Kategorie: Media Design

Die zunehmende Verflechtung von Musikvideos mit sozialen Medien hat die Art und Weise, wie Musik visuell präsentiert und rezipiert wird, grundlegend verändert. In seinem Kapitel Music Video Meets Social Media: Intertextuality, New Aesthetics, and the Development of New Practices untersucht Eduardo Viñuela diese Transformation und analysiert die intertextuellen Beziehungen zwischen Musikvideos und nutzergenerierten Inhalten auf Plattformen wie YouTube, TikTok und Instagram (Viñuela 2024, 41).

Die Evolution des Musikvideos in der digitalen Medienlandschaft

Während Musikvideos traditionell als audiovisuelle Erweiterung eines Songs fungierten, sind sie heute Teil eines dynamischen digitalen Ökosystems, in dem Nutzer:innen aktiv an der Reproduktion und Modifikation der Inhalte beteiligt sind. Durch die wachsende Bedeutung von Social Media entwickeln sich neue Formen der Intertextualität, die nicht nur den Produktionsprozess beeinflussen, sondern auch die Ästhetik und Distribution von Musikvideos (Viñuela 2024, 44). Diese Entwicklung führt dazu, dass sich die Grenzen zwischen offiziellen und nutzergenerierten Inhalten zunehmend verwischen. Künstler:innen greifen verstärkt auf virale Trends zurück oder binden Memes in ihre offiziellen Musikvideos ein. Zum Beispiel beschreibt das Konzept von Henry Jenkins‘ „Convergence Culture“ (2006), wie verschiedene Medienformate miteinander verschmelzen und eine neue Form der Partizipation ermöglichen (Jenkins 2006, 95).

Intertextualität und die Ästhetik sozialer Medien

Ein zentrales Merkmal der neuen Musikvideoästhetik ist die Anpassung an das visuelle und narrative Format sozialer Medien. Vertikale Videos, die früher als fehlerhaft galten, stellen mittlerweile ein Standardformat für mobile Plattformen dar (Elleström 2020, 4). Viele Künstler:innen veröffentlichen offizielle vertikale Versionen ihrer Musikvideos, um sie für Instagram Stories oder TikTok optimiert zu präsentieren. Eine weitere wichtige ästhetische Entwicklung ist die zunehmende Nutzung von „Split-Screen“. Diese ursprünglich von TikTok populär gemachte Funktion erlaubt es Nutzer:innen, eigene Performances neben bereits bestehenden Videos zu platzieren, wodurch eine neue Form der interaktiven Intertextualität entsteht (Lacasse 2018, 44). Auch prominente Künstler:innen wie Mariah Carey oder Metallica haben sich dieser Technik bedient, indem sie auf TikTok mit Fans oder fiktionalen Charakteren aus populären Serien interagierten (Viñuela 2024, 50). Zudem haben sich durch soziale Medien neue Praktiken der Audiomanipulation etabliert. Besonders beliebt sind „sped-up“ Versionen von Songs, die durch künstliches Beschleunigen oder Verlangsamen eine neue klangliche und visuelle Ästhetik erzeugen. Musiklabels haben diesen Trend erkannt und veröffentlichen mittlerweile offizielle „sped-up“ oder „slowed + reverb“ Versionen von Songs, die sich an der Ästhetik populärer TikTok-Clips orientieren (Jost 2020, 34).

Strategien der Musikvermarktung und Fankultur

Musikvideos werden zunehmend als transmediale Erzählformen konzipiert, die nicht isoliert betrachtet werden können. Stattdessen sind sie Teil umfassender digitaler Marketingkampagnen, in denen Fans aktiv in den Entstehungsprozess einbezogen werden. Social-Media-Plattformen ermöglichen es Künstler:innen, vor der offiziellen Veröffentlichung eines Musikvideos Teaser-Clips, Challenges oder exklusive Behind-the-Scenes-Aufnahmen zu teilen, um die Community zu mobilisieren (Jenkins 2007).

Ein besonders prominentes Beispiel für diese Art der strategischen Fan-Einbindung sind virale Tanz-Challenges. Jennifer Lopez und Olivia Rodrigo haben gezielt kurze Videoausschnitte ihrer Songs verbreitet und Fans dazu animiert, eigene Tanzinterpretationen zu erstellen (Viñuela 2024, 55). Diese Art der Partizipation stärkt nicht nur die Bindung zwischen Künstler:in und Publikum, sondern trägt auch zur massiven Verbreitung des Musikvideos bei.

Die Zukunft des Musikvideos in der Ära der sozialen Medien

Die Analyse von Viñuela (2024) zeigt, dass Musikvideos heute nicht mehr nur als Werbeformat für einen Song fungieren, sondern als eigenständige Kunstform, die tief in die digitale Kultur eingebettet ist. Die Grenzen zwischen offiziellen Produktionen und nutzergenerierten Inhalten verschwimmen immer weiter, und Musikvideos sind zunehmend Teil eines interaktiven Netzwerks aus Remixes, Referenzen und transmedialen Strategien. Die zunehmende Digitalisierung und die Integration sozialer Medien in die Musikproduktion werden auch in Zukunft eine zentrale Rolle spielen. Musikvideos profitieren nicht nur von neuen Technologien, sondern auch durch den kreativen Input der Online-Community der stetig weiterentwickelt wird (Korsgaard 2017, 110).

Literatur

Elleström, Lars. Transmediation: Some Theoretical Considerations. New York: Routledge, 2020.

Jenkins, Henry. Convergence Culture: Where Old and New Media Collide. New York: New York University Press, 2006.

Jenkins, Henry. „Transmedia Storytelling 101.“ Pop Junctions, 22. März 2007. https://henryjenkins.org/blog/2007/03/transmedia_storytelling_101.html.

Jost, Christofer. Integrated Pop: Intertextuality, Music Video, and Transmedia Production Modes in Popular Music. London: Bloomsbury, 2020.

Korsgaard, Mathias Bonde. Music Video after MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music. London: Routledge, 2017.

Lacasse, Serge. „Toward a Model of Transphonography.“ In The Pop Palimpsest: Intertextuality in Recorded Popular Music, herausgegeben von Lori Burns und Serge Lacasse, 9–60. Ann Arbor: University of Michigan Press, 2018.

Viñuela, Eduardo. „Music Video Meets Social Media: Intertextuality, New Aesthetics, and the Development of New Practices.“ In Aesthetic Amalgams and Political Pursuits: Intertextuality in Music Videos, herausgegeben von Tomasz Dobrogoszcz, Agata Handley und Tomasz Fisiak, 41–60. New York: Bloomsbury Academic, 2024.

Die Symbolik des Musikvideos

„Cellophane“ ist ein Lied von FKA Twigs aus ihrem zweiten Studioalbum „Magdalene“ (2019). Die Lyrics thematisieren eine verletzliche Frau, die sich in einer komplexen Beziehung befindet und verzweifelt versucht, die Verbindung zu retten, obwohl ihre Bemühungen von der Öffentlichkeit nicht unterstützt werden und ihr Partner nicht darauf eingeht. Die Metapher des „Cellophanes“ – eine durchsichtige, fragile Plastikfolie – spielt auf die zerbrechliche und durchsichtige Natur der Gefühlswelt der Protagonistin an. Im Musikvideo wird diese Metapher auf verschiedene Weisen visuell aufgegriffen. Die visuelle Darstellung zeigt die Künstlerin FKA Twigs in einer Tanzperformance. Es zeigt Twigs, wie sie Pole Dance vor einem unsichtbaren Publikum ausführt, dabei an der Stange emporsteigt, um ein großes fliegendes Wesen zu treffen, das ihr Gesicht trägt, und schließlich in eine Art „Unterwelt“ fällt. Dort wird sie von zwei weiblichen Wesen mit Ton bedeckt.

Produktion und Regie

Das Video wurde unter der Regie von Andrew Thomas Huang gedreht, der für seine surrealen Videos bekannt ist. Huang beschrieb das Video als „Bild ihrer Aufstiege und dem Fall durch ein Bild von sich selbst“. Es wurde von Pitchfork zum besten Musikvideo des Jahres 2019 gewählt (Wikipedia, 2024). FKA Twigs ist nicht nur Sängerin, sondern auch Tänzerin und Choreografin. Die Zusammenarbeit mit den technischen Aspekten der Produktion, wie der Kameraführung und der Beleuchtung, ist für die Effektivität des Musikvideos entscheidend. Die Kamera bewegt sich durch die Szenen, folgt den Bewegungen der Tänzerin und verstärkt so das Gefühl der Intimität und Fragilität. Ein weiteres Element ist die Beleuchtung: Sie ist minimalistisch und dramatisch, wodurch die Figur der Protagonistin stark in den Vordergrund tritt. Der Einsatz von Schatten und Licht sorgt für eine surrealistische Atmosphäre. Die Choreografie des Videos, die von FKA Twigs selbst entwickelt wurde, spielt eine zentrale Rolle in der Darstellung der emotionalen und körperlichen Auseinandersetzung der Protagonistin. FKA Twigs, die auch als Tänzerin ausgebildet ist, nutzt ihre Expertise, um den Tanz als eine visuelle Metapher für die innere Reise der Protagonistin zu verwenden. In einer Erklärung zur Veröffentlichung von „Cellophane“ gab Twigs bekannt, dass sie über ein Jahr lang Pole Dance gelernt hatte, bevor das Musikvideo gedreht wurde, um ihre Vision für das Video zu verwirklichen (Wikipedia, 2024).

3D

Im Musikvideo zu „Cellophane“ von FKA Twigs wird auch die Verwendung von 3D-Elementen eingesetzt. Der 3D-Part des Videos ist sowohl technisch als auch symbolisch komplex und spielt eine entscheidende Rolle in der Schaffung der surrealen Welt. Ein Beispiel für den Einsatz von 3D-Technologie findet sich in der Szene, in der FKA Twigs in einem riesigen, transparenten Netz aus schimmernden Fäden gefangen ist. Dieses Netz ist nicht nur ein physisches Element, sondern auch eine digitale, computergenerierte Struktur. Das Netz wird durch digitale Effekte erzeugt, die es ermöglichen, mit der Perspektive und dem Raum zu spielen. Ein weiteres Element ist die Verwendung von 3D-Animationen, die während der Tanzsequenzen in den Raum integriert werden. Die digitalen Elemente, wie abstrakte geometrische Formen und amorphe, pulsierende Strukturen, interagieren mit den Bewegungen der Tänzerin. Der Effekt ist eine Verschmelzung von realer und digitaler Welt. Zusätzlich wird in mehreren Szenen eine digitale Verzerrung verwendet.

Relevanz

Das Musikvideo zu „Cellophane“ ist nicht nur sehr inspirierend und schön anzusehen, sondern ist auch ein starkes Statement: Der Tanz, die Regie und die emotionale Tiefe. Es geht nicht nur um Unterhaltung, sondern um Themen, die viele Frauen betreffen: Öffentliche Beurteilung und die Herausforderungen im privaten sowie auch im Berufsleben. Das Video ist ein weiterer Impuls für die Diskussion darüber, wie Frauen in der Musik- und Filmbranche immer noch mit spezifischen Hürden zu kämpfen haben.

Literatur

Wikipedia, „Cellophane (FKA Twigs song)“, zuletzt geändert am 20. November 2024, Zugriff am 07.Februar, 2025, https://en.wikipedia.org/w/index.phptitle=Cellophane_(FKA_Twigs_song)&oldid=1258507962 

Musikvideos sind heute allgegenwärtig, insbesondere durch Plattformen wie YouTube und soziale Medien. Dennoch nimmt die akademische Forschung dieses Mediums oft nicht dieselbe prominente Stellung ein wie seine Popularität im kulturellen Diskurs. Mathias Bonde Korsgaards Buch Music Video After MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music (2017) schließt diese Lücke, indem er Musikvideos nicht nur als kommerzielle Produkte betrachtet, sondern als eigenständige audiovisuelle Kunstform analysiert. Der Autor verfolgt einen interdisziplinären Ansatz, der Musikforschung, Medienwissenschaft und Kulturstudien verbindet.

Die Entwicklung des Musikvideos: Von MTV zur digitalen Ära

In den 1980er- und frühen 1990er-Jahren spielten Musikvideos eine entscheidende Rolle in der Popkultur, insbesondere durch den Fernsehsender MTV. Mit dem Aufstieg des Internets und Plattformen wie YouTube erlebte das Musikvideo jedoch eine Transformation, die seine Produktions-, Distributions- und Rezeptionsweisen grundlegend veränderte. Korsgaard argumentiert, dass sich das Medium in einem „permanenten Zustand simultaner Krise und Erneuerung“ befinde: Während das klassische Musikvideo-Format in der Fernsehlandschaft an Relevanz verlor, erlebte es online eine zweite Blütezeit (Korsgaard 2017, 3).

Dieses Phänomen beschreibt er als „Post-Musikvideo“-Ära, in der neue Formen wie interaktive Videos, Musikvideo-Apps und nutzergenerierte Inhalte entstehen. Korsgaard zeigt auf, dass Musikvideos nicht nur als eigenständiges Medium zu betrachten sind, sondern dass sie zunehmend andere audiovisuelle Formate beeinflussen, von Film und Werbung bis hin zu digitalen Kunstprojekten.

Audiovisuelle Ästhetik und die „Musikalisierung der Vision“

Ein zentraler Beitrag des Buches ist Korsgaards Konzept der Musikalisierung der Vision. Während Musikvideos oft als visuelle Ergänzungen zu Songs wahrgenommen werden, argumentiert der Autor, dass das Zusammenspiel von Bild und Musik eine komplexere Beziehung aufweist. Die visuelle Gestaltung eines Musikvideos wird nicht nur durch das Narrativ oder die Ästhetik des Films, sondern durch die musikalische Struktur selbst geprägt (Korsgaard 2017, 62). Er illustriert dies anhand von Fallstudien zu Musikvideos von Künstlern wie Michel Gondry und Chris Cunningham, die audiovisuelle Techniken einsetzen, um musikalische Strukturen zu visualisieren. Zum Beispiel analysiert Korsgaard das Video zu Star Guitar von The Chemical Brothers, bei dem visuelle Elemente wie Landschaften und Bewegung strikt auf den Rhythmus der Musik abgestimmt sind (ebd., 73). Diese enge Verzahnung zwischen Ton und Bild unterscheidet das Musikvideo grundlegend von anderen audiovisuellen Medien wie dem Spielfilm. Während Filme oft auf lineare Erzählstrukturen setzen, arbeiten Musikvideos häufig mit assoziativen oder fragmentierten Bildern, die eher musikalische als narrative Prinzipien widerspiegeln.

Korsgaard argumentiert, dass Musikvideos in ihrer heutigen Form zunehmend hybride Räume schaffen, in denen verschiedene Medienformen miteinander verschmelzen. Dies zeigt sich besonders deutlich in interaktiven und immersiven Musikvideos, die auf digitalen Plattformen experimentelle audiovisuelle Erlebnisse ermöglichen (Korsgaard 2017, 144). Ein Beispiel hierfür ist das Musikvideo We Used to Wait von Arcade Fire, das als interaktive Web-Erfahrung konzipiert wurde. Durch die Nutzung von Google Maps und personalisierten Inhalten werden Zuschauer:innen in das Video eingebunden, wodurch eine neue Form der Medienrezeption entsteht (ebd., 106). Darüber hinaus thematisiert Korsgaard die Rolle von User-Generated Content, Remixen und viralen Trends, die dazu beitragen, dass Musikvideos nicht mehr als abgeschlossene Werke betrachtet werden, sondern als fluides, partizipatives Medium. Diese Entwicklung steht im Einklang mit der zunehmenden Medienkonvergenz, in der Grenzen zwischen Film, Musik, Werbung und Social Media immer weiter verschwimmen.

Relevanz der Musikvideoforschung in der digitalen Kultur

Korsgaards Buch leistet einen wichtigen Beitrag zur akademischen Beschäftigung mit Musikvideos, indem es zeigt, dass diese weit mehr sind als bloße Werbeclips für Künstler:innen. Vielmehr handelt es sich um eine eigenständige Kunstform, die tief in die zeitgenössische Medienkultur eingebettet ist.

Mit seinem interdisziplinären Ansatz stellt Korsgaard eine Brücke zwischen Musik- und Medienwissenschaft her und liefert eine systematische Analyse der post-millennialen Entwicklung des Musikvideos. Besonders wichtig ist sein theoretischer Rahmen zur Audiovisualität, der es ermöglicht, Musikvideos nicht nur als visuelle Werke, sondern als komplexe mediale Phänomene zu verstehen. Angesichts der fortschreitenden Digitalisierung und der zunehmenden Hybridisierung audiovisueller Medien bleibt die Auseinandersetzung mit Musikvideos auch in Zukunft ein zentrales Thema in den Kultur- und Medienwissenschaften. Korsgaards Arbeit bietet eine fundierte Grundlage für weitere Forschungen und eröffnet neue Perspektiven auf ein Medium, das trotz seiner omnipräsenten Verfügbarkeit oft unterschätzt wird.

Literatur

Korsgaard, Mathias Bonde. Music Video After MTV: Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music. New York: Routledge, 2017.

In unserem letzten Semester entstand Matchmaker, eine interaktive Installation, die soziale Interaktionen auf spielerische Weise fördert. Die zentrale Idee: Zwei Personen legen ihre Hände auf Sensoren, halten sich an den Händen – und ein Algorithmus zeigt in einer animierten Visualisierung ihre „Kompatibilität“ an. Doch hinter dem scheinbar simplen Konzept steckte eine Menge technischer Herausforderungen, kreative Animationen und eine gut koordinierte Teamarbeit.

Animationen: Das Herzstück der Erfahrung

Die Animationen spielten eine essenzielle Rolle in der Matchmaker-Experience. Mein Part umfasste die Animationen von 0–60 % sowie die spezielle Wave-Animation für das Herz. Das Animationssystem basierte auf einem 10-Schritt-Skalensystem von 10 % bis 100 %, wobei sich das Herz je nach Wert unterschiedlich verhielt:

• Niedrige Kompatibilität (≤30%) → brechende Herzen, Fehlermeldungen etc.
• Mittlere Kompatibilität (~60%) → abwiegen der Liebe, humoristische annäherung zu der Liebe
• Hohe Kompatibilität (100%) → Verschiedene pulsierende Herzformen

Besonders herausfordernd war es, die Animationen so zu gestalten, dass sie sich nahtlos in den Interaktionsfluss einfügen. Die Wave-Animation für das Herz, die ich erstellt habe, sollte fließend wirken zu dem restlichen Stil der Animationen passen. Hier kam Motion-Design mit sanften Ease-in-out-Übergängen zum Einsatz, um eine harmonische Bewegung zu erzeugen.

Die Animationen wurden in Resolume Arena gesteuert, wobei über OSC-Kommunikation verschiedene Clips dynamisch getriggert wurden. Damit entstand eine nahtlose Verbindung zwischen Interaktion und visueller Rückmeldung.

Organisation: Ein kreatives Chaos unter Kontrolle

Dieses Projekt erforderte eine durchdachte Organisation. Besonders die technische Umsetzung war eine Herausforderung: Anfangs wollten wir mit Herzfrequenzmessung arbeiten, doch nach mehreren Testläufen erwies sich diese Methode als unzuverlässig. Ein ähnliches Schicksal ereilte die Messung der elektrischen Leitfähigkeit. Schließlich entschieden wir uns für eine einfachere Lösung: ein zufällig generierter Kompatibilitätswert – eine Entscheidung, die sich als optimal erwies, da sie das Erlebnis spielerischer machte.

Die Produktion des zentralen 3D-Herzens war ebenfalls ein iterativer Prozess. Während unser erster Versuch mit Bauschaum zu schwer wurde, erwies sich eine Papier-Maché-Version als ungleichmäßig. Am Ende setzten wir auf eine Konstruktion aus Pappe, Aluminiumfolie und weißem Stoff, die eine ideale Projektionsfläche bot und dank Nylonfäden fast schwebend wirkte.

Auch bei den Interaktionssäulen gab es Herausforderungen. Materialfehler, Missverständnisse in der Kommunikation mit Dozierenden und mehrere Neuanfertigungen sorgten für einige Hürden. Doch letztlich entstand ein funktionierendes und ästhetisch ansprechendes Set-up, das die gesamte Installation perfekt abrundete.

Fazit: Wenn Technik, Animation und Teamwork verschmelzen

Die Arbeit an Matchmaker zeigte, wie viel Feinschliff nötig ist, um eine scheinbar simple Interaktion zum Leben zu erwecken. Von durchdachter Animation über technische Experimente bis hin zur präzisen Organisation – jedes Detail spielte eine Rolle. Vor allem aber zeigte das Projekt, wie wichtig es ist, flexibel zu bleiben und kreative Lösungen für unerwartete Probleme zu finden. Am Ende stand eine immersive Installation, die nicht nur technisch funktionierte, sondern auch Menschen miteinander ins Gespräch brachte – und genau das war unser Ziel.

Musikvideos sind ein fester Bestandteil der modernen Musikkultur und beeinflussen die Wahrnehmung und das Erleben von Musik auf vielfältige Weise. Die Studie von Johanna N. Dasovich-Wilson, Marc Thompson und Suvi Saarikallio mit dem Titel Exploring Music Video Experiences and Their Influence on Music Perception (2022) bietet eine detaillierte Untersuchung darüber, wie Musikvideos die Interpretation, emotionale Reaktionen und Erinnerungen an Musik beeinflussen.

Hintergrund und Zielsetzung der Studie

Dasovich-Wilson et al. (2022) setzen sich mit der Frage auseinander, warum und in welchen Situationen Menschen Musikvideos konsumieren und welche psychologischen Prozesse dabei eine Rolle spielen. Während frühere Studien die Rolle von Musik in Filmen untersucht haben (Cohen 2001; Boltz 2004), wurde das Medium Musikvideo bislang wenig erforscht. Die Autoren argumentieren, dass Musikvideos nicht nur der Promotion dienen, sondern eine eigenständige Kunstform darstellen, die das musikalische Erlebnis tiefgreifend verändern kann.

Methodik

Die Studie basiert auf einer qualitativen Analyse von Online-Fragebögen, die von 34 Teilnehmenden mit einem Durchschnittsalter von 22,4 Jahren ausgefüllt wurden. Die Forschenden entwickelten ein theoretisches Modell, das den Musikvideo-Konsum in vier Phasen unterteilt: Intention, Attention, Reaction und Retention (IARR-Modell). Diese Phasen beschreiben den Entscheidungsprozess für das Ansehen von Musikvideos, die Wahrnehmung während des Betrachtens, emotionale Reaktionen sowie die langfristigen Auswirkungen auf die Musikwahrnehmung.

Ergebnisse

1. Intention (Absicht)

Die Entscheidung, ein Musikvideo zu schauen, wird von emotionalen, kognitiven und sozialen Faktoren beeinflusst. Viele Teilnehmende gaben an, dass sie Musikvideos zur Stimmungsregulierung nutzen oder um mehr über die Bedeutung der Lieder zu erfahren. Andere nannten soziale Einflüsse, wie Empfehlungen von Freund:innen oder Trends in sozialen Medien (Dasovich-Wilson et al. 2022, 8).

2. Attention (Aufmerksamkeit)

Während des Betrachtens von Musikvideos lenken unterschiedliche Faktoren die Aufmerksamkeit der Zuschauer:innen. Die Befragten beschrieben, dass visuelle Elemente wie Farbgebung, Schnitttechnik oder Synchronität mit der Musik entscheidend für das Erleben des Videos sind. Auch narrative Strukturen, also ob das Video eine Geschichte erzählt, beeinflussen die Wahrnehmung erheblich (Dasovich-Wilson et al. 2022, 10).

3. Reaction (Reaktion)

Emotionale Reaktionen auf Musikvideos variieren stark. Während einige Teilnehmende berichteten, dass Musikvideos ihre emotionale Verbindung zu einem Lied vertieften, empfanden andere bestimmte Videos als irritierend, insbesondere wenn sie nicht mit ihrer persönlichen Interpretation des Songs übereinstimmten. Dies deutet darauf hin, dass Musikvideos nicht nur verstärkend, sondern auch überformend auf die Musikwahrnehmung wirken können (Dasovich-Wilson et al. 2022, 11).

4. Retention (Speicherung und langfristige Wirkung)

Ein Schlüsselergebnis der Studie ist, dass Musikvideos langfristige Auswirkungen auf das Gedächtnis und die Interpretation eines Songs haben. Viele Befragte gaben an, dass sie beim erneuten Hören eines Songs automatisch an Szenen aus dem dazugehörigen Musikvideo denken. Diese visuelle Gedächtnisverknüpfung kann das emotionale Erleben der Musik nachhaltig verändern (Dasovich-Wilson et al. 2022, 12).

Bedeutung der Ergebnisse

Die Ergebnisse der Studie bestätigen, dass Musikvideos weit über die bloße visuelle Begleitung eines Songs hinausgehen. Sie beeinflussen die emotionale Wirkung, die kognitive Verarbeitung und die langfristige Erinnerung an Musik. Das IARR-Modell bietet eine nützliche theoretische Grundlage, um die komplexen Interaktionen zwischen Musik, Bild und individuellen Hörerfahrungen besser zu verstehen.

Ein interessanter Aspekt ist, dass Musikvideos nicht immer positiv wahrgenommen werden. Einige Teilnehmende berichteten, dass Musikvideos ihre persönliche Beziehung zu einem Song veränderten oder sogar beeinträchtigten, wenn das visuelle Konzept nicht mit ihrer eigenen Interpretation übereinstimmte. Dies deutet darauf hin, dass Musikvideos nicht nur als Verstärker von musikalischen Emotionen fungieren, sondern auch als kognitive Umdeutungsmechanismen wirken können.

Fazit

Die Studie von Dasovich-Wilson et al. (2022) zeigt, dass Musikvideos eine bedeutende Rolle in der Musikwahrnehmung spielen. Durch das IARR-Modell wird deutlich, dass die Entscheidung, ein Musikvideo anzusehen, stark von emotionalen, sozialen und kognitiven Faktoren abhängt. Die visuelle Gestaltung beeinflusst die Wahrnehmung eines Songs erheblich, und diese Wirkung kann langfristig erhalten bleiben. Damit liefert die Studie wertvolle Impulse für die Musikpsychologie sowie für die Musik- und Medienindustrie.

Literatur

Boltz, Marilyn G. 2004. „The Cognitive Processing of Film and Musical Soundtracks.“ Memory & Cognition 32 (7): 1194-1205.

Cohen, Annabel J. 2001. „Music as a Source of Emotion in Film.“ Music and Emotion: Theory and Research, hrsg. von Juslin, Patrik N. und John A. Sloboda, 249-272. Oxford: Oxford University Press.

Dasovich-Wilson, Johanna N., Marc Thompson und Suvi Saarikallio. 2022. „Exploring Music Video Experiences and Their Influence on Music Perception.“ Music & Science 5 (1): 1-18. https://doi.org/10.1177/20592043221117651.

Das Buch Women Don’t Owe You Pretty (2020) von Florence Given ist ein Appell an Frauen, gesellschaftliche Erwartungen zu hinterfragen und sich aus normativen Zwängen zu befreien. Es richtet sich vor allem an eine jüngere Zielgruppe und vermittelt feministische Grundgedanken. Es behandelt Themen wie Schönheitsnormen, Selbstwertgefühl, toxische Beziehungen, Patriarchatskritik und die Bedeutung von Intersektionalität. Das Buch hat mich sehr inspiriert und bietet wertvolle Impulse zur Reflexion über weibliche Inszenierung, medialer Darstellung und die Herausforderungen, denen Frauen in kreativen Industrien begegnen.

Das Buch

Florence Given beginnt ihr Buch mit einer grundlegenden Kritik an internalisierten patriarchalen Strukturen. Sie argumentiert, dass Frauen von klein auf beigebracht wird, sich selbst über den Blick anderer zu definieren – insbesondere über den männlichen Blick. Sie fordert dazu auf, diese Prägung bewusst zu erkennen und aktiv zu hinterfragen. Ein zentraler Gedanke des Buches ist, dass Frauen niemandem Schönheit oder Anpassung schulden – weder Männern noch der Gesellschaft oder den sozialen Medien.

In den ersten Kapiteln beschäftigt sich Given mit dem Konzept des „Male Gaze“ (männlicher Blick) und erklärt, wie Frauen durch Erziehung, Medien und gesellschaftliche Erwartungen dazu gebracht werden, sich selbst aus einer männlichen Perspektive zu betrachten. Diese Selbstwahrnehmung führt oft dazu, dass Frauen ihr Verhalten, ihr Aussehen und sogar ihre Ambitionen an männlichen Vorstellungen ausrichten.

Weitere Kapitel widmen sich der Dekonstruktion toxischer Beziehungsdynamiken. Given argumentiert, dass Frauen oft in destruktiven Beziehungen verharren, weil sie dazu sozialisiert wurden, sich selbst zurückzustellen und die Bedürfnisse anderer über ihre eigenen zu stellen. Sie fordert Frauen auf, ihre eigenen Grenzen zu setzen und Beziehungen zu hinterfragen, die auf Abhängigkeit oder emotionaler Manipulation basieren. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Bedeutung von Selbstliebe und radikaler Akzeptanz. Given argumentiert dafür, dass Frauen ihre Körper so annehmen, wie sie sind, und sich nicht dem Druck unterwerfen sollten, einem bestimmten Schönheitsideal zu entsprechen.

Relevanz

Das Buch bietet nicht nur einen theoretischen Rahmen für die Auseinandersetzung mit Geschlechterrollen, sondern auch konkrete Impulse. Die Filmbranche ist eine visuell geprägte Industrie. Insbesondere Regisseur:innen und Produzent:innen stehen vor der Herausforderung, weibliche Darstellungen zu hinterfragen und neue visuelle Narrative zu schaffen, die nicht nur männliche Sehgewohnheiten bedienen. Ein zentraler Punkt in Givens Werk ist die Idee der Selbstbestimmung über die eigene Darstellung. In der Filmproduktion bedeutet das, dass Künstler:innen, Regisseur:innen und Kreative aktiv gegen sexistische Bildsprache arbeiten können, indem sie alternative Inszenierungen entwickeln.

Florence Givens Women Don’t Owe You Pretty ist ein Buch, das feministische Themen in einer modernen und zugänglichen Weise vermittelt. Es fordert dazu auf, toxische Strukturen zu erkennen und sich bewusst für eine selbstbestimmte Darstellung einzusetzen. Besonders im Kontext der Filmproduktion, in der Inszenierung und visuelle Ästhetik eine zentrale Rolle spielen, bietet das Buch wertvolle Anstöße für eine geschlechterbewusste Medienkritik. Die darin angesprochenen Themen, wie zum Beispiel die Reflexion über den „Male Gaze“ und die Selbstinszenierung von Frauen, sind besonders relevant für meine Masterarbeit und die Untersuchung geschlechterbewusster Produktionspraktiken.

Literatur

Given, Florence. 2020. Women Don’t Owe You Pretty. London: Cassell.

Die Netflix-Serie Inventing Anna (2022) erzählt die (mehr oder weniger) wahre Geschichte der Hochstaplerin Anna Sorokin, die sich unter dem Namen Anna Delvey als reiche Erbin ausgab, um Zugang zur New Yorker High Society zu erlangen. Basierend auf dem investigativen Artikel „How Anna Delvey Tricked New York’s Party People“ von Jessica Pressler (2018) beleuchtet die Serie die Mechanismen von Macht, Täuschung und Geschlechterrollen in einer von Männern dominierten Finanz- und Medienwelt. Die Serie ist nicht nur spannend, sondern bietet auch gesellschaftskritische Ansätze, die für meine Masterarbeit relevant sind und insbesondere als Impuls dienen können.

Handlung

Die Serie folgt der Journalistin Vivian Kent (inspiriert von Jessica Pressler), die sich mit der Geschichte von Anna Delvey auseinandersetzt. Anna, eine russischstämmige Frau, gibt sich als wohlhabende deutsche Erbin aus und schafft es, sich in exklusive Kreise einzuschleusen. Sie überzeugt Geschäftsleute, Hotelmanager und Freund:innen, ihr Geld zu leihen, mit dem Versprechen, es bald zurückzuzahlen. Während sich die Wahrheit um Annas Identität langsam entwirrt, zeigt die Serie ihre Verhaftung und den darauffolgenden Prozess. Dabei stellt sich die Frage, inwiefern Anna eine Betrügerin oder vielmehr eine Frau ist, die mit männlichen Strategien spielt, um sich in einer von Machtstrukturen geprägten Welt zu behaupten.

Inszenierung von Weiblichkeit und Macht

Anna Sorokin ist eine faszinierende Figur, weil sie die gängigen Vorstellungen von Weiblichkeit in der Finanzwelt unterwandert. Sie nutzt ihr äußeres Erscheinungsbild, ihr selbstbewusstes Auftreten und ein perfektioniertes Storytelling, um sich als vertrauenswürdige Geschäftsfrau zu inszenieren. Dabei folgt sie bewusst Stereotypen, um Erwartungen zu bedienen: Sie kleidet sich modisch, spricht mit Überzeugung und nutzt soziale Medien, um ihre vermeintliche Exklusivität zu inszenieren. Doch ihre Strategie beruht nicht nur auf oberflächlichen Attributen – sie versteht es, sich in männerdominierte Räume zu begeben und dort ernst genommen zu werden. Die Darstellung von Anna in der Serie wirft Fragen nach den Mechanismen auf, mit denen Frauen sich in solchen Bereichen behaupten müssen. Während männliche Unternehmer für ihre Risikobereitschaft gefeiert werden, wird Anna als Hochstaplerin kriminalisiert. Diese doppelte Moral ist in vielen Branchen erkennbar.

Weibliche Narrative und mediale Rezeption

Ein interessanter Aspekt von Inventing Anna ist die mediale Rezeption des Falls. Während Anna selbst als machtbewusste Frau dargestellt wird, die sich nicht scheut, bestehende Strukturen zu hinterfragen, inszeniert die Presse sie oft als manipulative Betrügerin. Dieses Spannungsfeld zeigt sich auch in der realen Medienlandschaft, in der Frauen in der Unterhaltungsbranche oft kritischer betrachtet werden als ihre männlichen Kollegen.

Für meine Masterarbeit ist dieser Aspekt daher besonders relevant. Frauen, die sich in männlich dominierten Branchen durchsetzen möchten, sehen sich nicht nur strukturellen Barrieren gegenüber, sondern müssen sich auch einer kritischen Öffentlichkeit stellen, die ihre Erfolge oft anders bewertet als die von Männern. Annas Geschichte dient als Beispiel dafür, wie Frauen sich durch Inszenierung und strategisches Geschichtenerzählen einen Platz in diesen Räumen erkämpfen – eine Dynamik, die auch in der Filmproduktion zu beobachten ist, wo Regisseurinnen und Produzentinnen häufig doppelte Standards erfahren.

Impuls

Inventing Anna zeigt, dass Frauen in (kreativen) Branchen oft gezwungen sind, sich stärker zu behaupten und gleichzeitig mit negativen Stereotypen zu kämpfen. Die Serie wirft dabei relevante Fragen auf: Wie können sich Frauen in Männern dominierten Industrien behaupten, ohne als „unprofessionell“ oder „manipulativ“ abgestempelt zu werden? Wie beeinflussen mediale Narrative das Bild von Frauen in Machtpositionen?

Die Serie – die auf einer wahren Begebenheit basiert – ist weit mehr als nur eine Geschichte über Betrug. Sie ist eine Reflexion über weibliche Machtstrategien, mediale Repräsentation und strukturelle Barrieren. Sie zeigt, dass Erfolg für Frauen oft strengeren Maßstäben unterliegt und dass Inszenierung ein wesentliches Element ist, um sich in männlich dominierten Branchen zu behaupten.