphing?

Morphing ist eine Animationstechnik, bei der eine Form nahtlos in eine andere übergeht. Dies kann zwischen verschiedenen Formen, Bildern oder sogar Texten geschehen und erzeugt einen fließenden und organischen Effekt.

Anwendungsbeispiele

Morphing wird häufig in Logo-Animationen, Musikvideos, Filmszenen und künstlerischen Projekten eingesetzt. Es kann verwendet werden, um Transformationen darzustellen, die Aufmerksamkeit auf bestimmte Elemente zu lenken oder einfach visuell beeindruckende Effekte zu erzeugen.

Schwierigkeiten

Die größte Herausforderung beim Morphing ist die technische Umsetzung der Übergänge. Es erfordert präzises Keyframing und oft auch die Verwendung von Masken und Pfaden, um sicherzustellen, dass die Transformationen glatt und realistisch wirken. Zudem muss darauf geachtet werden, dass die interpolierten Formen während des Morphing-Prozesses logisch und visuell ansprechend bleiben.

Fazit

Die Lektionen 7 bis 9 des Motion Beast Kurses haben mir wertvolle Kenntnisse in den Bereichen Loops, Text Animationen und Morphing vermittelt. Diese Techniken sind essenziell für die Erstellung von professionellen und beeindruckenden Animationen in After Effects. Trotz der Herausforderungen, die mit jedem dieser Themen verbunden sind, eröffnen sie unglaublich vielfältige kreative Möglichkeiten, die es ermöglichen, Animationen auf ein neues Niveau zu heben.

In diesem Blogpost schreibe ich über meine Erfahrungen mit den Lektionen 4 bis 6 des Motion Design School Kurses: Motion Beast, die sich auf Easing und Effekte in After Effects konzentrieren. Ich erläutere, was ich in diesen Abschnitten durchgemacht habe und teile meine persönlichen Erfahrungen mit dem Gelernten.

1. Einleitung

Die Motion Design School hat mir in den Lektionen 4 bis 6 wertvolle Einblicke in die Welt des Easings und der Effekte in After Effects ermöglicht. Diese beiden Themen sind elementar für die Gestaltung von ansprechenden und dynamischen Animationen und haben mein Verständnis von Motion Design deutlich erweitert.

2. Easing: Die Kunst der sanften Bewegung

Easing ist der Schlüssel zu flüssigen und natürlichen Animationen in After Effects. Anstatt Bewegungen starr von Punkt A nach Punkt B zu führen, ermöglicht Easing sanfte Übergänge und verleiht Animationen ein lebendiges und ästhetisch ansprechendes Aussehen.

Die drei grundlegenden Easing-Funktionen:

• Ease In: Wie ein träges Objekt startet die Animation langsam und nimmt dann an Geschwindigkeit zu. Stellen Sie sich vor, Sie heben ein schweres Gewicht an. Zuerst bewegt es sich kaum, aber mit zunehmender Kraft beschleunigt es.
• Ease Out: Im Gegensatz dazu beginnt die Animation bei Ease Out schnell und verlangsamt sich dann bis zum Stillstand. Stellen Sie sich vor, Sie werfen einen Ball in die Luft. Zuerst fliegt er schnell nach oben, aber die Schwerkraft zieht ihn allmählich wieder nach unten.
• Ease In Out: Diese Funktion kombiniert die beiden vorherigen. Die Animation beginnt langsam, beschleunigt sich in der Mitte und verlangsamt sich dann wieder zum Ende hin. Stellen Sie sich vor, Sie schwingen auf einer Schaukel. Zuerst geht es langsam los, dann nimmt die Schaukelbewegung an Fahrt auf und verlangsamt sich am Ende wieder.

Der Graph Editor: Feinabstimmung der Bewegung

Der Graph Editor in After Effects ist Ihr mächtiges Werkzeug zur präzisen Steuerung der Animationsgeschwindigkeit. Anstatt sich auf vorgegebene Easing-Kurven zu beschränken, ermöglicht Ihnen der Graph Editor die individuelle Anpassung der Geschwindigkeit für jeden einzelnen Frame.

3. Effekte: Die kreative Toolbox des Motion Designers

• Neben Easing habe ich in After Effects eine Vielzahl von Effekten kennengelernt, die Animationen auf ein neues Level heben und ungeahnte kreative Möglichkeiten eröffnen.
• 1. Glitch-Effekte: Retro-Charme und futuristische Störungen
• Glitch-Effekte simulieren in After Effects visuelle Störungen und Fehler, wie sie bei alten VHS-Videos oder defekten Bildschirmen auftreten. Sie verleihen Animationen einen einzigartigen Retro-Charme oder erzeugen futuristische Effekte, die Spannung und Dynamik vermitteln.
• 2. Blur-Effekte: Weichzeichner und gezielter Fokus
• Mit Blur-Effekten kann ich Bewegungsunschärfe simulieren, um Geschwindigkeit und Dynamik zu visualisieren. Der „Gaussian Blur“ erzeugt dabei eine gleichmäßige Unschärfe, während der „Directional Blur“ die Unschärfe in eine bestimmte Richtung lenkt, um den Fokus auf bestimmte Bildbereiche zu lenken.
• 3. Layer Styles: Tiefe und Dimension für Texte und Formen
• Layer Styles sind Mini-Effekte, mit denen man Texten, Formen und anderen Elementen in After Effects mehr Tiefe und Dimension verleiht. Schatten, Glows, Farbüberlagerungen und Verläufe lassen sich mit wenigen Klicks hinzufügen und sorgen für ein lebendiges und ausdrucksstarkes Erscheinungsbild.
• 4. Bounce Effects: Lebendigkeit durch Expressions
• Mithilfe von Expressions, also kleinen Programmiercodes, kann ich einfache Bewegungen in After Effects aufwerten und spannender gestalten. So lassen sich Objekte zum Beispiel federnd hüpfen oder wackeln, um ihnen mehr Lebendigkeit zu verleihen.
• Die Vielseitigkeit von Effekten:
• Diese Beispiele zeigen nur einen kleinen Ausschnitt aus der riesigen Auswahl an Effekten, die After Effects bietet. Mit jedem Effekt lassen sich neue kreative Möglichkeiten erkunden und einzigartige visuelle Effekte erzielen. Die Kombination verschiedener Effekte führt zu noch komplexeren und beeindruckenderen Ergebnissen.

Im nächsten Post werde ich mich mit Loops, Text Animationen und Morphings befassen.

Nachdem ich die VFX Idee verworfen habe, steht dieses Semester ganz im Zeichen der Bewegung! In meinem Design- und Recherche Thema werde ich mich tief in die faszinierende Welt des Motion Designs begeben und die vielfältigen Möglichkeiten von Adobe After Effects erkunden.

Der Kurs „Motion Beast“ als Wegbegleiter

Um meine Reise strukturiert anzugehen, habe ich mich für den umfassenden Kurs „Motion Beast“ der Motion Design School entschieden. Dieser Kurs wird mir als Leitfaden dienen, um meine Kenntnisse in den Bereichen Animation, Effekten und Compositing auf ein neues Level zu heben.

Einblick in die bevorstehenden Themen:

Der Kurs „Motion Beast“ deckt ein breites Spektrum an relevanten Themen ab, die für die Erstellung ansprechender und aussagekräftiger Motion Graphics unerlässlich sind:

• Fundamentale Animationsprinzipien: In diesem Modul werde ich die wichtigsten Prinzipien der Animation erlernen, wie Keyframes, Tweens, Bewegungsgrafiken und Timing-Funktionen. Anhand dieser Techniken erarbeite ich flüssige, dynamische und ausdrucksstarke Animationen.
• Effekte und Übergänge: Die Welt der Effekte eröffnet mir eine Vielzahl an kreativen Möglichkeiten. Ich werde lernen, wie man mit Beleuchtung, Schatten, Texturen und anderen Effekten beeindruckende visuelle Effekte erzeugt und gleichzeitig eine einheitliche visuelle Sprache für mein Projekt entwickelt. Darüber hinaus vertiefe ich mich in verschiedene Übergangsarten, um nahtlose und ästhetisch ansprechende Verbindungen zwischen einzelnen Szenen zu gestalten.
• Compositing-Techniken: Ein zentraler Bestandteil des Kurses ist die professionelle Kombination von Live-Action-Footage, 2D-Grafiken und 3D-Elementen. Ich werde verschiedene Techniken kennenlernen, um diese Elemente nahtlos miteinander zu verbinden und ein realistisches und stimmungsvolles Gesamtbild zu schaffen.
• Motion Design-Prinzipien: Neben den technischen Fähigkeiten vertieft der Kurs auch mein Wissen über die grundlegenden Prinzipien des Motion Designs. Ich lerne, wie man Timing, Dynamik und Komposition einsetzt, um ausdrucksstarke und ästhetisch ansprechende Motion Graphics zu erstellen, die die Aufmerksamkeit des Zuschauers fesseln und eine klare Botschaft vermitteln.

Mein Weg zum Experten:

Ich befinde mich derzeit in der Anfangsphase des Kurses und habe bereits erste Einblicke in die Grundlagen der Animation und die Benutzeroberfläche von After Effects erhalten. Die vor mir liegende Lernkurve ist steil, aber ich bin hoch motiviert, mich intensiv mit der Materie auseinanderzusetzen und meine Fähigkeiten kontinuierlich zu verbessern.

In den kommenden Blogbeiträgen werde ich meine Lernerfahrungen und Fortschritte detailliert schildern. Ich werde euch mit auf meine Reise durch die Welt des Motion Designs nehmen und euch Einblicke in die einzelnen Themenbereiche, Herausforderungen und Erfolgserlebnisse geben.

Fazit:

Dieses Semester verspricht eine spannende und lehrreiche Herausforderung, die meine gestalterischen Fähigkeiten und mein Verständnis für visuelle Kommunikation enorm erweitern wird. Ich bin gespannt, welche kreativen Möglichkeiten sich mir durch die Kombination von Motion Design und After Effects eröffnen werden.

Zu Beginn dieses Semesters habe ich mir die Aufgabe gestellt, im Rahmen des Design&Research Programms ein Video zu erstellen, welches eine kurze Heldenreise durch Graz zeigt. Das Besondere an diesem Video sollte der Einsatz von vielen VFX Clips sein, was auch Thema meiner nächsten Blogbeiträge sein sollte. Begonnen  habe ich mit der Erarbeitung einer Geschichte, dafür habe ich mir eine Heldin ausgesucht, die neu in Graz ist und sich in der neuen Umgebung zurechtfinden muss. Diese Person (Maria) sollte durch die Stadt geführt werden und an ikonischen Orten mit ihrer Umgebung interagieren.

Story

Der erste Draft sah so aus:

Titel: „Welcome to Graz“

Der Clip beginnt mit einer jungen Frau, Maria, die aufgeregt durch die belebten Straßen von Graz läuft. Die Kamera fängt ihren nervösen Blick ein, während sie sich umschaut und die Stadt erkundet.

Szene 1: Graffiti

Die Kamera folgt Maria, während sie durch eine enge Gasse mit bunten Graffiti-Wänden geht. Plötzlich bleibt sie vor einem beeindruckenden Street-Art-Werk stehen. Die Kamera fokussiert sich auf das Gemälde, das langsam zum Leben erwacht. Die Farben beginnen zu tanzen und die Figuren bewegen sich in einem hypnotischen Rhythmus.

Transition: Graffiti wird zu einer Linie auf einer Map, Kamera Zoom out, Maria hält ihr Handy in der Hand mit Google Maps auf dem Screen, dass ihr eine Route zeigt.

Szene 2: Timelapse

Maria folgt der Route und läuft durch die Herrengasse, während um sie eine Tag/Nacht Timelapse läuft, sie läuft normal und alle anderen bewegen sich im Zeitraffer, bis sie die Mur erreicht, sie atmet tief durch und alles läuft wieder normal. (eventuell auch so wíe mein Reel mit Kamera, einfacher)

Transition: Maria steigt irgendwo in eine neue Bim ein und steigt am KFJ aus einer alten aus.

Szene 3: Heaven

Als Maria aussteigt, findet sie einen Markt (Kaiser Franz Josef Platz?) voll mit frischem Gemüse und Obst. Die Kameraschwenkt über das Angebot und bleibt in einer Closeup Aufnahme von Marias Hand stehen als sie einen Apfel nimmt. Maria nimmt einen Bissen mit geschlossenen Augen und um ihren Kopf schweben Wolken und kleine Engel (zu viel) vor lauter Genuss. Bedankt sich und geht.

Transition: Maria geht um die Ecke, sieht den Uhrturm in die Ferne, nimmt ihr Handy raus, zoomt rein, macht ein Foto, nimmt das Handy runter und steht am Schlossberg oben.

Szene 4: Beam

Maria läuft an die Mauer des Schlossbergs und blickt auf Graz.

Der Clip endet mit einem beeindruckenden Blick über die Stadt, während Maria glücklich in die Kamera lächelt. (Drone Shot?)

Ein Text erscheint auf dem Bildschirm: „Welcome to Graz”.

Storyboard

Nachdem die Story fixiert war, wurde nun an der Erstellung eines Storyboards gearbeitet.Da es mir schwer fällt, meine Gedanken per Zeichnungen zu vermitteln, habe ich mich für eine andere Art der Kommunikation entschieden, AI erstellte Bilder. Dazu wurde Midjourney in Discord verwendet. Zu Beginn hatte ich meine Schwierigkeiten einen kohärenten Stil von dem Programm zu bekommen, jedoch funktionierte es nach einigen Fehlschlägen doch. Nachdem ich die Bilder alle generiert habe, ging es darum, diese mit der Story anzugleichen und in die Form eines Storyboards zu bringen.

Das sah dann fertig so aus:

Dies war jedoch der letzte Schritt in dem Projekt “Welcome to Graz”.

Ich habe mich dazu entschieden, meine weiteren Blogbeiträge über ein anderes Thema zu schreiben.

Welches das ist, wird im nächsten Beitrag vorgestellt.