Kategorie: Media Design

Für diesen Impulsbeitrag habe ich mir ein Best-Practice Tanzfilm Beispiel angesehen – Black Swan. Während des Films, habe ich alle Tanzszenen, nach der chronologischen Reihenfolge, dokumentiert. Ich habe Kameraführung, Effekte, Umgebung, Zeitverzerrungen und etliche weitere Dinge festgehalten:

Der Film beginnt mit einer Tanzszene, wo fast rein statische Kameraeinstellungen vorhanden sind. Kamerabewegungen sind im Vergleich zum Tanz ruhig und smooth.

Die Szene spielt in einem düsteren, schwarzen, leeren Nichts Raum. Die Balletttänzerin ist mit einer Spotlight Beleuchtung beleuchtet, was ihr weißes, fast kitschiges Tütü Outfit in den Fokus bringt.

Tanztraining-Szene ist auf den Charakter, der spricht der Trainer, fokussiert und Tanz ist hierbei eine Nebenhandlung und liegt definitiv nicht im Fokus. Das Tanzen trägt zur Handlung bei, aber erzählt von sich selbst nichts Zusätzliches.

Tanztraining, wo die Hauptdarstellerin ein Solo vortanzt, die Kamera bewegt sich Hand-Held sehr stark mit den Bewegungen des Tanzes mit und hat somit die gleiche Dynamik wie die Performance.

Eine kurze Tanzszene zuhause bei der Hauptfigur, wo sie trainiert, und versucht mehrere schöne Pirouetten zu machen. Die Pirouetten wurden aus POV der Tänzerin mit der Kamera gedreht, also die Kamera hat sich im Kreis wie in einer Pirouette bewegt. Statische Kamera mit langsamen Schnitten und nur einmal eine größere Aufnahme auf die Füße. Jedoch sind die Szenen der Drehung in Zeitlupe, bis sie sich verletzt.

Training, nachdem die Hauptdarstellerin die Hauptrolle bekommen hat: Kamera ist Hand-Held und bewegt sich zum Tanz mit, aber trotzdem nicht so dynamisch wie der Tanz selbst. Die Kamera hält die Performance fest, wie wenn sie in der Fläche beinahe im Weg steht und der Tänzerin und dem Tänzer entkommen versucht und die beiden beim Tanz beobachtet.

Tanztraining mit dem Trainer daneben und aktiv an Anpassung einwerfen. Kamera ist Hand-Held und bewegt sich dem Trainer fast Over-the-Shoulder hinterher, wie wenn sie ihm nachlaufen würde, wie er dem Tanzpaar nachgeht.

Tanztraining wo die Hauptdarstellerin mit dem Tanzlehrer/Trainer gemeinsam das Solo übt und tanzt.  Kamera ist Hand-Held und bewegt sich dynamisch mit den Bewegungen mit, Schnitte in der Szene selbst und Detaillaufnahmen, die unterschiedlichen Aspekte des Tanzes einfängt. Eingefügt wird auch eine Totale die statisch von weit weg ist. Die Tanzszene entwickelt sich jedoch mit der Zeit in eine Verführungsszene, die sexuell übergriffig vom Trainer scheint. Dann endet sie Szene abrupt und es ist in einer Totale ersichtlich, wie der Tanzlehrer hinausstürmt und die Tänzerin im Trainingsraum stehen bleibt.

Tanzszene im Club auf der Tanzfläche unter Einfluss von Drogen. Hand-Held Kameraführung mit Effekten, die das Bild verschwimmen lassen. Die Farben dieser Szene sind rot und grün und das Licht blinkt, also die Szene wird abwechselnd schwarz und dann wieder erleuchtet. Viele Schnitte und das Tanzen sind chaotisch und nicht nach einer geplanten, linearen Performance.

Tanztraining-Szene, wo die Hauptdarstellerin zu spät kommt. Hand-Held Kameraführung, dass es eben auch aussieht, wie wenn die Hauptdarstellerin das andere Tanzpaar zusieht und sie von der Seite beobachtet. Danach sind weitere Szenen der Performance auf der Bühne, diese starten mit einer statischen weit entfernten Kamera. Ein Schnitt geht dann auf eine Detailaufnahme zur Hauptdarstellerin in ihr Gesicht während des Tanzens, um ihre Gesichtsausdrücke klar wahrzunehmen.

Probe der Performance auf der Bühne mit den anderen TänzerInnen zusammen, aber es ist dann das Solo der Schlussszene der Hauptdarstellerin. Hand-Held Kameraführung mit Schnitten zu Detailaufnahmen in ihr Gesicht. Die Führung der Kamera wirkt wieder, wie wenn sie die Tänzerin verfolgt, beziehungsweise versucht zu verfolgen.

Die Hauptdarstellerin trainiert allein im Trainingsraum. Die Bildausschnitte sind viel Over-the-Shoulder und man verfolgt die Darstellerin. Etliche Schnitte, die zwischen Hand-Held Detailaufnahmen und statischen Totalen wechseln.

Bei der Solo-Performance auf der Bühne: Ruhige Detailaufnahmen und die Kamera ist Hand-Held geführt. Schnitte zu 2-3 Totalen von der gesamten Bühne. Die Bühnenbelichtung ist rot mit kühlen weißen Akzenten auf die Hauptdarstellerin. Etliche Schnitte in der Perfomance. Die Kamera bewegt sich mit der Tänzerin mit, als wenn sie sie verfolgt und hinterhergeht.

Black Swan Performance Szene: Sehr dynamische schnelle Kamerabewegungen, wieder Hand-Held. Keine Schnitte, sondern wirklich verfolgen der Tanzperformance.

Ruhige Kamerabewegungen, aber Verfolgung der Tänzerin bei der Black Swan Performance, wo sie sich in den Schwan verwandelt. Keine Dynamische oder hektischen Bewegungen dabei, erst als die Performance endet und es keine Tanzszene mehr ist.

Weißer Schwan Performance: Dynamische, Hand-Held Kamerabewegungen. Schnitte zu Totalen von der gesamten Bühne. Die letzte Tanzszene ändert sich von hektisch auf ruhig, bis hin zu einer Zeitlupe, wo sie auf der Bühne von der Erhöhung springt. Nachdem sie dort gelandet ist und die Tanzszene zu Ende ist, ist alles wieder in normaler Geschwindigkeit.

Behind the Scenes/Making Of: https://www.youtube.com/watch?v=_BSZymoCUsU

https://screenrant.com/black-swan-behind-scenes-facts-darren-aronofsky-natalie-portman-ballet-movie

Diesen Film habe ich in einem englischen Kino in Wien gesehen. Seine Bildsprache und die erzählte Geschichte haben mich abgeholt. Außerdem hat mich der Film dazu motiviert mein Masterarbeitsthema „Frauen in der Selbstständigkeit“ anzugehen. Ich ging mit einem „Jetzt erst recht!“ Gefühl aus der Vorstellung heraus. Der Film „Die Fotografin“ beschäftigt sich mit Lee Millers Jahren als Kriegsfotografin im Zweiten Weltkrieg. Regie wurde von Ellen Kuras geführt und die Produktion sowie die Hauptrolle übernahm Kate Winslet. Lee Miller kannte ich durch ihr berühmtes Portrait in Hitlers Badewanne. Im Film wurden ihre Bilder mit viel Liebe zum Detail nachgestellt.

Im Magazin „ALL ABOUT HISTORY“ wird der Film als „fiercely feminist biopic“ beschrieben.¹ In einem Interview von „GALORE“ stellt die Produzentin und Schauspielerin Kare Winslet allerdings klar, dass sie den Film nicht als Biopic sieht. Die ganze Biografie von Lee Miller könnte eine 12-teilige Serie füllen, meinte Winslet. Der Film fokussiert sich auf rund zehn Jahre ihres Lebens. Sie wollten Lee Miller bewusst von ihrer Rolle als Fotomodell und Muse von Man Ray lösen und ausschließlich ihre Zeit als Korrespondentin im Krieg zeigen.²

Ich hasse den Begriff Muse und lege viel Wert darauf, dass er [Man Ray] und alles, wofür er steht, im Kontext unseres Films keine Rolle spielt.³

In einem Interview mit dem „TOTAL FILM“ Magazin beschreibt Winslet das die Art und Weise, wie Lee Miller beschrieben wurde, auf dem männlichen Blick (male gaze) beschränkt blieb. Sie ist eine Frau, die oft nur als Muse von Man Ray gesehen wird. Winslet sagt, dass Lee Miller es hasste ein Model zu sein. Diese Annahme belegt sie mit dem bekannten Zitat von Lee Miller: „I’d rather take a photograph than be one.“ Für die Regisseurin Kuras war es wichtig Lee Miller nicht zu objektifizieren, sondern zu zeigen wie sie genug davon hatte und sich auf die andere Seite der Kamera stellte.⁴

Mit folgendem Opener-Text wurde Lee Millers früheres Leben kurz angeschnitten: „I’d been the model, I’d been the muse, I’d been the ingénue. I was good at three things: drinking, sex and photography.” Miller war nicht daran interessiert für ihren Partner Roland Penrose Hausfrau zu spielen. Stattdessen überzeugte sie das „Vogue“ Magazin von ihrer Fotografie und wurde Kriegs-Korrespondentin. Laut dem „All About History“ Magazin ist Winslet perfekt für die Rolle der Lee Miller geschaffen und machte darüber hinaus als Produzentin einen guten Job. Es werden nicht nur Lee Millers Erfolge gezeigt, sondern auch ihr Umgang mit ihrer posttraumatischen Belastungsstörung, Ansprüche an Mutterschaft, ihre Alkoholabhängigkeit und Depression. Dem Magazin zu folge gibt der Film zu verstehen, dass Miller bestrebt war, sich als Fotografin und Journalistin zu beweisen.⁵ 

We come to understand Miller was driven to prove herself as an artist and journalist in her own right, but did so with humanity and a curious lack of ego. ⁶

Der Film gibt Anlass über das Leben von Frauen nachzudenken und die Art und Weise, wie ihr Wert von Männern definiert wurde (und allzu oft noch wird).⁷

Die Produzentin spricht offen über Hürden, die es zu überwinden galt. Unteranderem trafen sie auf einem Geldgeber, der fragte warum er diese Frau mögen sollte. Für Winslet war sofort klar, dass dieser Mann nicht Teil des Films sein wird. Ihnen war wichtig diesen Film nur mit Menschen zu produzieren, die ein Verständnis für die Geschichte mitbrachten.⁸

Der Film bzw. Lee Miller könnte für meine Masterarbeit eine Bedeutung haben. Lee Miller ist heute noch sehr interessant, da sie in einer Branche Karriere machte, die von Männern dominiert wurde. Ich könnte mich mit ihr beschäftigen und anhand ihrer Geschichte Frauen dazu inspirieren in der Selbstständigkeit Fuß zu fassen. Sie stellte sich gegen gesellschaftliche Erwartungen und wollte nicht bloß Hausfrau und Mutter sein. Außerdem finde ich sehr interessant, dass sie lange Zeit nur als Muse von Man Ray gesehen wurde. Der Film stellt sie in einem anderen Licht da, der ihr und ihren Werken viel mehr gerecht wird.

¹ vgl. Conterio 2024, S.78

² vgl. Heidmann 2024, S.107

³ Kate Winslet IN: Heidmann 2024, S.107

⁴ vgl. Miles 2024, S.12

⁵ vgl. Conterio 2024, S.78

⁶ Conterio 2024, S.78

⁷ vgl. Conterio 2024, S.78

⁸ vgl. TOTAL FILM 2024, S.13

Literaturangabe

Miles, Lauren: NO FILTER. LEE. In: TOTAL FILM issue 354 (2024), S.12f

Conterio, Martyn: LEE. A fascinating, fiercely feminist biopic about WWII photographer Lee Miller. In: ALL ABOUT HISTORY issue 148 (2024), S.78

Heidmann, Patrick: Hinter der Kamera. In: GALORE INTERVIEWS 9,24 (2024), S.107