by katharina.rauch -

Impulse #7 // Study Subject and Final Showcase // Luminous Flora – Combining Creativity and Technology for an Immersive and Interactive Art Experience

For our final master studies showcase »Kaleidoscope«, I had the opportunity to work on a project that merged art, interaction design, and media design in a unique and immersive way. The project, titled “Luminous Flora”, invited visitors to create their own personalized flower arrangements using a tablet, and experience their design through projection mapping onto a 3D sculpture. As interaction designers, my team and I were primarily responsible for the app development and integrating the design with the projection system. This experience allowed me to explore the challenges of user interface design and discover new tools that dramatically impacted our process, specifically ProtoPie.

The Concept: Merging Creativity and Technology

The core concept of “Luminous Flora” was to give visitors an opportunity to design their own flower bouquet, combining their creativity with digital technology for a truly interactive art experience. The idea was while using a tablet, visitors could choose flowers, arrange them as they liked, and then see their creation projected onto a custom-made polygon structure, making the bouquet appear as a tangible, 3D object. The flowers were carefully crafted in a 3D program, ensuring realistic textures, colors, and shapes to bring them to life digitally. This combination of user interaction and projection mapping showcased how art and technology can collaborate to create something innovative and engaging.

Overcoming Technical Challenges: From Coding to ProtoPie

Initially, we planned to build the app using Angular, but we quickly hit technical roadblocks. Integrating live projection and connecting with Resolume software proved difficult, and our coding skills couldn’t keep up with the project’s complexity. That’s when we first heard about ProtoPie, a no-code design tool. At first, we were uncertain, but soon realized it was the perfect solution. ProtoPie’s intuitive interface allowed us to focus on the creative aspects without getting bogged down by coding challenges. It enabled us to create interactive prototypes without any coding. We could design interactions using simple triggers and actions, making the process much faster. Its integration with Figma allowed us to easily import our designs and turn them into prototypes. ProtoPie’s component-based system also made it easy to maintain consistency across the app. The real-time preview feature allowed us to instantly test and refine our interactions, speeding up the iteration process and enhancing our workflow. ProtoPie ultimately allowed us to turn our creative ideas into a fully functional interactive experience for the Luminous Flora project, without the technical struggles we initially faced.

A Collaborative Journey: Lessons Learned

The development of the Luminous Flora project taught us valuable lessons in collaboration and adaptability. The process wasn’t always smooth, and there were times when communication between different majors was challenging. At the beginning, it was difficult to stay on the same page and manage tasks effectively. Sometimes, as deadlines approached, it felt like we were scrambling to complete everything. However, despite these challenges, we pushed forward, and the end result was an interactive experience that exceeded our expectations. The collaboration between the different design disciplines was crucial. By constantly communicating, sharing ideas, and giving feedback, we were able to create something that not only worked technically but was also engaging and creative. The final app was visually appealing and easy to navigate, offering users an immersive experience as they designed their bouquets and saw them projected in real-time.

Conclusion: Insights into User Interface Design and the Future of No-Code Tools

The Luminous Flora project provided me with valuable insights into the integration of user interfaces with physical experiences, particularly through projection mapping, and how external factors like lighting, environment, and technological constraints shape the design process. I learned how essential it is to choose the right tools, as ProtoPie allowed us to rapidly prototype and test ideas without the burden of complex coding. This experience has significantly influenced my research, especially in understanding how external influences can affect user interface design and user interaction. Moving forward, I’m eager to explore no-code tools like ProtoPie more deeply, as they offer new possibilities for faster iteration and creative experimentation, especially in the development of adaptive systems. The ability to create personalized, responsive interfaces with ease has opened new paths for my future projects, and I look forward to further exploring these tools in the context of dynamic, user-centered design.

Links

https://kaleidoscope-showcase.netlify.app
https://www.protopie.io
https://resolume.com

by Annika Drießen -

IMPULSE #8 Dystopian Valley

This is a reflection on an article by Yves Bellinghausen in Brand Eins (Dec/Jan 2024/25 issue) “01.01.3000 is a Wednesday – About tomorrow and how it can get better”.

In his article “Dystopian Valley”, Bellinghausen describes Silicon Valley as a symbol of positive visions for the future. The author asks whether there is anything left of this spirit today.

Bellinghausen quotes John Perry Barlow from his “Declaration of independence of cyberspace” to illustrate this positive drive for the future. In his 1996 Declaration of Independence of Cyberspace, Barlow wrote: “We are creating a world where everyone can enter without privilege or prejudice based on race, economic power, military strength or social background. Your legal concepts of ownership, expression, identity, movement and context do not apply to us. They are all based on matter, and there is no matter here.” From this quote, it can be concluded that cyberspace is understood as a place of freedom that is awaited with great longing.

Bellinghausen cites Shoshana Zuboff as a counter-position and perspective from today’s world. She is an economist and the author of the book “The Age of Surveillance Capitalism”. She writes: “They have appropriated people’s lives and turned them into data in order to make predictions and profits. Surveillance capitalism claims our personal lives as free raw material.” The instrumentalization of cyberspace for capitalism is thus in conflict with the place of freedom that Barlow hopes for. Zuboff concludes in her book: “Let there be a digital future, but let it be a human future first.”

The emancipatory potential of the technology for the people has been left behind and Big Tech is aiming to even further push their political influence and power. Bellinghausen uses Elon Musks latest political engagement in incoming President Donald Trump’s campaign as an example. He speculates, that Musk will be assigned an administrative position. Through some quick research I gathered, that Musk has been tasked with leading Trump’s new Department of Government Efficiency (Doge). Aleks Phillips from BBC News states that “It is a role that is expected to garner him influence over government policy – and the regulatory environment facing his enterprises.“

Bellinghausen continues to state that many Silicon Valley companies were founded with humanitarian concepts in mind, but thanks to enormous amounts of venture capital, they grew into monopolies that aggressively beat out out their competitors. He uses Google as an example. Google was founded in 1998 by two Stanford students with the aim of organizing the world’s information and making it universally accessible. The company’s famous motto was: “Don’t be evil.” Around 2000 Google fought against Microsoft’s monopoly. Then they themselves became a giant and began to devour one industry after another, fueled by venture capitalists‘ desire for returns.

Bellinghausen concludes that Google perfected the platform capitalism by acting as a free broker in the digital economy, collecting data from its users and passing it on to the highest bidder when selling advertising space. But unlike in the early days, these are no longer humanitarian visions for the future.

Links:

https://www.eff.org/cyberspace-independence

https://shoshanazuboff.com

https://a16z.com/why-software-is-eating-the-world

by hanna.weichsler -

Impuls 5: Ausstellung Larissa Holweg

In diesem Blogpost möchte ich über die Ausstellung von Larissa Holweg reflektieren. Diese Ausstellung hat mich inspiriert über Frauen, Kunst und Selbstständigkeit nachzudenken. Die Ausstellung „One Step Closer“ eröffnete am 28.11.2024 ihre Türen. Im Gemeindesaal von Hart bei Graz wurden die Gemälde von Larissa Holweg bis zum 04.12.2024 ausgestellt. Ich habe die Eröffnung fotografisch festgehalten.

Auf den ersten Blick hat Malerei und Acrylkunst wenig mit meinem Masterarbeitsthema „Frauen in der Selbstständigkeit“ zu tun. Doch Larissas Werdegang und ihre Werke haben mich dazu inspiriert, darüber nachzudenken, wie Frauen ihren Platz in der Kreativbranche finden.

Larissa Holweg wurde 1999 geboren und hat schon früh ihre Leidenschaft für Kund entdeckt. Sie absolvierte die Ortweinschule in Graz und trat im Anschluss das Studium Informationsdesign an der FH Joanneum an. Derzeit befindet sie sich im letzten Semester des Masters für Communication Design. Ihre Werke sind von Beobachtungen der Natur und menschlichen Emotionen geprägt. Sie erschafft eine Verbindung zwischen abstrakter Kunst und emotionaler Reflexion.

Während ich die Ausstellung fotografisch dokumentierte, fragte ich mich, ob Larissa auch manchmal Zweifel hat. Zweifel wie so viele Frauen, die in der Kreativbranche tätig sind. Ich fragte mich, ob auch Larissa mit dem Imposter-Phänomen zu kämpfen hat, trotz ihrer beeindruckenden Werke und ihres klaren Erfolgs.

Monate später fragte ich sie in eine Sprachnachricht, ob sie sich vom Imposter-Phänomen betroffen fühlt. Larissa Holweg antwortete mit einer fünfminütigen Sprachnachricht:

Sie bestätigt schon im ersten Satz, dass sie mit Imposter-Fears zu kämpfen hat. Larissa spürte vor allem vor der Ausstellung diese Ängste:

„[…] weil man da auch den Kampf mit sich selber hat, dass man einerseits den Leuten schon zeigen will, was man macht, aber andererseits immer das Gefühl hat, na, will eh niemand sehen, weil es ist eh zu schlecht […] Und es kommt auch während der Organisation […] immer so der Gedanke: Ja, wieso mache ich das eigentlich? Weil es ist viel Aufwand für das, dass die Leute eh nicht sehen wollen.“

Bei Minute eins fügt Larissa hinzu, dass sie Phasen hat, wo sie denkt, dass die Leute nur kommen, weil sie mit ihr befreundet oder verwandt sind, nicht aber, weil sie ihre Kunst gut finden.

Die Ausstellung „One Step Closer“ zeigt, dass wichtig ist den Schritt ins Ungewisse zu wagen und zu seinen Werken zu stehen. Um dies zu wagen ist notwendig sich dem inneren Kritiker*innen zu stellen und zu lernen die eigenen Erfolge zu verinnerlichen. 

Frauen wie Larissa inspirieren mich dazu selbstbewusst den eigenen Weg zu gehen und Kreativität als Ausdrucksform zu sehen und durch sie sichtbar zu werden. Unternehmerisches Denken und Kreativität können Hand in Hand gehen, das zeigt Larissa Holweg ganz klar.

Für meine Masterarbeit nehme ich all diese Gedanken mit und überlege die Arbeit auf den gesamten Kreativbereich auszuweiten. Ein wirkliches Interview mit Larissa könnte aufschlussreiche Antworten liefern, die für meine Forschung relevant sein könnten.

by tom.giess -

IMPULSE #7: ProtoPie 101 Crash Course – Part 1

Inspired by my colleagues, I thought signing up to the official ProtoPie 101 Crash Course would be a good preparation when it comes to the work piece in my master’s thesis. Since I possibly want to use sensor technology and the visual as well as auditory level of communication, ProtoPie promises to emulate what feels like a programmed app due to its advanced prototyping capabilities.

Getting started

Every chapter of the ProtoPie 101 Crash Course begins with a clear outline of „What you’ll need“ and „What you’ll learn.“ This approach helps set expectations and ensures users are prepared with the necessary tools and mindset before diving in.

Unit 1: Introduction to ProtoPie

ProtoPie introduces a unique conceptual model based on object + trigger + response. The logic is simple: If I tap the square layer, then it will move. This principle extends to multiple micro-interactions, like carousels.

The prototyping process in ProtoPie involves three key platforms:

  • Studio for creating prototypes
  • Player for displaying prototypes on mobile devices
  • Cloud for sharing and collaboration

To get started, ProtoPie outlines four essential steps:

  1. Add assets
  2. Make interactions
  3. Test & share
  4. Collaborate

The structure is intuitive, making the onboarding process smooth and easy to follow.

Step 1: Add assets

This step introduces knowledge tests with multiple-choice questions. For instance, I encountered this question:

„When you export an entire frame or artboard from your design tool, how does this get imported into ProtoPie?“

The answer options were:

  • Object in Scene
  • Scene
  • New Pie
  • Frame

At first, it was unclear what exactly constituted a scene, a frame, or an object in a scene. However, the narrator clarified these distinctions after the first question, making it much easier to understand.

Importing assets from Figma was incredibly smooth. Everything transferred seamlessly, making the process highly efficient.

Step 2: Make interactions

My task in this step was to create an interaction where an icon on a home screen wiggles after a long press, allowing position edits, and stops wiggling when exiting edit mode. To achieve this, I used:

  • Long press and tap as triggers
  • Rotate and stop as responses

Some standout features during this step included:

  • Duplicating triggers and responses, which made iteration much faster
  • The timeline feature, which allows responses to occur sequentially – this was an excellent addition
  • The reset response, which makes it easy to revert an interaction back to its initial state

Overall, creating interactions in ProtoPie felt logical, intuitive, and efficient.

Step 3: Test & share

Now came the phase of installing the ProtoPie Player app. Prototypes can be displayed by:

  • Connecting a mobile device to a computer via USB
  • Scanning a QR code when both devices are on the same WiFi network

The display experience was just as seamless as in Figma. Sharing prototypes was also straightforward. A link can be distributed with controlled access settings, determining:

  • Who can view the prototype
  • Who can download the file for further editing
  • What UI elements are visible when opening the link

This flexibility ensures that collaboration remains secure and structured.

Step 4: Collaborate

The course then introduced interaction recordings (formerly known as „interaction recipes“). Unlike other prototyping tools that attempt to generate code – often unsuccessfully – ProtoPie focuses on providing accurate interaction values for developers.

With interaction recordings, developers can:

  • Play and scroll through the timeline at different speed levels to fully understand the interaction
  • Share single recorded interactions via individual sub-links

Additionally, ProtoPie allows elements with interactions to be transformed into reusable components, similar to Figma. Once inside a component, interactions move with it. Components can also be uploaded to a team library, enabling:

  • Cloud-based collaboration
  • Editing in library mode with cloud-synced updates
  • Easy pasting of components from local files to the cloud team library (though changes need to be published before others see them)

Knowledge test & learning progress

The first chapter concludes with a knowledge test, designed to help measure comprehension. If results indicate gaps in understanding, the system suggests to do the chapter again before proceeding. I found this to be an excellent learning reinforcement tool. Additionally, test results can be downloaded for documentation, making it a useful feature for employer verification.

After completing this first chapter, I had reached 20% progress in the overall crash course. This made me eager to continue and explore the advanced capabilities of ProtoPie.

Final thoughts

My experience with the ProtoPie 101 Crash Course so far has been extremely positive. The course is structured in a way that makes learning both engaging and practical. The hands-on approach, combined with well-integrated knowledge tests, ensures that users truly get the concepts before moving forward.

ProtoPie’s approach to prototyping – focusing on visual interaction recordings instead of auto-generated code – stands out as a particularly developer-friendly and intuitive method. It eliminates ambiguity and allows for precise handoff between designers and engineers.

With 20% of the course completed, I am excited to see what’s next! Stay tuned for further insights as I continue my ProtoPie learning journey.

Resources

https://learn.protopie.io/start

https://learn.protopie.io/course/protopie-101

https://cloud.protopie.io/p/1a8b65c2398caca10872b720?ui=true&scaleToFit=true&enableHotspotHints=true&cursorType=touch&mockup=true&bgColor=%23F5F5F5&bgImage=undefined&playSpeed=1

by Annika Drießen -

IMPULSE #7 My Year of Rest and Relaxation

Introduction

Exploring Graz as an exchange student, I think it is important to experience local cultural institutions. I made use of a last minute offer for students at Schauspielhaus and watched a production of “My Year of Rest and Relaxation”, based on the novel of the same name by Ottessa Moshfegh.

In my experience Graz is a lively cultural center with loads of theatrical institutions. Everywhere in the city posters of new plays are posted and I regularly witness people cueing at the ticket office. As a UNESCO World Heritage Site and former European Capital of Culture (2003), Graz offers an impressive mix of historical and modern stages. I felt I had to witness at least one (if not a few more) plays at Schauspielhaus Graz. In this blog post, I’ll share my reflections on the play.

The Novel

Ottessa Moshfegh’s novel, published in 2018, tells the story of a young woman (26) in the early 2000s who suffers from inner emptiness and depression, despite external privileges such as beauty, education and wealth. She also struggles with the passing of her parents. She decides to put herself into a self-imposed “hibernation” for a year with the help of pills in order to escape the struggles and noise of the modern world.

Sleep felt productive. Something was getting sorted out. I knew in my heart—this was, perhaps, the only thing my heart knew back then—that when I’d slept enough, I’d be okay. I’d be renewed, reborn. I would be a whole new person, every one of my cells regenerated enough times that the old cells were just distant, foggy memories. My past life would be but a dream, and I could start over without regrets, bolstered by the bliss and serenity that I would have accumulated in my year of rest and relaxation.

― Ottessa Moshfegh, My Year of Rest and Relaxation

The production

As I enter the Schauspielhaus Graz, there are a lot of people shuffling about the foyer. It is a lively atmosphere. Even though the themes of the novel are quite dark, the audience seems to be eager and excited to watch the story unfold. The story of a young woman who wants to retreat into a drug-induced sleep for a year drew my attention – but I kept wondering how do you bring sleep and inner retreat to the stage? While the audience enters the theater hall actors are already on stage, anticipating the start of the play. One of the actors, playing the role of the main characters dog, moves about the stage barking. It is clear from the very first scenes that the production makes great use of surreal dream worlds. The main character seems like a sleepwalking observer of her own life. In contrast to the main character, other characters like her therapist, her ex-boss and her mother seem even more dramatic, over-the-top and demanding. The Surrealism connects throughout the play and is especially displayed in the stage design and lighting atmosphere. The protagonist’s thoughts were staged using projections, songs and sound design. Her inner retreat leaves a lot of questions and the scenes are not connected in a way that I am used to.

Reflection

After the performance, I left the theater with mixed feelings. The production was bolder than I had expected – weirder, more graphic, more surreal. But that’s exactly why I chose it as an IMPULSE for this research blog. The story surprised me, irritated me and stayed in my head. All the while showcased in a beautifully designed aesthetic setting.

Additionally the production made use of techniques we are currently learning at FH, such as projection mapping. Projections and scene lighting made it possible to visualize inner conflicts, states of awake and asleep, as well as the desire for alienation and the search for a way out of one’s own reality.

I feel like the discussed themes such as radical denial, escapism, social criticism, depression, mental health and self-discovery inspired me for future projects. The exploration of mental health was powerful. Addiction to medication as escapism was not romanticized, but shown as a downward spiral. How often in our hectic world and performance society do we ignore our need for calm and for a ‚reset‘? And how dangerous can this need become when it turns into complete isolation?

When I think about the play, I am left with a feeling of unease – but also the realization that theater should do exactly that: challenge, disturb and have a lasting effect.

Links

https://schauspielhaus-graz.buehnen-graz.com/produktion/mein-jahr-der-ruhe-und-entspannung

https://www.cityofdesign.graz.at

https://www.goodreads.com/work/quotes/55508660

by hanna.weichsler -

Frauen in der Arbeitswelt

Frauen arbeiten häufig in Teilzeitverhältnissen oder führen ihre selbstständige Tätigkeit in solchen Mustern aus. Immer mehr Frauen steigen ins Unternehmertum ein. Das klingt nach erfreulichen Nachrichten. Bögenhold und Fachinger stellen fest, dass deutlich mehr Frauen in der Solo-Selbstständigkeit tätig sind als Männer. Sind Frauen nicht am Wachstum ihres Unternehmens interessiert oder hat es weit tiefergehende Gründe, das Frauen Teilzeitmuster wählen? Mit dieser Frage beschäftigt sich dieser Blogpost.

Bögenhold und Fachinger beschäftigen sich damit, warum immer mehr Frauen in die Solo-Selbstständigkeit gehen. Als Faktoren werden unter anderem wirtschaftliche Trends, Vereinbarkeit mit Familie und die Selbstständigkeit als Teilzeitarbeitsmuster genannt. Die Solo-Selbstständigkeit nimmt immer mehr zu. In Österreich arbeiten 71,4 % der selbstständigen Frauen in einem Ein-Personen-Unternehmen. Im Gegensatz dazu arbeiten mit 50,5 % deutlich weniger Männer in der Solo-Selbstständigkeit. Laut Bögenhold und Fachinger lässt sich sagen, dass Frauen in der Solo-Selbstständigkeit, im Gegensatz zu Männern, häufiger ein Arbeitsmuster wählen, das dem der Teilzeit ähnelt. Es wird auf die Care-Arbeit verwiesen, die größtenteils von Frauen geleistet wird. Die Selbstständigkeit kann als Weg gesehen werden, um Familie und Beruf zu vereinbaren. Eine feste Anstellung bringt im Gegensatz zur Selbstständigkeit ein Schuldverhältnis mit sich, welches zu Konflikten führen kann, wenn Frauen neben dieser Beschäftigung zusätzlich die Care-Arbeit übernehmen.1 Im Allgemeinen steigt die Zahl an berufstätigen Frauen. Die unbezahlte Care-Arbeit wird unterdessen jedoch nicht entsprechend von den Männern übernommen. Das lässt die Gesamtarbeitszeit der Frauen weiter ansteigen.2 Wenn Frauen die ganze unbezahlte Arbeit übernehmen, wie die Versorgung der Kinder, Haushaltsführung … machen sie sich finanziell abhängig. Um ihr eigenes Geld zu verdienen und trotzdem alles unter einen Hut zu bekommen, nehmen Frauen Teilzeitarbeitsplätze an. Der Stundenlohn für Teilzeitarbeitskräfte liegt unter dem Stundenlohn von Personen, die in Vollzeit beschäftigt sind. Laut Criado-Perez ist die Aussage nicht richtig, dass es die freie Entscheidung einer Frau ist solche Stellen anzunehmen. Für die Autorin handelt es sich um keine freie Entscheidung, wenn die Alternative ist, dass die Kinderbetreuung nicht gegeben ist und der Haushalt auf der Stecke bleibt.3

Im Bezug auf Frauen als Unternehmerinnen sagen die Autoren Bögenhold und Fachinger, dass Frauen häufig nur ihren eigenen Arbeitsplatz schaffen und nichts zum Arbeitsplatzwachstum beitragen.4 Außerdem verlieren laut Pan Branchen an Ansehen und die Löhne sinken, wenn mehr und mehr Frauen in diese Berufe einsteigen.5 Dieses beschriebene Phänomen geht auch in die andere Richtung. Demnach steigt der Gehalt, wenn in weiblich dominierte Berufsfelder Männer einsteigen. Als Beispiel nannte die Ausstellung die IT-Branche. Diese wurde in ihren Anfängen von Frauen dominiert. Programmieren galt als einfache Aufgabe und erst mit dem Einstieg der Männer in diese Branche, stieg auch der Gehalt und das Ansehen rapide an. In den USA sind aktuell 26 der 30 Jobs, mit dem höchsten Gehalt, von Männern dominiert. 23 der 30 Jobs mit der schlechtesten Bezahlung sind im Gegensatz dazu zum Großteil von Frauen besetzt. Den Daten zufolge handelt es sich daher um ein strukturelles Problem. Die Arbeit von Frauen wird geringer entlohnt und geschätzt. Selbst wenn Frauen in den gleichen Positionen und Berufsfeldern arbeiten, die von Männern dominiert werden, liegt ihr Gehalt systematisch unter dem der Männer. Laut der Ausstellung verdienen Frauen um 34 % weniger in der Kreativbranche und um 13 % weniger in der Medienbranche.6

Studien zeigen, dass die Stundenlohndifferenz zwischen Frauen und Männern in Ländern höher ist, wo Frauen signifikant mehr Zeit als Männer für Care-Arbeit aufbringen.7 Laut Sepulveda Carmona ist dies weltweit der Fall. Frauen werden dadurch an der Teilnahme am Arbeitsmarkt stark gehindert. Neben dieser ungleichen Verteilung unter den Geschlechtern und der fehlenden Anerkennung für Betreuungsarbeiten wird die Würde der Frau untergraben.8

Most importantly, however, the unequal distribution, intensity and lack of recognition of unpaid care work undermines the dignity of women caregivers, obstructs their enjoyment of several human rights on an equal basis with men, undermines progress towards gender equality and entrenches their disproportionate vulnerability to poverty across their lifetime.9

Sepulveda Carmona sieht die vorherrschenden stereotypen Erwartungen an die Frau, Care-Arbeit leisten zu müssen, als Ursache für die Diskriminierung von Frauen am Arbeitsmarkt. Niedrigere Löhne, geringe Aufstiegsmöglichkeiten und oftmals unsichere Arbeitsverhältnisse sind einige der Einschränkungen, denen Frauen im Arbeitsleben ausgesetzt sind. Das Recht zu Arbeit kann von Frauen nicht gleichberechtigt wahrgenommen werden, wenn der Aufwand für unbezahlte Care- und Hausarbeit unverhältnismäßig hoch ist. Außerdem spricht die Autorin von der Diskriminierung, die Männer erfahren, die einen größeren Teil an Care-Arbeit übernehmen.10

Um die wirtschaftliche Unabhängigkeit von Frauen zu sicher, muss ein Umdenken in Bezug auf die Verteilung der unbezahlten Care-Arbeit erfolgen. Es braucht strukturelle Veränderungen am Arbeitsmarkt, politische und gesellschaftliche Maßnahmen, um diese Geschlechterungleichheit abzubauen. Und vor allem braucht es eines: Wertschätzung gegenüber Betreuungsarbeiten.

1 (vgl. Bögenhold/Fachinger 2016, S. 21-23)

2 (vgl. Criado-Perez 2020, S. 105)

3 (vgl. Criado-Perez 2020, S. 111f)

4 (vgl. Bögenhold/Fachinger 2016, S. 24)

5 (vgl. Criado-Perez 2020, S. 112)

6 (vgl. IN*VISIBLE x RAUM FÜR ERREGUNG 2024)

7 (vgl. Criado-Perez 2020, S. 112)

8 (vgl. Sepulveda Carmona 2013, S. 4)

9  (Sepulveda Carmona 2013, S. 4)

10 (vgl. Sepulveda Carmona 2013, S. 9)

Eintrag im Literaturverzeichnis:

Bögenhold, Dieter/Fachinger, Uwe (Hrsg.): Selbstständigkeit: Zunahme von Solo-Selbstständigkeit und Frauen. In: Berufliche Selbstständigkeit. Theoretische und empirische Vermessungen. Wiesbaden: Springer VS 2016, S. 21-25

Criado-Perez, Caroline. Unsichtbare Frauen: wie eine von Daten beherrschte Welt die Hälfte der Bevölkerung ignoriert. Deutsche Erstausgabe, 9. Auflage. btb 71887. München: btb-Verl, 2020.

Sepulveda Carmona, Magdalena. „Report of the Special Rapporteur on Extreme Poverty and Human Rights: Unpaid Care Work and Women’s Human Rights“. SSRN Electronic Journal, 2013. https://doi.org/10.2139/ssrn.2437791.

by katharina.mundigler -

Das Zusammenspiel von Bewegungsabläufen und Emotionen: Grundlagen

Die Entwicklung der Animation als Kunstform

Die Ursprünge der Animation liegen in dem fest verankerten Bedürfnis der Menschheit, das Essenzielle des Lebens durch künstlerischen Ausdruck festzuhalten. Von den ersten Darstellungen von Bewegung und Ereignissen in den Höhlenmalereien der Cro-Magnons bis zum Aufkommen des modernen Films wurde die Entwicklung der Animation von dem Bedürfnis angetrieben, nicht nur physische Formen, sondern auch ihre Bewegungen, Emotionen und ihren Geist darzustellen. Im späten 19. Jahrhundert ermöglichten die Fortschritte in der Filmtechnik den KünstlernInnen, Zeichnungen zu erstellen, die das Leben damals widerspiegeln konnten, und so entstand die Animation als ein neues und leistungsstarkes Medium.

Die Animation zeichnet sich durch ihre Fähigkeit aus, die „Illusion von Leben“ zu erzeugen. Diese Illusion ist nicht nur technisch, sondern auch emotional, so wird das Publikum durch die animierten Figuren auf einer persönlichen Ebene angesprochen. Frühe AnimatorInnen entdeckten, dass die Persönlichkeit im Mittelpunkt dieser Verbindung steht. Die Bewegungen, die Mimik und die Reaktionen einer Figur müssen so aufeinander abgestimmt sein, dass sie eine flüssige und glaubwürdige Darstellung des Lebens ergeben.

Walt Disney betonte, dass die Essenz der Animation in ihrer Fähigkeit liegt, das Publikum für ihre Figuren zu begeistern. Dieses emotionale Engagement wird erreicht, indem vertraute Erfahrungen, universelle Gefühle oder nachvollziehbare Eigenschaften dargestellt werden, mit denen die ZuschauerInnen mitfühlen können. Dadurch entsteht ein Gefühl der Beteiligung am Geschehen.

Der effektive Einsatz von Bewegungen ist für den Erfolg von Animationen von grundlegender Bedeutung. Techniken wie hängende Schultern, um Traurigkeit zu signalisieren oder übertriebene körperliche Reaktionen, um Frustration darzustellen, helfen, den emotionalen Zustand einer Figur zu vermitteln. Die Herausforderung besteht darin, Bewegungen zu erschaffen, die sowohl glaubwürdig als auch spezifisch sind. So kann beispielsweise eine ähnliche Körpersprache je nach Kontext verschiedene Emotionen darstellen, was präzises Timing und Schauspielerei zu einem wichtigen Werkzeug für AnimatorInnen macht.

Bewegung in der Animation beschränkt sich nicht nur auf die Nachahmung der Realität, sondern beinhaltet auch die Schaffung eines emotionalen Rhythmus, der das Publikum in die Geschichte hineinzieht. Durch die Kontrolle des Tempos, der Gewichtung und des Handlungsflusses können tiefe Gefühle geschaffen werden und einfache Gesten in kraftvolle Erzählelemente verwandeln.

Herausforderungen und Innovationen

Anders als beim Realfilm, bei dem SchauspielerInnen ihre eigene Stimmung auf die Leinwand bringen, müssen GestalterInnen im Animationsbereich jeden Aspekt einer Figur von Grund auf neu entwerfen. Dazu gehört die Entwicklung von Persönlichkeiten, Beziehungen und emotionaler Dynamik. Dieser Prozess ist anspruchsvoll und erfordert eine Kombination von visueller Erzählung, künstlerischer Intuition und technischen Fähigkeiten.

Die Entwicklung des Animationsfilms als Kunstform spiegelt auch eine breitere Erforschung der visuellen Kommunikation wider.

Wie Walt Disneys Team entdeckte, erforderte die Animation eine einzigartige Bildsprache, die Ideen und Emotionen mit Klarheit und Präzision vermitteln konnte. Im Laufe der Zeit entwickelte sich diese Sprache weiter und umfasste ausgefeilte Techniken für Schauspiel, Timing und visuelles Design, die in den reichhaltigen Erlebnissen überzeugten, die die Animation heute bietet.

Ein universelles Kommunikationsmedium

Eine der größten Stärken der Animation ist ihre Fähigkeit, kulturelle und sprachliche Grenzen zu überwinden. Durch universelle Symbole der nonverbalen Kommunikation, wie Gestik, Körperhaltung und Mimik, verbindet sich der Trickfilm mit dem Publikum auf der ganzen Welt. Diese Universalität in Kombination mit der Fähigkeit, echte Emotionen hervorzurufen, macht die Animation zu einem zeitlosen Medium für das Erzählen von Geschichten.

Daraus gewonnene Erkenntnisse

Das Wesentliche der Animation liegt in ihrer Fähigkeit, Charaktere zum Leben zu erwecken und sie sympathisch, ausdrucksstark und emotional ansprechend zu machen. Durch das Zusammenspiel von Bewegung, Persönlichkeit und Publikumsbindung, haben AnimatorInnen ein Medium geschaffen, das nicht nur unterhält, sondern auch eine tiefe Resonanz bei den ZuschauerInnen hervorruft. Als Kunstform entwickelt sich die Animation ständig weiter und lässt weiteren Spielraum für das visuelle Erzählen von Geschichten und desssen emotionalen Ausdrucks.

Thomas, Frank, & Johnston, Ollie. The Illusion of Life: Disney Animation. New York: Disney Editions, 1981, S. 12–26.


Verbindung von Emotionen mit nicht realen Formen

Die Heider-Simmel-Studie von 1944, kam zu dem Ergebnis, dass Menschen selbst abstrakten, nicht lebendigen Objekten wie geometrischen Formen absichtliche Handlungen, Emotionen und soziale Interaktionen zuschreiben können, wenn diese sich in bestimmten Mustern bewegen.

Experiment

In dem Experiment wurde den TeilnehmerInnen ein kurzer Film gezeigt, in dem zwei Dreiecke und ein Kreis sich in und um ein Rechteck bewegten. Die Formen interagierten in einer simplen, aber dynamischen Art und Weise. Text oder Kontext dazu gab es nicht, es wurde nur Bewegung untersucht.

Die TeilnehmerInnen  interpretierten die Bewegungen der Formen als absichtliche Handlungen. Beispielsweise wurde Verfolgung, Flucht oder Konflikt erkannt. Sie sahen die Formen nicht als zufällig bewegte Objekte, sondern als Akteure mit Zielen und Absichten. Darüber hinaus beschrieben die TeilnehmerInnen den Film in narrativer Form, als wären sie menschlich.

Den Formen wurden Emotionen wie Angst, Aggression, Mut oder Neugierde zugeschrieben, basierend auf ihrer Bewegungsgeschwindigkeit, Richtung und Interaktionen.

Die Studie unterstützt die analysierte Ursprünge in dem zuvor beschriebenen Absatz. Menschen haben ein tief verwurzeltes Bedürfnis, Sinn und Absicht in Bewegungen zu erkennen. Dieses Phänomen wird auf die menschliche Fähigkeit zur sozialen Kognition zurückgeführt. Damit ist die Fähigkeit gemeint, Absichten und Emotionen anderer zu interpretieren. Wie sich zuvor herausgestellt hat, ist dieses Prinzip in der Animation sehr essenziell. Bewegungsmuster können reichen, um Charakteren Leben und Emotionen zu verleihen, selbst ohne Gesichtsausdrücke oder Stimmen. Das Experiment hat gezeigt, wie stark Bewegung als Kommunikationsmittel wirkt und warum es in der Animation eine so große Rolle spielt, um ZuschauerInnen emotional zu involvieren.

Heider, Fritz, & Simmel, Marianne (1944). An experimental study of apparent behavior. American Journal of Psychology, 57(2), 243–259. https://doi.org/10.2307/1416950 

by Annika Drießen -

IMPULSE #6 RaumFAIRteilung

As an exchange student in Graz I would like to immerse myself in local discussions and cultural activities. My friend invited me to join them at a talk organized by the LENDWIRBEL team at Kunsthaus. The series of events is called „RaumFAIRteilung – Wem gehört die Stadt? ”.

The event series consists of three different sessions with different focal points. The talks give the opportunity to gain deeper insights into the topic of fair distribution of space and to discuss forward-looking ideas with scientists.

What is LENDWIRBEL?

The LENDWIRBEL stands for the communal design of a neighborhood, for the social and tolerant use of space. On their website the LENDWIRBEL states that the LENDWIRBEL was born in 2007 from a loose idea of residents and workers in Lend. People didn’t stay within their own walls, but met on the street and brought a whirl to Lend, a city district in Graz. After a few years of implementation, the association „LENDWIRBEL – Verein für nachbarschaftliche Stadtentwicklung ” was founded in 2014. The organization has been carried out by a predominantly voluntary core team of interested people for several years.

What is RaumFAIRteilung?

The LENDWIRBEL team saw need for this lecture series and discourse because urban space is increasingly becoming a highly contested resource:

  • Housing is becoming more expensive.
  • Public spaces are disappearing.
  • Marginalized groups are often displaced.

Through the series of lectures, the LENDWIRBEL team would like to strengthen the discourse within the LENDWIRBEL association. They want to critically examine the challenges and potential of public space and develop new perspectives, including for future events. They engage critically with current topics at eye level and open the space for questions like: How can we make space fairer and accessible to all? How can we achieve solidarity with one another that does not exclude anyone?

The talk I visited was held by scientist Yvonne Franz on gentrification and what roles different actors play in urban gentrification processes.

During her talk Yvonne talked about early indicators for gentrification and her research on the topic in Vienna and Berlin. She mentioned sociologist Ruth Glass, who coined the term ‚gentrification‘ in 1964 to describe change in London. She mentioned different types of displacement and repression. After about an hour of theoretical input the organizers invited us to partake in an open question round. Once the Q&A wrapped up we gathered in the middle of the room to have a look at postcards that were printed with imagery linked to gentrification.

Key Take-Aways

  • Most shifts like gentrification have early indicators that can be observed through research as early as 10 years before it becomes an issue
  • The increased cost of living, that reduces the accessibility for housing space is sometimes also driven by good social initiatives like the social housing scheme in Vienna. Not everyone can apply or keep up the status for social housing. These people, if the are low-income or not, are driven to the private housing sector that displays even more dynamic pricing than elsewhere.

Links:

www.lendwirbel.at

https://geographie.univie.ac.at/arbeitsgruppen/urban-studies/team/franz-yvonne

by anna-katharina.hammerer -

Impuls #8 – Die besten Film-Titelsequenzen

Der Katalog an Titelsequenzen von Film und Serien ist enorm und wächst ständig. Nun stellt sich die Frage, wo anfangen und wie geht man am besten vor. Eine Variante ist natürlich einfach anzufangen, ohne Plan und einfach nach Gefühl und was einen gerade anlacht. Doch ich wollte wissen, welche Titelsequenzen sind von der Allgemeinheit, die Beliebtesten, deshalb habe ich für diesen Impuls aus verschiedenen Quellen (auch in Bezug auf Professionelle, KinoliebhaberInnen, etc,), Top-Rankings von Film-Titelsequenzen herausgesucht, um zu schauen, welche die Beliebtesten sind. Am Ende dieses Impulses werde ich versuchen, aus den Quellen ein zusammengefasstes Ranking zu erstellen.

10 Best Opening Title Sequences of All Time – CineFix – IGN Movies and TV

Zwar wurde die Liste vom Kanal CineFix –IGN Movies and TV vor 8 Jahren (06.12.2016) veröffentlicht, trotzdem ist es interessant zu sehen, welche Filme die Personen hinter dem Kanal herausgesucht haben. Vor allem haben sie jeden Film eine speziellen Sub-Kategorie von Titelsequenzen eingeordnet und haben auch weitere Beispiele von ähnlichen Titeln in der Sub-Kategorie angeführt (Die Sub-Kategorien stehen beim jeweiligen Film). Was auf jeden Fall interessant war, dass die modernsten Einträge in der Liste aus den 2000er Jahren stammen. Der einzige Film, welcher aus den 2010er Jahren Erwähnung findet, ist der erste Deadpool Teil und auch der schafft es nicht auf die Liste.

  • #10 – Enter the void (2009) (Fokus auf Typografie)
  • #9 – Goldfinger (1964) (Footage – Typografie Kombi)
  • #8 – Catch me if you can (2002) (Animation – Fantasie Welten)
  • #7 – Dr. No (1962) (Grafik Design Ansatz)
  • #6 – Touch of evil (1958) (Erzählt die Geschichte)
  • #5 – Fight Club (1999) (Foreshadowing)
  • #4 – Lord of war (2006) (Kontextualisiert die Handlung)
  • #3 – Taxi Driver (1976) (Einführung in die Welt)
  • #2 – Lolita (1982) (Einführung in die Charaktere)
  • #1 – Saul Bass Gesamtwerk (Einführung in die Tonalität des Films)

YouTube Playlists

Auch Privatpersonen haben im Verlauf der Zeit, ihre Lieblingstitelsequenzen auf YouTube in Playlists zusammengesammelt. Diese sind nicht unbedingt Top-10-Listen, aber trotzdem, spiegeln sie wieder, was dem Zuseher/ der Zuseherin gefällt. Es gibt neben generellen Best Titelsequences – Playlists, auch welche die sich auf Genres wie Horror, ihre Machart, wie animiert oder auch auf eine Filmreihe, wie James Bond fokussieren. Leider, kann man nicht einsehen, wann die Playlists erstellt worden sind, dennoch habe ich mir 2 Playlists herausgesucht.

Best movie title sequences – Simmaberg

  • Suicide Squad (2021)
  • Lord of War (2006)
  • Watchmen (2009)
  • Once Upon a Time in Hollywood (2019)
  • Catch Me If You Can (2002)
  • Guardians of the Galaxy (2014)
  • 500 days of Summer
  • Casino Royale
  • Pulp Fiction
  • The Shining
  • The Spy Who Loved Me
  • TinTin
  • No Time To Die

The Best Title Sequences Ever – Mae Manning

(Serienvorspänne habe ich aus der Liste exkludiert)

  • Avengers – Age of Ultron
  • Zombieland
  • Suicid Squad (2018)
  • Hellboy (2004)
  • Watchmen (2009)
  • Scott Pilgrim vs. the world (2010)
  • The Cloverfield Paradox (2018)
  • Bright (2017)
  • Reservoir Dogs
  • Hot Fuzz
  • Dawn of the Dead
  • Drive
  • Superbad

The 12 Best Opening Title Sequences Ever – screencrush.com

https://screencrush.com/best-movie-opening-titles

Emma Stefansky hat am 18.11.2024 ihre Top-12-Liste von Titelsequenzen of der Website screencrush.com veröffentlicht. Beim Auswahlprozess hat sie sich die Frage gestellt: Welches sind die coolsten und innovativsten Titelsequenzen aus allen möglichen Genren?

  • Vertigo (1958) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • The Good, the Bad, and the Ugly (1966) (Verschränkung von Opening Sequence und Opening Titles)
  • Foxy Brown (1974) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • Monty Python and the Holy Grail (1975) (Selbstreferenziell, Spaß mit den Titeln, Einführung in die Tonalität des Films)
  • Halloween (1978) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • Alien (1979) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • Do the Right Thing (1989) (Charakter tanzt)
  • Mission: Impossible (1996) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • Austin Powers: International Man of Mystery (1997) (Charakter Einführung)
  • Napoleon Dynamite (2004) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • Casino Royale (2006) (Einführung in die Tonalität des Films)
  • The Girl with the Dragon Tattoo (2011) (Einführung in die Tonalität des Films)

The 10 best opening title sequences in cinema history – Far Out Magazine

https://faroutmagazine.co.uk/10-greatest-opening-title-sequences-cinema-history

Ros Tibbs hat am 10.11.2022 eine Liste an den besten 10 Titelsequenzen aller Zeiten veröffentlicht.

  • #10. Se7en (1995) (Tonalität und Atmosphäre)
  • #9. Casino Royale (2006) (Tonalität und Technik)
  • #8. Do The Right Thing (1989) (Einführung in das Setting)
  • #7. The Pink Panther (1963) (Animation)
  • #6. Climax (2018) (Spiel mit Typografie)
  • #5. Delicatessen (1991) (Spiel mit Bewegung und Farbe)
  • #4. The Shining (1981) (Atmosphäre)
  • #3. Vertigo (1958) (Harmonie zwischen Grafik und Footage)
  • #2. Enter the Void (2009) („Attackiert“ das Publikum)
  • #1. Catch Me If You Can (2002) (Simpel, stylisch und stimulierend)

DIE LISTE

Da nich alle der Listen, die ich herausgesucht habe, ein Ranking beinhalten, habe ich jeden Film, der genannt wird einen Punkt gegeben. Daraus habe ich dann eine Liste erstellt. Natürlich kann sich die Liste, je nach Quelle verändern und ist nicht absolut. Dennoch fand ich es interessant, welche Filme am meisten genannt worden sind. Hier ist das zusammengefasste Ranking der Titel, sortiert nach der Häufigkeit ihres Vorkommens:

  • 1. Platz – Dreifach Nennung
    • Catch Me If You Can (2002)
    • Casino Royale (2006)
  • 2. Platz – Zweifach Nennung
    • Watchmen (2009)
    • Enter the Void (2009)
    • Vertigo (1958)
    • Do the Right Thing (1989)
    • Lord of War (2006)
  • 3.Platz – Einfach Nennung
    • Goldfinger (1964)
    • Dr. No (1962)
    • Touch of Evil (1958)
    • Fight Club (1999)
    • Taxi Driver (1976)
    • Lolita (1982)
    • Once Upon a Time in Hollywood (2019)
    • Guardians of the Galaxy (2014)
    • 500 Days of Summer
    • Pulp Fiction
    • The Shining (1981)
    • The Spy Who Loved Me
    • TinTin
    • No Time to Die
    • Avengers – Age of Ultron
    • Zombieland
    • Hellboy (2004)
    • Scott Pilgrim vs. the World (2010)
    • The Cloverfield Paradox (2018)
    • Bright (2017)
    • Reservoir Dogs
    • Hot Fuzz
    • Dawn of the Dead
    • Drive
    • Superbad
    • The Good, the Bad, and the Ugly (1966)
    • Foxy Brown (1974)
    • Monty Python and the Holy Grail (1975)
    • Halloween (1978)
    • Alien (1979)
    • Mission: Impossible (1996)
    • Austin Powers: International Man of Mystery (1997)
    • Napoleon Dynamite (2004)
    • The Girl with the Dragon Tattoo (2011)
    • Se7en (1995)
    • The Pink Panther (1963)
    • Climax (2018)
    • Delicatessen (1991)
    • Suicide Squad (2018)
    • The Suicide Squad (2021)

Was mir bei der Zusammenfassung und auch schon während der Bearbeitung aufgefallen ist, dass mehrfach Titelsequenzen gestaltet von Saul Bass und auch mehrfach Titelsequenzen aus der James Bond-Reihe genannt worden sind. Auch viele der Filme, welche einfach genannt worden sind, wurden im Video von CineFix erwähnt. Ich werde auf jeden Fall die Liste weiterführen und erweitern, wenn ich wieder über Top-Listen stolpere. Vielleicht kann ich sie in meine Masterarbeit mit einfließen lassen.

Weiterführende Quellen

by hanna.weichsler -

Imposter-Syndrom

Hattest du schon mal das Gefühl, dass deine eigenen Erfolge nur durch Zufall passieren? Wartest du nur darauf, dass jemand merkt, dass du gar nicht so kompetent bist wie viele denken? Kennst du das Gefühl nicht gut genug zu sein und nur durch Täuschung an deine Ziele zu gelangen? Wenn du damit kämpfst deine eigenen Erfolge anzunehmen und denkt du hättest deine Leistungen nicht wirklich verdient, dann leidest du womöglich unter dem „Imposter-Syndrom“. Dieses Phänomen betrifft Menschen in unterschiedlichsten Lebenslagen.  In diesem Blog möchte ich mich näher mit der Definition des Imposter-Syndroms beschäftigen. Vielleicht findest du dich oder eine dir bekannte Person in den folgenden Zeilen wieder.

Ladge, Eddleston und Sugiyama definieren das Imposter-Syndrom als Tendenz den eigenen Erfolg auf reines Glück und Täuschung zurückzuführen, nicht aber auf die eigenen Fähigkeiten. Die eigenen Erfolge können nicht verinnerlicht werden. Personen, die unter dem Imposter-Syndrom leiden, werden von außen als erfolgreich angesehen, kämpfen jedoch innerlich mit Selbstzweifeln und nehmen sich als inkompetent wahr. Laut den Autorinnen gibt es nur wenige Forschungen, die neben den Persönlichkeiten und der psychischen Gesundheit, auch externe Faktoren untersuchen. Im Jahr 1978 haben Clance und Imes herausgefunden, dass sehr erfolgreiche Frauen eher unter dem Imposter-Syndrom leiden. Laut den beiden Autoren sehen Männer ihre Erfolge eher als etwas Angeborenes. Frauen hingegen führen ihre Erfolge auf externe Einflüsse wie beispielsweise Glück zurück. Es wurde in der Forschung festgestellt, dass Männer „self-enhancing bias“ und Frauen „self-derogatory bias“ haben. Männer haben also die Tendenz sich selbst in ein besseres Licht zu rücken, während Frauen dazu tendieren sich selbst abzuwerten.1

Gadsby spricht von einem weit verbreiteten Phänomen, dass Menschen in allen Lebensbereichen betreffen kann. In den 70er Jahren wurde dieses Konzept eingeführt, weckte jedoch kein wissenschaftliches Interesse. Das Imposter-Syndrom steht im Widerspruch mit der Annahme, dass das Denken der Menschen rational ist, der Wahrheit entspricht und das eigene Wohlbefinden fördert. Das Imposter-Syndrom ist eine Art von Selbstbetrug und keine Krankheit. Clance und Imes gaben dem Syndrom daher die Bezeichnung „Imposter-Phänomen“, was neutraler ist. Das Imposter-Syndrom ist mit bestimmten Einstellungen, Verhaltensweisen und Gefühlen verbunden. Ein affektives Merkmal des Imposter-Syndroms ist die Angst enttarnt zu werden als jemand, der nicht in seine Rolle passt und dessen Erfolg nicht verdient ist. Diese Sorge bringt viel psychologische Folgen mit sich wie Stress, Angst und emotionale Erschöpfung. Personen, die am Imposter-Syndrom leiden, denken, dass es ihnen an Fähigkeiten fehlt. Laut Gadsby sind Betroffene genauso gut, wenn nicht sogar besser als andere Personen ihrer Altersgruppe. Ihre eigene Einschätzung ist also falsch und ungerechtfertigt. Positive Testergebnisse, Lob und Anerkennung von Kolleg*innen sprechen für die Fähigkeiten einer Person. All diese Beweise zeigen bei Personen mit Imposter-Syndrom keine Wirkung. Betroffene Menschen bezweifeln die Richtigkeit von guten Bewertungen und verschließen sich gegenüber Fakten, die ihre Kompetenz bestätigen. Erfolge werden falsch eingeschätzt und auf Glück und harte Arbeit zurückgeführt.2

Unternehmerinnen haben oft mit dem Imposter-Syndrom zu kämpfen, da sie eigene Ideen realisieren und verkaufen. Ihre Arbeit wird in diesem Zuge als Erweiterung ihres Selbst angesehen. Ladge, Eddleston und Sugiyama sprechen von drei Gründen, die das Imposter-Syndrom bei Frauen verstärken können und ihre Identität als Unternehmerin prägen. Als ersten Faktor nennen sie familiäre Anforderungen. Mutterschaft und Unternehmensführung sehen viele als unvereinbar und widersprüchliche Ideologie. Bei berufstätigen Müttern kann diese Diskrepanz zu Schuldgefühlen und psychischem Druck führen. Berufstätige Mütter werden als weniger warmherzig wahrgenommen, allerdings auch als kompetenter. Durch das Imposter-Syndrom können berufstätige Mütter möglicherweise nicht ihre Kompetenzen und Erfolge verinnerlichen und reduzieren sich zudem auf das nicht gerecht werden der Erwartungen an ihre Geschlechterrolle, als führsorgliche Mutter. Die Rolle als Unternehmerin wird als Konkurrenz zur Mutterrolle gesehen.3

Als zweiten Faktor wird der Mangel an erfolgreichen Vorbildern genannt. Das Suchen und Finden von Vorbildern im eigenen Fachgebiet können die Findung der beruflichen Identität unterstützen. Von diesen Vorbildern können Verhaltensweisen studiert und als Grundlage für die eigene Identitätsbildung herangezogen werden. Positive Vorbilder bestärken Frauen in ihrer unternehmerischen Selbstwirksamkeit und erhöhen ihr Selbstbewusstsein. Wenn Unternehmerinnen wenige Frauen vorfinden, zu denen sie aufschauen können, könnten sie beginnen zu glauben, dass ihr eigener Erfolg ein reiner Zufall und Irrtum ist. Somit kann sich in weiterer Folge das Imposter-Syndrom verstärken.4

Außerdem kann das Imposter-Syndrom bei Frauen durch die Unternehmensleistung hervorgerufen werden. Wie profitabel das eigene Unternehmen ist, wird als Indikator herangezogen. Entweder sagt der Profit aus, dass das Wachstum stagnierend ist, oder es werden Werte vorgefunden, die auf einen Erfolg hindeuten. Wenn zweiteres zutrifft, wird auch hier wieder von Glück ausgegangen. Im Vergleich zu Männern tendieren Frauen dazu ihre Erfolge nur dem Glück zuzusprechen. Dies kann das Imposter-Syndrom noch weiter verstärken.5

1 vgl. Ladge/Eddleston/Sugiyama 2019, S. 619

2 vgl Gadsby 2022, S. 3-7

3 vgl. Ladge/Eddleston/Sugiyama 2019, S. 619f

4 vgl. Ladge/Eddleston/Sugiyama 2019, S. 620

5 vgl. Ladge/Eddleston/Sugiyama 2019, S. 620

Literaturverzeichnis:

Gadsby, Stephen. „Imposter Syndrome and Self-Deception“. Australasian Journal of Philosophy 100, Nr. 2 (3. April 2022): 247–61. https://doi.org/10.1080/00048402.2021.1874445.

Ladge, Jamie/Eddleston, Kimberly/Sugiyama,Keimei: Am I an entrepreneur? How imposter fears hinder women entrepreneurs’ business growth. In: Business Horizons 62,5 (2019), S.615-624