by maximilian.kathan -

5.Impuls: Match Maker

In unserem letzten Semester entstand Matchmaker, eine interaktive Installation, die soziale Interaktionen auf spielerische Weise fördert. Die zentrale Idee: Zwei Personen legen ihre Hände auf Sensoren, halten sich an den Händen – und ein Algorithmus zeigt in einer animierten Visualisierung ihre „Kompatibilität“ an. Doch hinter dem scheinbar simplen Konzept steckte eine Menge technischer Herausforderungen, kreative Animationen und eine gut koordinierte Teamarbeit.

Animationen: Das Herzstück der Erfahrung

Die Animationen spielten eine essenzielle Rolle in der Matchmaker-Experience. Mein Part umfasste die Animationen von 0–60 % sowie die spezielle Wave-Animation für das Herz. Das Animationssystem basierte auf einem 10-Schritt-Skalensystem von 10 % bis 100 %, wobei sich das Herz je nach Wert unterschiedlich verhielt:

  • Niedrige Kompatibilität (≤30%) → brechende Herzen, Fehlermeldungen etc.
  • Mittlere Kompatibilität (~60%) → abwiegen der Liebe, humoristische annäherung zu der Liebe
  • Hohe Kompatibilität (100%) → Verschiedene pulsierende Herzformen

Besonders herausfordernd war es, die Animationen so zu gestalten, dass sie sich nahtlos in den Interaktionsfluss einfügen. Die Wave-Animation für das Herz, die ich erstellt habe, sollte fließend wirken zu dem restlichen Stil der Animationen passen. Hier kam Motion-Design mit sanften Ease-in-out-Übergängen zum Einsatz, um eine harmonische Bewegung zu erzeugen.

Die Animationen wurden in Resolume Arena gesteuert, wobei über OSC-Kommunikation verschiedene Clips dynamisch getriggert wurden. Damit entstand eine nahtlose Verbindung zwischen Interaktion und visueller Rückmeldung.

Organisation: Ein kreatives Chaos unter Kontrolle

Dieses Projekt erforderte eine durchdachte Organisation. Besonders die technische Umsetzung war eine Herausforderung: Anfangs wollten wir mit Herzfrequenzmessung arbeiten, doch nach mehreren Testläufen erwies sich diese Methode als unzuverlässig. Ein ähnliches Schicksal ereilte die Messung der elektrischen Leitfähigkeit. Schließlich entschieden wir uns für eine einfachere Lösung: ein zufällig generierter Kompatibilitätswert – eine Entscheidung, die sich als optimal erwies, da sie das Erlebnis spielerischer machte.

Die Produktion des zentralen 3D-Herzens war ebenfalls ein iterativer Prozess. Während unser erster Versuch mit Bauschaum zu schwer wurde, erwies sich eine Papier-Maché-Version als ungleichmäßig. Am Ende setzten wir auf eine Konstruktion aus Pappe, Aluminiumfolie und weißem Stoff, die eine ideale Projektionsfläche bot und dank Nylonfäden fast schwebend wirkte.

Auch bei den Interaktionssäulen gab es Herausforderungen. Materialfehler, Missverständnisse in der Kommunikation mit Dozierenden und mehrere Neuanfertigungen sorgten für einige Hürden. Doch letztlich entstand ein funktionierendes und ästhetisch ansprechendes Set-up, das die gesamte Installation perfekt abrundete.

Fazit: Wenn Technik, Animation und Teamwork verschmelzen

Die Arbeit an Matchmaker zeigte, wie viel Feinschliff nötig ist, um eine scheinbar simple Interaktion zum Leben zu erwecken. Von durchdachter Animation über technische Experimente bis hin zur präzisen Organisation – jedes Detail spielte eine Rolle. Vor allem aber zeigte das Projekt, wie wichtig es ist, flexibel zu bleiben und kreative Lösungen für unerwartete Probleme zu finden. Am Ende stand eine immersive Installation, die nicht nur technisch funktionierte, sondern auch Menschen miteinander ins Gespräch brachte – und genau das war unser Ziel.

by elisa.kroiss -

25 // Die Bedeutung von Musikvideos für die Musikwahrnehmung

Musikvideos sind ein fester Bestandteil der modernen Musikkultur und beeinflussen die Wahrnehmung und das Erleben von Musik auf vielfältige Weise. Die Studie von Johanna N. Dasovich-Wilson, Marc Thompson und Suvi Saarikallio mit dem Titel Exploring Music Video Experiences and Their Influence on Music Perception (2022) bietet eine detaillierte Untersuchung darüber, wie Musikvideos die Interpretation, emotionale Reaktionen und Erinnerungen an Musik beeinflussen.

Hintergrund und Zielsetzung der Studie

Dasovich-Wilson et al. (2022) setzen sich mit der Frage auseinander, warum und in welchen Situationen Menschen Musikvideos konsumieren und welche psychologischen Prozesse dabei eine Rolle spielen. Während frühere Studien die Rolle von Musik in Filmen untersucht haben (Cohen 2001; Boltz 2004), wurde das Medium Musikvideo bislang wenig erforscht. Die Autoren argumentieren, dass Musikvideos nicht nur der Promotion dienen, sondern eine eigenständige Kunstform darstellen, die das musikalische Erlebnis tiefgreifend verändern kann.

Methodik

Die Studie basiert auf einer qualitativen Analyse von Online-Fragebögen, die von 34 Teilnehmenden mit einem Durchschnittsalter von 22,4 Jahren ausgefüllt wurden. Die Forschenden entwickelten ein theoretisches Modell, das den Musikvideo-Konsum in vier Phasen unterteilt: Intention, Attention, Reaction und Retention (IARR-Modell). Diese Phasen beschreiben den Entscheidungsprozess für das Ansehen von Musikvideos, die Wahrnehmung während des Betrachtens, emotionale Reaktionen sowie die langfristigen Auswirkungen auf die Musikwahrnehmung.

Ergebnisse

1. Intention (Absicht)

Die Entscheidung, ein Musikvideo zu schauen, wird von emotionalen, kognitiven und sozialen Faktoren beeinflusst. Viele Teilnehmende gaben an, dass sie Musikvideos zur Stimmungsregulierung nutzen oder um mehr über die Bedeutung der Lieder zu erfahren. Andere nannten soziale Einflüsse, wie Empfehlungen von Freund:innen oder Trends in sozialen Medien (Dasovich-Wilson et al. 2022, 8).

2. Attention (Aufmerksamkeit)

Während des Betrachtens von Musikvideos lenken unterschiedliche Faktoren die Aufmerksamkeit der Zuschauer:innen. Die Befragten beschrieben, dass visuelle Elemente wie Farbgebung, Schnitttechnik oder Synchronität mit der Musik entscheidend für das Erleben des Videos sind. Auch narrative Strukturen, also ob das Video eine Geschichte erzählt, beeinflussen die Wahrnehmung erheblich (Dasovich-Wilson et al. 2022, 10).

3. Reaction (Reaktion)

Emotionale Reaktionen auf Musikvideos variieren stark. Während einige Teilnehmende berichteten, dass Musikvideos ihre emotionale Verbindung zu einem Lied vertieften, empfanden andere bestimmte Videos als irritierend, insbesondere wenn sie nicht mit ihrer persönlichen Interpretation des Songs übereinstimmten. Dies deutet darauf hin, dass Musikvideos nicht nur verstärkend, sondern auch überformend auf die Musikwahrnehmung wirken können (Dasovich-Wilson et al. 2022, 11).

4. Retention (Speicherung und langfristige Wirkung)

Ein Schlüsselergebnis der Studie ist, dass Musikvideos langfristige Auswirkungen auf das Gedächtnis und die Interpretation eines Songs haben. Viele Befragte gaben an, dass sie beim erneuten Hören eines Songs automatisch an Szenen aus dem dazugehörigen Musikvideo denken. Diese visuelle Gedächtnisverknüpfung kann das emotionale Erleben der Musik nachhaltig verändern (Dasovich-Wilson et al. 2022, 12).

Bedeutung der Ergebnisse

Die Ergebnisse der Studie bestätigen, dass Musikvideos weit über die bloße visuelle Begleitung eines Songs hinausgehen. Sie beeinflussen die emotionale Wirkung, die kognitive Verarbeitung und die langfristige Erinnerung an Musik. Das IARR-Modell bietet eine nützliche theoretische Grundlage, um die komplexen Interaktionen zwischen Musik, Bild und individuellen Hörerfahrungen besser zu verstehen.

Ein interessanter Aspekt ist, dass Musikvideos nicht immer positiv wahrgenommen werden. Einige Teilnehmende berichteten, dass Musikvideos ihre persönliche Beziehung zu einem Song veränderten oder sogar beeinträchtigten, wenn das visuelle Konzept nicht mit ihrer eigenen Interpretation übereinstimmte. Dies deutet darauf hin, dass Musikvideos nicht nur als Verstärker von musikalischen Emotionen fungieren, sondern auch als kognitive Umdeutungsmechanismen wirken können.

Fazit

Die Studie von Dasovich-Wilson et al. (2022) zeigt, dass Musikvideos eine bedeutende Rolle in der Musikwahrnehmung spielen. Durch das IARR-Modell wird deutlich, dass die Entscheidung, ein Musikvideo anzusehen, stark von emotionalen, sozialen und kognitiven Faktoren abhängt. Die visuelle Gestaltung beeinflusst die Wahrnehmung eines Songs erheblich, und diese Wirkung kann langfristig erhalten bleiben. Damit liefert die Studie wertvolle Impulse für die Musikpsychologie sowie für die Musik- und Medienindustrie.

Literatur

Boltz, Marilyn G. 2004. „The Cognitive Processing of Film and Musical Soundtracks.“ Memory & Cognition 32 (7): 1194-1205.

Cohen, Annabel J. 2001. „Music as a Source of Emotion in Film.“ Music and Emotion: Theory and Research, hrsg. von Juslin, Patrik N. und John A. Sloboda, 249-272. Oxford: Oxford University Press.

Dasovich-Wilson, Johanna N., Marc Thompson und Suvi Saarikallio. 2022. „Exploring Music Video Experiences and Their Influence on Music Perception.“ Music & Science 5 (1): 1-18. https://doi.org/10.1177/20592043221117651.

by elisa.kroiss -

IMPULS // 07 Women Don’t Owe You Pretty

Das Buch Women Don’t Owe You Pretty (2020) von Florence Given ist ein Appell an Frauen, gesellschaftliche Erwartungen zu hinterfragen und sich aus normativen Zwängen zu befreien. Es richtet sich vor allem an eine jüngere Zielgruppe und vermittelt feministische Grundgedanken. Es behandelt Themen wie Schönheitsnormen, Selbstwertgefühl, toxische Beziehungen, Patriarchatskritik und die Bedeutung von Intersektionalität. Das Buch hat mich sehr inspiriert und bietet wertvolle Impulse zur Reflexion über weibliche Inszenierung, medialer Darstellung und die Herausforderungen, denen Frauen in kreativen Industrien begegnen.

Das Buch

Florence Given beginnt ihr Buch mit einer grundlegenden Kritik an internalisierten patriarchalen Strukturen. Sie argumentiert, dass Frauen von klein auf beigebracht wird, sich selbst über den Blick anderer zu definieren – insbesondere über den männlichen Blick. Sie fordert dazu auf, diese Prägung bewusst zu erkennen und aktiv zu hinterfragen. Ein zentraler Gedanke des Buches ist, dass Frauen niemandem Schönheit oder Anpassung schulden – weder Männern noch der Gesellschaft oder den sozialen Medien.

In den ersten Kapiteln beschäftigt sich Given mit dem Konzept des „Male Gaze“ (männlicher Blick) und erklärt, wie Frauen durch Erziehung, Medien und gesellschaftliche Erwartungen dazu gebracht werden, sich selbst aus einer männlichen Perspektive zu betrachten. Diese Selbstwahrnehmung führt oft dazu, dass Frauen ihr Verhalten, ihr Aussehen und sogar ihre Ambitionen an männlichen Vorstellungen ausrichten.

Weitere Kapitel widmen sich der Dekonstruktion toxischer Beziehungsdynamiken. Given argumentiert, dass Frauen oft in destruktiven Beziehungen verharren, weil sie dazu sozialisiert wurden, sich selbst zurückzustellen und die Bedürfnisse anderer über ihre eigenen zu stellen. Sie fordert Frauen auf, ihre eigenen Grenzen zu setzen und Beziehungen zu hinterfragen, die auf Abhängigkeit oder emotionaler Manipulation basieren. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Bedeutung von Selbstliebe und radikaler Akzeptanz. Given argumentiert dafür, dass Frauen ihre Körper so annehmen, wie sie sind, und sich nicht dem Druck unterwerfen sollten, einem bestimmten Schönheitsideal zu entsprechen.

Relevanz

Das Buch bietet nicht nur einen theoretischen Rahmen für die Auseinandersetzung mit Geschlechterrollen, sondern auch konkrete Impulse. Die Filmbranche ist eine visuell geprägte Industrie. Insbesondere Regisseur:innen und Produzent:innen stehen vor der Herausforderung, weibliche Darstellungen zu hinterfragen und neue visuelle Narrative zu schaffen, die nicht nur männliche Sehgewohnheiten bedienen. Ein zentraler Punkt in Givens Werk ist die Idee der Selbstbestimmung über die eigene Darstellung. In der Filmproduktion bedeutet das, dass Künstler:innen, Regisseur:innen und Kreative aktiv gegen sexistische Bildsprache arbeiten können, indem sie alternative Inszenierungen entwickeln.

Florence Givens Women Don’t Owe You Pretty ist ein Buch, das feministische Themen in einer modernen und zugänglichen Weise vermittelt. Es fordert dazu auf, toxische Strukturen zu erkennen und sich bewusst für eine selbstbestimmte Darstellung einzusetzen. Besonders im Kontext der Filmproduktion, in der Inszenierung und visuelle Ästhetik eine zentrale Rolle spielen, bietet das Buch wertvolle Anstöße für eine geschlechterbewusste Medienkritik. Die darin angesprochenen Themen, wie zum Beispiel die Reflexion über den „Male Gaze“ und die Selbstinszenierung von Frauen, sind besonders relevant für meine Masterarbeit und die Untersuchung geschlechterbewusster Produktionspraktiken.

Literatur

Given, Florence. 2020. Women Don’t Owe You Pretty. London: Cassell.

by elisa.kroiss -

IMPULS // 06 Inventing Anna

Die Netflix-Serie Inventing Anna (2022) erzählt die (mehr oder weniger) wahre Geschichte der Hochstaplerin Anna Sorokin, die sich unter dem Namen Anna Delvey als reiche Erbin ausgab, um Zugang zur New Yorker High Society zu erlangen. Basierend auf dem investigativen Artikel „How Anna Delvey Tricked New York’s Party People“ von Jessica Pressler (2018) beleuchtet die Serie die Mechanismen von Macht, Täuschung und Geschlechterrollen in einer von Männern dominierten Finanz- und Medienwelt. Die Serie ist nicht nur spannend, sondern bietet auch gesellschaftskritische Ansätze, die für meine Masterarbeit relevant sind und insbesondere als Impuls dienen können.

Handlung

Die Serie folgt der Journalistin Vivian Kent (inspiriert von Jessica Pressler), die sich mit der Geschichte von Anna Delvey auseinandersetzt. Anna, eine russischstämmige Frau, gibt sich als wohlhabende deutsche Erbin aus und schafft es, sich in exklusive Kreise einzuschleusen. Sie überzeugt Geschäftsleute, Hotelmanager und Freund:innen, ihr Geld zu leihen, mit dem Versprechen, es bald zurückzuzahlen. Während sich die Wahrheit um Annas Identität langsam entwirrt, zeigt die Serie ihre Verhaftung und den darauffolgenden Prozess. Dabei stellt sich die Frage, inwiefern Anna eine Betrügerin oder vielmehr eine Frau ist, die mit männlichen Strategien spielt, um sich in einer von Machtstrukturen geprägten Welt zu behaupten.

Inszenierung von Weiblichkeit und Macht

Anna Sorokin ist eine faszinierende Figur, weil sie die gängigen Vorstellungen von Weiblichkeit in der Finanzwelt unterwandert. Sie nutzt ihr äußeres Erscheinungsbild, ihr selbstbewusstes Auftreten und ein perfektioniertes Storytelling, um sich als vertrauenswürdige Geschäftsfrau zu inszenieren. Dabei folgt sie bewusst Stereotypen, um Erwartungen zu bedienen: Sie kleidet sich modisch, spricht mit Überzeugung und nutzt soziale Medien, um ihre vermeintliche Exklusivität zu inszenieren. Doch ihre Strategie beruht nicht nur auf oberflächlichen Attributen – sie versteht es, sich in männerdominierte Räume zu begeben und dort ernst genommen zu werden. Die Darstellung von Anna in der Serie wirft Fragen nach den Mechanismen auf, mit denen Frauen sich in solchen Bereichen behaupten müssen. Während männliche Unternehmer für ihre Risikobereitschaft gefeiert werden, wird Anna als Hochstaplerin kriminalisiert. Diese doppelte Moral ist in vielen Branchen erkennbar.

Weibliche Narrative und mediale Rezeption

Ein interessanter Aspekt von Inventing Anna ist die mediale Rezeption des Falls. Während Anna selbst als machtbewusste Frau dargestellt wird, die sich nicht scheut, bestehende Strukturen zu hinterfragen, inszeniert die Presse sie oft als manipulative Betrügerin. Dieses Spannungsfeld zeigt sich auch in der realen Medienlandschaft, in der Frauen in der Unterhaltungsbranche oft kritischer betrachtet werden als ihre männlichen Kollegen.

Für meine Masterarbeit ist dieser Aspekt daher besonders relevant. Frauen, die sich in männlich dominierten Branchen durchsetzen möchten, sehen sich nicht nur strukturellen Barrieren gegenüber, sondern müssen sich auch einer kritischen Öffentlichkeit stellen, die ihre Erfolge oft anders bewertet als die von Männern. Annas Geschichte dient als Beispiel dafür, wie Frauen sich durch Inszenierung und strategisches Geschichtenerzählen einen Platz in diesen Räumen erkämpfen – eine Dynamik, die auch in der Filmproduktion zu beobachten ist, wo Regisseurinnen und Produzentinnen häufig doppelte Standards erfahren.

Impuls

Inventing Anna zeigt, dass Frauen in (kreativen) Branchen oft gezwungen sind, sich stärker zu behaupten und gleichzeitig mit negativen Stereotypen zu kämpfen. Die Serie wirft dabei relevante Fragen auf: Wie können sich Frauen in Männern dominierten Industrien behaupten, ohne als „unprofessionell“ oder „manipulativ“ abgestempelt zu werden? Wie beeinflussen mediale Narrative das Bild von Frauen in Machtpositionen?

Die Serie – die auf einer wahren Begebenheit basiert – ist weit mehr als nur eine Geschichte über Betrug. Sie ist eine Reflexion über weibliche Machtstrategien, mediale Repräsentation und strukturelle Barrieren. Sie zeigt, dass Erfolg für Frauen oft strengeren Maßstäben unterliegt und dass Inszenierung ein wesentliches Element ist, um sich in männlich dominierten Branchen zu behaupten.

by elisa.kroiss -

IMPULS // 05 Das Musikvideo

Die Entwicklung des Musikvideos von den frühen Tagen des Musikfernsehens bis zur heutigen Dominanz digitaler Plattformen ist ein bemerkenswerter Prozess der Mediengeschichte. Der Artikel „The Impact of Music Videos in the Digital Age – From MTV to YouTube“ von DE MODE analysiert diese Transformation und hebt hervor, wie sich die Produktion, Verbreitung und Rezeption von Musikvideos durch technologische Innovationen verändert.

Die Evolution des Musikvideos

Mit der Einführung von MTV in den 1980er-Jahren wurden Musikvideos zu einer zentralen Form der künstlerischen Darstellung und Vermarktung von Musik. MTV bot Künstler:innen eine Plattform, um ihre kreative Vision visuell umzusetzen und ein breiteres Publikum zu erreichen. Die Arbeit von Regisseure wie Spike Jonze, Michel Gondry und Hype Williams trug dazu bei, Musikvideos als eigenständige Kunstform zu etablieren, indem sie innovative Erzähltechniken und visuelle Stilmittel einsetzten Besonders bemerkenswert war der Einfluss von Musikvideos auf Mode, Werbestrategien und soziale Diskurse. Beispiele wie Michael Jacksons „Thriller“ oder Madonnas „Like a Prayer“ zeigen, wie Musikvideos gesellschaftliche Debatten anstoßen und kulturelle Trends beeinflussen konnten. Neben der reinen Unterhaltung wurden Musikvideos auch als Mittel zur politischen und sozialen Kommentierung genutzt. Madonna inszenierte sich in „Like a Prayer“ bewusst in einem religiös aufgeladenen Kontext, während Rage Against the Machine mit „Sleep Now in the Fire“ Kapitalismuskritik in ihr visuelles Konzept integrierten. Dies zeigt, dass Musikvideos nicht nur ein kreatives Medium, sondern auch ein Werkzeug zur Meinungsäußerung sind. Mit der digitalen Wende verlor MTV jedoch an Relevanz, und Plattformen wie YouTube übernahmen die Funktion der zentralen Distributionskanäle für Musikvideos. Diese Entwicklung ermöglichte es Künstler:innen, unabhängig von traditionellen Gatekeepern Inhalte zu produzieren und direkt mit ihrem Publikum zu interagieren. YouTube und soziale Medien wie Instagram und TikTok spielen heute eine entscheidende Rolle dabei, Trends zu generieren und den Austausch über Musikvideos zu fördern. Dadurch wurde die Musikvideoproduktion zwar demokratischer, doch es entstanden auch neue Herausforderungen, insbesondere im Wettbewerb um Aufmerksamkeit in einer zunehmend fragmentierten Medienlandschaft.

Ein wichtiger Aspekt dieser Entwicklung ist die sich wandelnde Produktionsweise von Musikvideos. Während früher hohe Budgets erforderlich waren, um ein qualitativ hochwertiges Musikvideo zu drehen, ermöglichen moderne Technologien und niedrigere Produktionskosten nun auch unabhängigen Künstler:innen, professionelle Videos zu erstellen. Dieser Wandel hat insbesondere jungen Kreativen den Zugang zur Musikvideoproduktion erleichtert. Gleichzeitig hat er jedoch zu einer Flut an Inhalten geführt, wodurch es für einzelne Videos schwieriger geworden ist, aus der Masse hervorzustechen.

Die Wirkung von Musikvideos auf Popkultur und Medienlandschaft

Musikvideos haben nicht nur die Musikindustrie revolutioniert, sondern auch die Art und Weise, wie Menschen Musik konsumieren und erleben. Sie haben sich von bloßen Werbemitteln für Songs zu autonomen Kunstwerken entwickelt, die oft eigene Narrative entfalten. Gerade in der heutigen digitalen Ära, in der visuelle Inhalte dominieren, bleibt das Musikvideo ein Schlüsselmedium zur Markenbildung von Künstlern.

Die zunehmende Bedeutung von Social Media hat zudem eine interaktive Dimension in die Musikvideokultur gebracht. Soziale Plattformen wie TikTok erlauben es Nutzern, Clips aus Musikvideos zu remixen, zu parodieren oder durch Challenges weiterzuverbreiten. Dies führt dazu, dass Musikvideos nicht mehr nur als fertige Produkte konsumiert, sondern aktiv weiterentwickelt werden. Virale Tanzchallenges oder kreative Interpretationen von Fans können dazu beitragen, dass ein Song weltweit Beachtung findet und in den Charts steigt. Ein weiteres Phänomen, das durch die Digitalisierung verstärkt wurde, ist die zunehmende Vermischung von Musikvideos mit Werbung und Markenstrategien. Viele Künstler:innen arbeiten heute eng mit Mode- oder Technologieunternehmen zusammen, um Musikvideos als Werbeplattformen zu nutzen. Dies hat einerseits neue Finanzierungsmöglichkeiten geschaffen, andererseits aber auch Bedenken hinsichtlich der künstlerischen Integrität aufgeworfen.

Relevanz

Der Artikel von DE MODE verdeutlicht die transformative Kraft des Musikvideos und zeigt, wie sich die Branche von einer durch MTV dominierten Phase zu einer digitalen Landschaft entwickelt hat, in der Plattformen wie YouTube und soziale Medien zentrale Rollen spielen. Diese Erkenntnisse sind entscheidend für das Verständnis der modernen Medienlandschaft, da sie verdeutlichen, dass technologische Innovationen nicht nur neue Chancen, sondern auch neue Herausforderungen für die Musikindustrie und die Kreativwirtschaft mit sich bringen. Die Demokratisierung durch digitale Plattformen bietet Möglichkeiten für neue Stimmen in der Branche, erfordert jedoch gleichzeitig eine kritische Auseinandersetzung mit Fragen der Sichtbarkeit und Verteilung kreativer Ressourcen. Das Musikvideo hat sich im Laufe der Jahrzehnte immer wieder neu erfunden und wird (hoffentlich) auch in Zukunft eine zentrale Rolle in der Verbindung von Musik, Kunst und Technologie spielen.

Literatur

DE MODE. „The Impact of Music Videos in the Digital Age – From MTV to YouTube.“ DE MODE Magazine, 7. Februar 2024. https://www.demodemagazine.com.

by elisa.kroiss -

24 // Geschlechterverteilung in der deutschen Filmindustrie

Auch die deutsche Filmbranche ist durch geschlechtsspezifische Ungleichheiten geprägt, die Frauen systematisch benachteiligen. Eine weitere Studie Gender und Film, herausgegeben von der Filmförderungsanstalt (FFA), liefert umfassende Daten zur Repräsentation von Frauen in zentralen kreativen Berufen der Filmindustrie. Die Ergebnisse zeigen auch hier, dass Frauen trotz eines zunehmenden Anteils in der filmischen Ausbildung in vielen Schlüsselpositionen deutlich unterrepräsentiert bleiben (Hochfeld et al. 2017, 7).

Geschlechterverteilung in Schlüsselpositionen der Filmindustrie

Die Studie untersucht die Geschlechterverteilung in verschiedenen kreativen Positionen zwischen 2011 und 2015. Die Ergebnisse verdeutlichen erhebliche Disparitäten:

– Regie: 22 % der deutschen Filme wurden von Frauen inszeniert, während Männer 67 % der Regiepositionen besetzten.

– Drehbuch: 20 % der Drehbücher wurden von Frauen geschrieben, während 40 % der Drehbücher von Männern stammten.

– Produktion: 10 % der Produzent*innen waren Frauen, 28 % Männer, während 62 % der Filme von Teams produziert wurden.

– Kamera: 10 % der Kamerapositionen wurden von Frauen besetzt, 85 % von Männern.

– Ton: 91 % der Tonverantwortlichen waren männlich, während nur 4 % der Filme von Frauen in diesem Bereich betreut wurden (Hochfeld et al. 2017, 13).

Ungleichheiten in Ausbildung und Karriereverlauf

Obwohl Frauen etwa 40 % der Studierenden an deutschen Filmhochschulen ausmachen, spiegelt sich dieser Anteil nicht in der beruflichen Praxis wider. Dies deutet darauf hin, dass weibliche Filmschaffende beim Übergang von der Ausbildung in den Beruf auf strukturelle Barrieren stoßen (Hochfeld et al. 2017, 24). Besonders in den technisch geprägten Bereichen wie Kamera und Ton ist der Frauenanteil gering, was auf geschlechtsbezogene Zuschreibungen und eingeschränkte Netzwerkmöglichkeiten zurückgeführt wird.

Ein weiteres Ergebnis der Studie ist, dass Frauen seltener hohe Budgets für ihre Filmprojekte erhalten. Während nur 13 % der Filme mit einem Budget über 5 Millionen Euro von Frauen inszeniert wurden, waren es bei männlichen Regisseuren 24 %. Dies hat direkte Auswirkungen auf die Sichtbarkeit und den kommerziellen Erfolg weiblicher Filmschaffender. Zudem zeigte sich, dass Filme mit Regisseurinnen weniger Kinobesucher:innen erreichten als Filme ihrer männlichen Kollegen, was unter anderem mit geringeren Marketingbudgets zusammenhängt (Hochfeld et al. 2017, 17).

Ursachen der geschlechtsspezifischen Ungleichheit

Die Studie identifiziert mehrere zentrale Barrieren, die Frauen am beruflichen Aufstieg in der Filmindustrie hindern:

1. Stereotypisierung und geschlechtsspezifische Erwartungen: Frauen werden häufig nicht mit Führungspositionen oder technischen Berufen assoziiert, was sich auf ihre Beschäftigungschancen auswirkt.

2. Netzwerkstrukturen und Branchenkultur: Männer dominieren bestehende Netzwerke, wodurch Frauen seltener für leitende Positionen berücksichtigt werden.

3. Fehlende Vereinbarkeit von Beruf und Familie: Die Arbeitsbedingungen und unregelmäßigen Arbeitszeiten in der Filmbranche stellen für Frauen mit Fürsorgeverantwortung eine besondere Herausforderung dar.

4. Geringere Finanzierungschancen: Filme von Frauen erhalten tendenziell weniger finanzielle Unterstützung, was sich negativ auf Karrieremöglichkeiten auswirkt (Hochfeld et al. 2017, 31).

Förderung von Frauen in der Filmbranche

Um die strukturelle Benachteiligung von Frauen zu überwinden, empfiehlt auch diese Studie folgende Maßnahmen:

– Quotenregelungen: Mindestanteile für Frauen in Regie, Kamera und Produktion könnten die Gleichstellung fördern.

– Gezielte Förderprogramme: Finanzielle Unterstützung speziell für Filmprojekte mit weiblicher Beteiligung könnte strukturelle Benachteiligungen abbauen.

– Sensibilisierung für geschlechtsspezifische Barrieren: Durch die Aufklärung über unbewusste Vorurteile und Ausschlussmechanismen könnte die Wahrnehmung weiblicher Filmschaffender verbessert werden.

– Flexible Arbeitsmodelle: Maßnahmen zur besseren Vereinbarkeit von Beruf und Familie würden insbesondere Frauen zugutekommen (Hochfeld et al. 2017, 56).

Die Studie Gender und Film verdeutlicht, dass die deutsche Filmindustrie nach wie vor von geschlechtsspezifischen Ungleichheiten geprägt ist. Während Frauen in einigen Bereichen Fortschritte erzielen, bleiben insbesondere technische und leitende Positionen männlich dominiert. Um eine gerechtere Filmbranche zu schaffen, sind strukturelle Veränderungen erforderlich, die über reine Bewusstseinsbildung hinausgehen und konkrete Fördermaßnahmen beinhalten.

Literatur

Hochfeld, Katharina, Karen Genz, Vivien Iffländer, und Elizabeth Prommer. *Gender und Film: Rahmenbedingungen und Ursachen der Geschlechterverteilung von Filmschaffenden in Schlüsselpositionen in Deutschland*. Berlin: Filmförderungsanstalt, 2017.

by sarah.molinari -

# 10 || The 12 principles of animation

The 12 Principles of Animation are essential guidelines for professional animators, originally developed by Disney animators in the 1930s. They were formally outlined by Ollie Johnston and Frank Thomas in their 1981 book, „The Illusion of Life: Disney Animation“. These principles continue to be widely taught and applied in animation, despite advancements in technology and industry changes. They remain relevant in modern films, web design, and animation studios worldwide.[1]

The 12 principles are:

  1. Squash and stretch

This principle gives a sense of weight and flexibility to objects. For example, a bouncing ball will squash upon impact and stretch when ascending, keeping its volume throughout, just like a normal ball would.

  1. Anticipation

Anticipation prepares the audience for an action, making movements more realistic. For example, a character bending their knees before jumping, signals that the action is about to happen.

  1. Staging

Staging directs the audience’s attention to the most important elements in a scene, making sure that its clear what is shown. This can be achieved through composition, lighting, and camera angles.

  1. Straight-ahead action and pose-to-pose

These are two approaches to creating movement. Straight ahead action involves drawing each frame in sequence, leading to fluid, dynamic motion. Pose to pose starts with key frames and fills in the intervals, allowing for more control over timing and positioning.

  1. Follow through and overlapping action

This principle ensures that different parts of a character or object continue moving after the main action has stopped, reflecting the laws of physics. For example, a character’s hair or clothing will continue to move and weave, after they have stopped walking.

  1. Slow in and slow out

Movements in the real world typically start slowly, accelerate, and then decelerate. Animating more frames at the beginning and end of an action, with fewer in the middle, gets this effect.

  1. Arc

Natural actions tend to follow arched trajectories. Incorporating arcs into animation makes movements appear more fluid and realistic.

  1. Secondary action

Adding secondary actions, like a character’s facial expression or a subtle gesture, supports the main action and adds depth to the scene.

  1. Timing

The number of frames dedicated to an action determines its speed and conveys aspects of the character’s mood and personality. The correct timing ensures that movements feel natural.

  1. Exaggeration

Exaggeration enhances actions to make them more dynamic and engaging. While realism is important, amplifying certain elements can add appeal.

  1. Solid drawing

This principle emphasizes understanding three-dimensional forms, anatomy, and weight. Even in two-dimensional animation, characters should appear to have volume and balance.

  1. Appeal

Characters should be visually engaging and relatable. This doesn’t mean they must be conventionally attractive; even villains can have appeal through distinctive designs and personalities.[2]

Bibliography

Lesley University. “The 12 Principles of Animation.” Accessed February 7, 2025. https://lesley.edu/article/the-12-principles-of-animation.

Šarec, Eva. “12 Principov animacije.” Hashtag, September 20, 2023. Accessed February 7, 2025. https://hashtag.si/12-principov-animacije/.

[1] Lesley University. “The 12 Principles of Animation.” Accessed February 7, 2025. https://lesley.edu/article/the-12-principles-of-animation.

[2] Šarec, Eva. “12 Principov animacije.” Hashtag, September 20, 2023. Accessed February 7, 2025. https://hashtag.si/12-principov-animacije/.

This blog content was translated by artificial intelligence.

by sarah.molinari -

# 09 || Storyboard & Animatic

Storyboards and animatics play a key role in animation by helping plan out the story before full production begins. A storyboard is like a visual script, showing how scenes will look and how characters will move. Animatics take it further by adding timing, simple movement, and sound, giving a rough preview of the final animation. These steps make it easier to spot issues early, saving time and effort while ensuring the final product flows smoothly and looks great.

Storyboard

 A storyboard is a series of drawings that visually represent the story of a script or screenplay. Its main purpose is to give the production team a clear idea of how the story should be executed. Storyboards can range from detailed illustrations to simple stick figures, as long as they effectively convey information and emotion. [1]

“It is similar to a trial-run for your finished film, video, or commercial, laid out in a comic book-like form.” [2]

Walt Disney popularized the modern storyboarding process in the 1930s, though early forms of it were used by filmmakers like George Méliès, who used storyboards to visualize his planned effects. Disney animator Webb Smith introduced the idea of drawing scenes on separate sheets and pinning them to a board to visualize sequences, first used in the 1933 short Three Little Pigs. Disney’s approach to storyboarding was influenced by graphic novels and was crucial in enhancing storytelling. Today, storyboarding remains a standard practice in animation and filmmaking. [3]

Storyboards play an important role in filmmaking, from animated movies to action films. They help directors explain their vision to the entire production team, ensuring everyone is on the same page. However, storyboarding is not just about executing instructions—it requires storytelling skills. A storyboard artist must creatively break down scenes shot by shot to create an engaging film while considering practical limitations. The process also helps identify and eliminate overly complex or expensive shots before production begins. [4] [5]

Storyboard artists use different camera angles and compositions to establish the tone and mood of a scene. Storyboarding is not only about storytelling but also about determining how each shot shapes the film’s emotion and atmosphere. These choices guide directors in structuring their shot lists and filming strategies, making storyboards an essential tool in visual storytelling. [6]

The two basic versions of storyboard formats are traditional and thumbnail. The difference in those two is in how much detail is added. The traditional storyboard format consists of sketches with a lot of detail, which gives more information. These can be camera movements, characters, props, room details, and so on. Thumbnail storyboards are simplified versions of traditional storyboards, consisting of small, rough sketches without written notes. They focus on capturing the sequence of shots quickly and are useful for individual creators or small teams who don’t require detailed annotations. [7]

Animatic

Animatic is an animated storyboard. It is a series of storyboard images arranged in sequence and combined with sound and image movement to demonstrate how a scene would look like. It also demonstrated the approximate length of the animation or film. They help visualize timing, pacing, and overall flow. It serves as an advanced step after storyboarding, offering a clearer preview of the final project. [8]

Animatics are especially crucial for animation, where there is little flexibility compared to live-action filmmaking. Since animation requires extensive time and resources, with even a single second taking hours to render, every shot must be carefully planned and refined early on. [9]

Animatics offer several key benefits in animation and filmmaking. They are quick to produce, especially if a storyboard is already created, and serve as a reference for frame timing. They allow for easy adjustments, as rough sketches make it simpler to cut scenes without regret. Animatics also help build consensus among the creative team by providing an early visual representation of the film. Most importantly, they save time and money by identifying issues before committing to full production, making the process more efficient. [10] [11]

Bibliography

Chambers, James. “What is an Animatic?” Boords, April 4, 2024. Accessed February 7, 2025. https://boords.com/animatic/what-is-the-definition-of-an-animatic-storyboard.

Dunham, Brent. “What Is an Animatic — How to Bring Your Storyboard to Life.” StudioBinder, May 21, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-an-animatic-definition/.

Maio, Alyssa. “What Is a Storyboard? The Fundamentals to Get You Started.” StudioBinder, June 1, 2024. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-a-storyboard/.

Maitrai, Satyam. “The History of Storyboarding.” MakeStoryboard Blog (blog), April 7, 2022. Accessed February 7, 2025. https://makestoryboard.com/blog/the-history-of-storyboarding.

Mellon, Kevin, and Neal Holman. “Ein Guide zum Thema Storyboards.” Adobe. Accessed February 7, 2025. https://www.adobe.com/at/creativecloud/video/discover/storyboarding.html.

Naghdi, Arash, and Payam Adib. “Animatic in a nutshell; the storyboard made animated.” Dream Farm Studios (blog). Accessed February 7, 2025. https://dreamfarmstudios.com/blog/animatic-in-a-nutshell-the-storyboard-made-animated.

Vyond Team. “What Is a Storyboard and How Do You Create One?” Vyond, January 11, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.vyond.com/blog/what-is-a-storyboard-and-why-do-you-need-one/.

[1] Vyond Team. “What Is a Storyboard and How Do You Create One?” Vyond, January 11, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.vyond.com/blog/what-is-a-storyboard-and-why-do-you-need-one/.

[2] Maio, Alyssa. “What Is a Storyboard? The Fundamentals to Get You Started.” StudioBinder, June 1, 2024. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-a-storyboard/.

[3] Maitrai, Satyam. “The History of Storyboarding.” MakeStoryboard Blog (blog), April 7, 2022. Accessed February 7, 2025. https://makestoryboard.com/blog/the-history-of-storyboarding.

[4] Mellon, Kevin, and Neal Holman. “Ein Guide zum Thema Storyboards.” Adobe. Accessed February 7, 2025. https://www.adobe.com/at/creativecloud/video/discover/storyboarding.html.

[5] Vyond Team, “What Is a Storyboard and How Do You Create One?”

[6] Mellon and Holman, “Ein Guide zum Thema Storyboards.”

[7] Maio, “What Is a Storyboard? The Fundamentals to Get You Started,” June 1, 2024.

[8] Dunham, Brent. “What Is an Animatic — How to Bring Your Storyboard to Life.” StudioBinder, May 21, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-an-animatic-definition/.

[9] Dunham, “What Is an Animatic — How to Bring Your Storyboard to Life,” May 21, 2023.

[10] Chambers, James. “What is an Animatic?” Boords, April 4, 2024. Accessed February 7, 2025. https://boords.com/animatic/what-is-the-definition-of-an-animatic-storyboard.

[11] Naghdi, Arash, and Payam Adib. “Animatic in a nutshell; the storyboard made animated.” Dream Farm Studios (blog). Accessed February 7, 2025. https://dreamfarmstudios.com/blog/animatic-in-a-nutshell-the-storyboard-made-animated.

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# 08 || Animation

Animation is a form of storytelling. It is a technique that creates the illusion of movement by displaying a sequence of images in rapid succession. Each image is slightly different from the last. Traditional animation involved drawing or painting on transparent celluloid sheets, while modern animation primarily uses computer-generated imagery (CGI). The smoothness of motion depends on the frame rate, with 12 frames per second appearing somewhat choppy and 24 frames per second commonly used in films for fluid motion. Typically, moving characters are animated “on twos,” meaning each image is displayed for two frames to balance efficiency and movement realism. [1] [2]

Traditional Animation

There are different types of animations. Animation started with the traditional animation, also called cel animation and slowly transformed into newer types, with the help of technology.

As already mentioned, traditional animation is the oldest type. The objects are drawn on celluloid transparent paper, that’s why it is also called cel animation. Each frame has to be drawn on a new piece of paper. Background, characters and other elements are separated, and have their own layers. Animators have to create first the line art and later add color. Background artists create the background scenes. Once all the frames are finished, they are photographed using special animated cameras. The final film is then sent for development and processing. [3] [4][5]

2D Vector Animations

Traditional animations are also 2D animations, but they were at first hand drawn and later drawn with the help of digital tools. These images are pixel images, for example JPG, PNG, GIF. The vector animation process is based on vector images, which means the images always stay sharp. This was not the case with pixel images, where the images couldn’t be enlarged without using the image quality. As vector-based animations use mathematical values, the graphics can be changed, instead of redrawing each element over and over again, making the process faster and easier. Since vector graphics are resolution-independent, they maintain high quality at any size, making them ideal for mobile apps, interactive media, and online content. They are very popular for explainer animations, web animations, advertisements, and motion graphics. [6]

3D Animations

3D animation is the process of creating three-dimensional images in a digital context. These visuals are made by using 3D software, which allows animators to create objects, sets, and characters in 3D space. These make the image appear 3D in a 2D space. Unlike traditional 2D animation, where movement is created by drawing frame by frame, 3D animation relies on digital models that can be rigged with skeletons and manipulated to move fluidly. This process involves several stages, including modelling, texturing, rigging, animating, lighting, and rendering. Animators use keyframes and motion capture techniques to bring characters to life with realistic movements and expressions.

Beyond entertainment, 3D animation is widely used in gaming, virtual reality, architecture, medicine, and education. It enhances visual storytelling, making complex ideas more engaging and accessible. Advancements in technology, such as real-time rendering and artificial intelligence, continue to push the limits of what is possible, making 3D animation an essential tool in digital media. [7] [8]

Motion Graphics

Motion graphics refers to animated graphic design. A motion graphics artist uses text, images, and animation to convey information in a visually engaging way that complements the video’s style. The key element is „motion“ — if it doesn’t move, it’s not motion graphics. Unlike traditional animation, which focuses on character-driven storytelling, motion graphics primarily emphasize dynamic visuals and typography to enhance communication.

Motion graphics are widely used in advertising, explainer videos, social media content, and broadcast design. They help simplify complex ideas through visually appealing animations, making information more digestible and engaging. With advancements in software like Adobe After Effects and Cinema 4D, motion graphics continue to evolve, blending seamlessly with 3D elements, visual effects, and interactive media to create compelling digital experiences. [9] [10] [11] [12]

Stop Motion

Stop motion encompasses various techniques, including claymation, pixelation, and object-motion. This type of animation is not done with drawing or using digital modelling tools, it is typically made with physical objects, which are being rearranged or remodelled for every frame. While the styles may differ, the fundamental mechanics are similar to traditional animation, like a flipbook. Each frame is being photographed to create the illusion of movement.[13]

Bibliography

Adobe. “Motion graphics explained: definition, history and examples.” Accessed February 7, 2025. https://www.adobe.com/uk/creativecloud/animation/discover/motion-graphics.html.

Bianat. “Traditional Animation.” Baianat. Accessed February 7, 2025. https://www.baianat.com/books/animation-revolution/traditional-animation.

Ellis, Matt. “Motion graphics vs. animation: what’s the difference?” 99designs (blog), 2019. Accessed February 7, 2025. https://99designs.com/blog/video-animation/motion-graphics-vs-animation/.

Into Film. “Animation: Hand Drawn.” Accessed February 7, 2025. https://www.intofilm.org/films/filmlist/91.

Katatikarn, Jasmine. “What Is 3D Animation? The Complete Guide (2024).” Academy of Animated Art, January 11, 2024. Accessed February 7, 2025. https://academyofanimatedart.com/what-is-3d-animation/.

Maio, Alyssa. “What Is Animation — Definition, History and Types of Animation.” StudioBinder, January 28, 2025. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-animation-definition/.

Museum of Science Boston. “Animation.” The Science Behind Pixar. Accessed February 7, 2025. https://sciencebehindpixar.org/pipeline/animation.

Provost, Rex. “What Is Motion Graphics — Definition, Examples & Types.” StudioBinder, September 3, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-motion-graphics-definition/.

Silveira, Felippe. “What Is Motion Graphics?” Mowe, August 3, 2023. Accessed February 7, 2025. https://mowe.studio/what-is-motion-graphics/.

Toonboom. “Traditional Animation.” Accessed February 7, 2025. https://learn.toonboom.com/modules/animation-techniques/topic/traditional-animation.

Unity. “What is 3D animation?” Accessed February 7, 2025. https://unity.com/topics/what-3d-animation.

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[1] Maio, Alyssa. “What Is Animation — Definition, History and Types of Animation.” StudioBinder, January 28, 2025. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-animation-definition/.

[2] Museum of Science Boston. “Animation.” The Science Behind Pixar. Accessed February 7, 2025. https://sciencebehindpixar.org/pipeline/animation.

[3] Maio, “What Is Animation — Definition, History and Types of Animation.”

[4] Toonboom. “Traditional Animation.” Accessed February 7, 2025. https://learn.toonboom.com/modules/animation-techniques/topic/traditional-animation.

[5] Into Film. “Animation: Hand Drawn.” Accessed February 7, 2025. https://www.intofilm.org/films/filmlist/91.

[6] Maio, “What Is Animation — Definition, History and Types of Animation.”

[7] Unity. “What is 3D animation?” Accessed February 7, 2025. https://unity.com/topics/what-3d-animation.

[8] Katatikarn, Jasmine. “What Is 3D Animation? The Complete Guide (2024).” Academy of Animated Art, January 11, 2024. Accessed February 7, 2025. https://academyofanimatedart.com/what-is-3d-animation/.

[9] Provost, Rex. “What Is Motion Graphics — Definition, Examples & Types.” StudioBinder, September 3, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.studiobinder.com/blog/what-is-motion-graphics-definition/.

[10] Ellis, Matt. “Motion graphics vs. animation: what’s the difference?” 99designs (blog), 2019. Accessed February 7, 2025. https://99designs.com/blog/video-animation/motion-graphics-vs-animation/.

[11] Silveira, Felippe. “What Is Motion Graphics?” Mowe, August 3, 2023. Accessed February 7, 2025. https://mowe.studio/what-is-motion-graphics/.

[12] Adobe. “Motion graphics explained: definition, history and examples.” Accessed February 7, 2025. https://www.adobe.com/uk/creativecloud/animation/discover/motion-graphics.html.

[13] Maio, “What Is Animation — Definition, History and Types of Animation.”

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# 07 || History of Animation

Animation has evolved from simple drawings to cutting-edge digital creations. The modern history of animation began in the 19th century with the invention of devices like the zoetrope and phenakistoscope, which created the illusion of movement by displaying a series of images in rapid succession. [1]

The early 20th century marked the birth of traditional animation. In 1908, French artist Émile Cohl created Fantasmagoria, considered the first fully animated film using hand-drawn images. It was made from 700 drawings, 2 minutes long, and with that the beginning of the traditional animation. In 1914 Winsor McCay developed Gertie the Dinosaur (1914), one of the first animated characters with personality and emotion. It was the first animation to use key framing, inbetweening, registration marks and animation loops. [2] [3]

One of the biggest breakthroughs came with Walt Disney, who revolutionized animation with synchronized sound in Steamboat Willie (1928), introducing the world to Mickey Mouse. Disney also pioneered full-length animated films, starting with Snow White and the Seven Dwarfs (1937), proving that animation could be more than just short cartoons. [4]

The Golden Age of Animation (1940s – 1960s)

This period witnessed the emergence of major animation studios such as Disney, Warner Bros., and MGM and those introduced still well-known, iconic characters like Bugs Bunny, Tom & Jerry and Donald Duck. Disney continued to create groundbreaking animated films, including Cinderella (1950) and Sleeping Beauty (1959). At the same time, Warner Bros. Created their own renowned Looney Tunes series, featuring legendary animators like Chuck Jones and Tex Avery.[5]

The Rise of Computer Animation (1970s – 1990s)

In the 1970s, technology began to play a bigger role in animation. Traditional hand-drawn techniques were still prevalent, but computer-generated imagery (CGI) were also gradually emerging. A notable breakthrough in CGI animation happened with Tron (1982), which utilized mostly computer effects. The biggest shift happened in 1995 when Pixar Studios released Toy Story, the first fully computer-animated film. This milestone paved the way for future successes like Shrek (2001), Finding Nemo (2003) and Frozen (2010). [6]

Modern Animation and the Digital Era (2000s – Present)

Today, animation has reached unparalleled heights with the evolution in CGI, motion capture and AI-driven techniques. Studios like Pixar, DreamWorks and Illumination are dominating the industry, by producing high-quality animated films and shows. The uprising of streaming services like Netflix and Disney+ has also further expanded the accessibility of animation worldwide. Additionally, Japanese anime has gathered vast global popularity, with popular titles like Spirited Away (2001) and Your Name (2016). These animated movies show the artistic depth, which happens beyond Hollywood. [7]

From very early flipbooks and hand-drawn frames all the way to CGI and AI-powered animation, the animation industry has undergone an immense evolution. Animation continues to push creative and technological boundaries, while also shaping storytelling and entertainment for future generations. As technology continues to advance, the future of animation holds limitles potential and possibilities.

Bibliography

Kehr, Dave. “Animation.” Encyclopedia Britannica, January 14, 2025. Accessed February 7, 2025. https://www.britannica.com/art/animation.

History of Animation. “The History of Animation.” Accessed February 7, 2025. https://history-of-animation.webflow.io.

Fudge. “A Timeline: The Evolution of Animation.” Fudge Animations. Accessed February 7, 2025. https://www.fudgeanimation.com/journal/the-evolution-of-animation-a-timeline.

NYFA. “The History of Animation: Celebrating Disney’S 100 Years of Stories,” October 17, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.nyfa.edu/student-resources/quick-history-animation.

Barnhart, Ben. “The History of Computer Animation.” Linearity, February 18, 2024. Accessed February 7, 2025. https://www.linearity.io/blog/computer-animation.

InFocus Film School. “The History of 3D Animation: A Deep Dive,” November 25, 2022. Accessed February 7, 2025. https://infocusfilmschool.com/history-of-3d-animation.

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[1] Kehr, Dave. “Animation.” Encyclopedia Britannica, January 14, 2025. Accessed February 7, 2025. https://www.britannica.com/art/animation.

[2] History of Animation. “The History of Animation.” Accessed February 7, 2025. https://history-of-animation.webflow.io.

[3] Fudge. “A Timeline: The Evolution of Animation.” Fudge Animations. Accessed February 7, 2025. https://www.fudgeanimation.com/journal/the-evolution-of-animation-a-timeline.

[4] Kehr, “Animation.”

[5] NYFA. “The History of Animation: Celebrating Disney’S 100 Years of Stories,” October 17, 2023. Accessed February 7, 2025. https://www.nyfa.edu/student-resources/quick-history-animation.

[6] Barnhart, Ben. “The History of Computer Animation.” Linearity, February 18, 2024. Accessed February 7, 2025. https://www.linearity.io/blog/computer-animation.

[7] InFocus Film School. “The History of 3D Animation: A Deep Dive,” November 25, 2022. Accessed February 7, 2025. https://infocusfilmschool.com/history-of-3d-animation.