In der dynamischen Welt des Marketings vollzieht sich eine bemerkenswerte Revolution, die den Weg für eine neue Ära der Markenkommunikation ebnet – die Ära der Influencer Brands. Diese einzigartige Kategorie von Marken hat nicht nur die traditionellen Werbemodelle herausgefordert, sondern auch eine tiefgreifende Veränderung in der Art und Weise herbeigeführt, wie Verbraucher Marken wahrnehmen und mit ihnen interagieren.
01. Influencer als Werbeplattform
Der Einfluss von Social Media führte zur Geburt von Influencer:innen, die zunächst als Werbeplattformen fungierten. Marken erkannten die Möglichkeit, von der Reichweite und Glaubwürdigkeit dieser Influencer:innen zu profitieren. Die Beziehungen zwischen Marken und Influencer:innen waren anfänglich vor allem finanziell motiviert, wobei die Influencer:innen ihre Plattform für Produktplatzierungen und gesponserte Inhalte nutzten.
02. Influencer als Markenmacher
Doch die Beziehung zwischen Influencer:innen und Marken entwickelte sich weiter. Einige Influencer:innen begannen, ihre eigene Marke zu kreieren, wodurch sie nicht nur als Botschafter, sondern auch als kreative Köpfe und Markengestalter:innen agierten. Diese Entwicklung markierte den Übergang von Influencer:innen als Werbeträger zu Influencer-Brands, die aktiv an der Gestaltung ihrer eigenen Markenidentität beteiligt waren.
03. Synergie von Persönlichkeit und Marke
Heutzutage spiegeln Influencer-Brands nicht nur die ästhetischen Vorlieben der Influencer:innen wider, sondern auch ihre Persönlichkeit, Werte und Überzeugungen. Diese Marken sind mehr als nur Produkte – sie sind Ausdruck einer Lebensweise. Beispiele wie Kylie Cosmetics und Huda Beauty zeigen, dass Influencer-Brands zu kulturellen Phänomenen werden können, die über die Grenzen der Modewelt hinausgehen.
04. Authentizität und Glaubwürdigkeit
Authentizität ist das Herzstück jeder Influencer-Brand. Die persönliche Verbindung zwischen der/dem Influencer:in und seinem Publikum schafft eine Vertrauensbasis, die traditionelle Werbung oft nicht erreicht. Insbesondere die Generation Z schätzt diese Authentizität und belohnt sie mit Loyalität. Die Influencer-Brand wird nicht nur als Verkaufsargument betrachtet, sondern als Teil einer persönlichen Reise.
05. Von Influencern zu Unternehmern
Ein faszinierender Trend zeichnet sich ab: Immer mehr Influencer:innen verwandeln sich von Markenbotschafter:innen zu Unternehmer:innen. Sie nutzen ihre Plattform, um eigene Produkte, Dienstleistungen oder sogar Unternehmen zu gründen. Diese Entwicklung verdeutlicht, dass Influencer:innen nicht nur die Stimme von Marken sind, sondern auch als Unternehmer:innen eine einflussreiche Rolle spielen können.
Die Renaissance des Marketings durch Influencer-Brands
Influencer-Brands haben eine Renaissance im Marketing eingeleitet, in der Persönlichkeit und Produkt zu einer untrennbaren Einheit verschmelzen. Diese Marken sind nicht nur aufmerksamkeitsstark, sondern auch zutiefst relevant für ihre Zielgruppe. Die Evolution von Influencer-Brands wird weiterhin die Marketinglandschaft prägen und die Art und Weise verändern, wie Verbraucher Marken erleben und mit ihnen interagieren.
Nachdem ich derzeit wieder mehr Zeit und Inspiration zum Zeichnen/Sketchen finde und ich heute wieder mit Sketchbook ausgerüstet durch Graz gestreift bin und dabei folgender Sketch entstanden ist, kam mir wieder mal die Frage in den Sinn: Was denn (gutes) Character Design ausmacht?
Daraufhin habe ich mich wieder an die Recherche gemacht und einen spannenden Artikel zum Thema Character Design gefunden.
Was macht einen guten und glaubhaften Character aus?
„Good character design starts with a character’s personality, which may come from a writer or creative director in the form of a brief or script. As a character designer, you’re responsible for visualizing the description or idea of a character, often for the first time.
Good character design is about clarity and includes the following:
Style/Tone: Does your character match the style of the production? For example, if it’s a Disney character, you wouldn’t draw them in an Anime style.
Costume: Does the character dress in a way that is authentic with their characteristics and story? Does it work with their environment?
Posture: Is how they hold themselves in alignment with their personality and demeanor?
Story: What role does the character play in the storyline or scene?
Silhouette: When all details have been removed, does the character’s silhouette still quickly identify them? (As an example, think about Mickey Mouse’s simple but highly recognizable silhouette.)“
Wenn man sich dieser Tipps/Prinzipien bedient, sollte eigentlich beim Gestalten nicht so viel schief gehen. Ein Konsens, der aus den verschiedensten Quellen hervorgeht ist, dass es immer sehr wichtig ist, erst seine „Hausaufgaben“ zu machen, bevor man ans Gestalten geht. Wobei ich dem nur teilweise zustimmen kann. Natürlich ist es wahr, dass man seine Materialen kennen sollte und weiß, was man mit welchem Tool umsetzen mag, doch entsteht oft auch großartige Designarbeit im Laufe des Prozesses.
Das ist denke ich, was ich von heute mitnehme: Do your homework, but also go out and create!
As players embark on epic quests, face formidable foes, and immerse themselves in virtual worlds, they often overlook the intricate process behind the characters that breathe life into these gaming landscapes. Character creation for video games is an art form that involves a combination between artistic vision, narrative depth, and player engagement.
Conceptualization
The journey begins with the spark of an idea. Character designers collaborate with game developers, writers, and artists to conceptualize characters that fit seamlessly into the game’s narrative and world. This phase involves brainstorming, sketching, and refining concepts until a cohesive vision emerges.
Defining Backstories
Characters are more than just visual entities; they are vessels for storytelling. Once a character concept takes shape, the next step is to define their backstory, motivations, and role within the game world. This narrative foundation provides depth and complexity, influencing both the character’s design and their interactions within the game.
Aesthetic Design and Visual Elements
The aesthetic design phase is where characters truly come to life. Artists meticulously craft the visual elements, considering everything from the character’s clothing and accessories to their facial expressions and body language. Attention is given to creating a distinctive silhouette that ensures the character is easily recognizable and readable during gameplay.
Technical Implementation
Once the visual design is solidified, technical artists come into play. They work on the implementation of character models, ensuring they are optimized for the game engine, considering factors such as polygon count, texture resolution, and animation requirements. This phase involves collaboration between artists and programmers to seamlessly integrate characters into the gaming environment.
Animation and Motion Capture
Characters need to move authentically within the game world. Animation artists use a combination of traditional animation techniques and, in many cases, motion capture technology to breathe life into characters. This process involves creating a library of movements that convey emotions, actions, and reactions in a way that feels natural and responsive to player input.
Video games are more than just interactive entertainment; they are meticulously crafted experiences that draw players into rich, immersive worlds. At the heart of this craft lies the art of level design, a nuanced process that shapes the player’s journey, challenges their skills, and contributes to the overall magic of gaming.
Setting the Stage
Level design is akin to being the architect of a virtual world. It involves creating the physical space, establishing the atmosphere, and setting the stage for the narrative. Whether it’s a sprawling open-world environment or a confined dungeon, the design of each level influences the player’s emotions and reactions, making the experience more immersive.
Guiding the Player
A well-designed level is a silent guide, directing players through the game without overtly holding their hand. Through careful placement of elements, visual cues, and environmental storytelling, level designers shape the player’s path and draw attention to key objectives, fostering a sense of discovery and accomplishment.
Balancing Challenge and Reward
Effective level design is a combination between challenge and reward. Each segment of a level should present a unique challenge, encouraging players to utilize their skills and creativity. However, these challenges should be balanced with rewards, whether they are power-ups, shortcuts, or narrative revelations, to keep players motivated and engaged.
Encouraging Exploration
Great level design invites players to explore their surroundings, rewarding curiosity with hidden treasures, secret passages, or alternative routes. Exploration not only adds depth to the gaming experience but also allows players to engage with the world on a deeper level, discovering nuances that contribute to a sense of immersion.
The magic of video games lies not just in the pixels and polygons that create immersive worlds but in the journey they invite players to embark upon. At the core of this journey is the concept of end goals—clear, tangible objectives that transform gaming from mere entertainment into a purposeful adventure.
Motivating Players to Conquer Challenges
End goals act as the driving force behind a player’s desire to conquer challenges. The promise of reaching the final level or defeating a formidable boss fuels determination, pushing players to overcome obstacles, hone their skills, and persevere in the face of adversity. Without a clear end goal, the journey might lack the motivational spark that turns a mere game into an epic quest.
Fulfilling the Hero’s Journey
In the realm of storytelling, the hero’s journey often revolves around a central quest or objective. Video games, as an interactive form of storytelling, emulate this narrative structure. The end goal is the culmination of the hero’s journey, providing a satisfying resolution and a sense of fulfillment that resonates deeply with players.
Celebrating Achievement and Progress
Every gamer understands the thrill of achieving an end goal, be it completing a challenging level, acquiring powerful gear, or finishing an entire game. End goals become milestones that mark a player’s progress, skill development, and mastery of the game mechanics. The sense of accomplishment at each milestone makes the entire gaming experience more rewarding.
Video games have evolved from simple pixelated adventures to expansive, immersive experiences that captivate players across the globe. At the heart of every great game lies a set of carefully crafted objectives. These objectives serve as the guiding force that propels players forward, shaping the narrative, defining challenges, and ultimately ensuring an engaging and fulfilling gaming experience.
Well-crafted objectives are integral to building a rich and compelling narrative. They serve as plot points, unraveling the story in a way that keeps players invested in the game world. As players progress through objectives, they uncover new plot twists, character developments, and lore, creating a sense of narrative progression that deepens their connection to the game.
The best video games draw players into a world where they forget about reality and become fully immersed in the game’s universe. Objectives play a crucial role in this process by keeping players engaged. Whether it’s a challenging boss battle or a quest to unlock new abilities, well-designed objectives maintain a delicate balance between difficulty and achievability, keeping players in a state of flow where the challenges are compelling but not overwhelming.
Objectives are not just about reaching a specific endpoint; they also encourage exploration and discovery. Games with open-world environments often feature side objectives, hidden treasures, and optional quests that entice players to explore every nook and cranny. This not only adds depth to the gameplay but rewards curiosity, making the gaming experience more dynamic and satisfying.
Video games really come to life when they have a great story. It’s like the difference between a fun game you play for a while and one you can’t stop thinking about. You know how some games, especially RPGs and adventures, really focus on the story? That’s what draws players in, gets them talking about it online, and sometimes, it’s even why people buy the game in the first place.
But not every game is all about the story. Take the Mario games, for example. Their plot is pretty simple – Mario’s always trying to save someone – but that simplicity works. It gives you a clear goal and keeps you playing to find all the secrets.
Think about „Tomb Raider“ and its story. You’ve got Lara on this epic quest to find a lost kingdom. Her ship sinks, and she ends up on this mysterious island, dealing with all sorts of dangers, including getting captured and having to escape a cave. It’s this kind of adventure that hooks you and keeps you playing.
What’s cool is that games can do more than just entertain. They can make you think and feel things. Developers use stories to explore deep stuff like love, loss, and even big issues like politics and the environment. When you’re playing, you’re not just moving a character around; you’re actually getting into these themes, which makes the game more meaningful.
Die Generation Z, geprägt durch ihre digitalen Ansprüche und sozialen Werte, hat Nike zu einer der vertrauenswürdigsten Modemarken erkoren. Doch was genau macht Nike so attraktiv für diese Generation? Die Antwort liegt nicht nur in innovativen Designs und qualitativ hochwertiger Sportbekleidung, sondern auch in Nikes Fähigkeit, sich auf gesellschaftskritische Themen einzulassen.
Authentizität und Vertrauen
In einer Umfrage wurde Nike sowohl von Millennials als auch von der Generation Z als eine der vertrauenswürdigsten Modemarken ausgezeichnet. Diese Anerkennung kann auf Nikes Bemühungen um Authentizität und Transparenz zurückgeführt werden. Die Marke hat sich nicht gescheut, ihre Haltung zu kontroversen sozialen und politischen Fragen zu zeigen.
Aktivismus und Haltung
Ein herausragendes Beispiel für Nikes gesellschaftliches Engagement ist die Colin Kaepernick-Kampagne. Durch die Auswahl des ehemaligen NFL-Spielers, der durch seinen Protest während der Nationalhymne bekannt wurde, hat Nike eine klare Position zu kontroversen Themen eingenommen. Dies hat zu Diskussionen darüber geführt, ob Nikes Engagement eher aktivistisch oder kapitalistisch motiviert ist.
Der Streit um Aktivismus vs. Kapitalismus
Einige betrachten Nikes Schritt als kalkulierte Geschäftsstrategie, die darauf abzielt, eine aktivistische Haltung zu verkaufen. Andere sehen darin jedoch einen echten Schritt in Richtung sozialer Verantwortung. Die Debatte darüber, ob Unternehmen authentischen Aktivismus zeigen können, während sie gleichzeitig von diesem Engagement profitieren, ist kontrovers und spiegelt die Herausforderungen wider, vor denen Marken in einer aktivistischen Ära stehen.
Anpassung an die Generation Z
Nikes Fähigkeit, sich in solche Diskussionen einzubringen, ist ein entscheidender Faktor für seine Anziehungskraft auf die Generation Z. Diese Generation schätzt Marken, die nicht nur Produkte verkaufen, sondern auch eine klare Haltung zu sozialen, politischen und umweltbezogenen Fragen einnehmen. Nike geht über den reinen Verkauf von Sportbekleidung hinaus und positioniert sich als eine Marke mit Werten, die die Überzeugungen der Generation Z ansprechen.
Insgesamt ist Nike ein Paradebeispiel dafür, wie Marken durch Authentizität, gesellschaftliches Engagement und klare Haltung das Vertrauen der Generation Z gewinnen können. Es wird interessant sein zu beobachten, wie andere Marken auf diese Entwicklung reagieren und ob der Trend zu mehr Aktivismus und Authentizität in der Markenwelt anhält.
Mantor, Cassidy (2018): Nike von Generation Z und Millennials als vertrauenswürdigste Modemarke ausgezeichnet. In: https://de.fashionnetwork.com/news/nike-von-generation-z-und-millennials-als-vertrauenswurdigste-modemarke-ausgezeichnet,996361.html (zuletzt aufgerufen am 11.01.2023)
Crace, John (2018): Is Colin Kaepernick’s Nike deal activism – or just capitalism? In: https://www.theguardian.com/commentisfree/2018/sep/06/colin-kaepernick-nike-activism-capitalism-nfl (zuletzt aufgerufen am 11.01.2023)
Packaging designers frequently dedicate a significant amount of their time contemplating how a product’s visual packaging will convey the brand’s message and objectives. Nevertheless, it is crucial to consider the tactile packaging elements that can truly set a product apart.
“Without a doubt, tactile finishes make a pack more intriguing. When you hold something that feels good, the brain formulates where this pack sits in terms of quality and the product within” says Lloyd Neilson, IPL’s head in China.
In packaging design, graphic designers commonly use packaging materials to incorporate real textures closely related to product information, a traditional method with proven effectiveness. Another approach involves the imitation of product features using conventional packaging materials like glass, plastics, or paper, aiming to achieve a tangible manifestation of tactile sense and visual effect. Consumers, upon seeing visual information conveyed by commodity packaging, gain a preliminary understanding of basic product information, influencing their decision-making process (Wang & Li, 2014). A fundamental concept to keep in mind when considering the tactile characteristics of product packaging is the concept of ’sensation transference,‘ a term coined by the renowned marketer Louis Cheskin in the 1930s. The underlying idea is that individuals, including consumers, generally struggle to distinguish their perceptions of the product from their feelings about its packaging. In the words of Stern, ‚Consumers commonly fail to make a clear distinction between a product and its packaging, as many products are also packages (and vice versa).‘ Importantly, a substantial body of research now indicates that the consumer’s thoughts or emotions, whether consciously or subconsciously, regarding the packaging frequently influence their evaluation (and presumably their overall experience) of the product itself (Spence, 2018).
Luxurious sensations are achieved through materials like leather, suede, glass, and silver. Wooden boxes offer diverse finishes, from smooth and glossy to open, exposing the natural grain. Techniques like laser etching and electroform decals enhance the tactile experience of packaging. Rigid board paper-wrapped packaging, coupled with emboss treatments and UV gloss prints, provides a smooth and shiny finish. Speciality papers such as leatherette or soft-touch paper introduce varied tactile surfaces. These tactile elements not only reinforce luxury values but also align with a brand’s image, whether modern or heritage-focused. High-tech brands may opt for materials reflecting their modern positioning, while ‚old world‘ brands choose materials to reinforce their heritage. Spence (2018) also discusses the growing popularity of products with heavier packaging. This helps to explain why so many customers claim that drinking Coca-Cola from a glass bottle is more desirable to drinking it from a noticeably lighter metal can. Here’s something to keep in mind: a lot of customers say they prefer beer in a bottle over a can. One latest research actually showed that when beer comes from a glass bottle as opposed to a can, people perceive the beer to taste much better.
Source: 99designs.com
The perceived temperature of the packaging is also likely to play some role too, though there has been little research specifically on this question to date. Giving product packaging an interesting feel, or finish, constitutes an effective marketing tool, if it encourages the consumer to pick the product up off the shelf, and by so doing, increases the likelihood that they will end up placing the product in their basket (Spence,2018).
Selecting the right packaging material is a crucial aspect of product packaging that goes beyond mere aesthetics. It involves a careful consideration of various factors to ensure the protection of products, cost-effectiveness, environmental sustainability, and customer satisfaction. In this guide, we’ll explore the key factors to consider when choosing packaging materials for your products.
Product Characteristics: When selecting packaging materials, it’s vital to take into account the specific characteristics of your products, such as size, weight, and fragility. Different items require different levels of protection and support.
Protection and Durability: Assess the level of protection needed during transportation and storage. Fragile items may demand materials with cushioning or shock-absorbing properties to prevent damage.
Environmental Impact: Consider the environmental impact of your packaging. Opt for materials that are recyclable, biodegradable, or made from renewable resources. Sustainable packaging not only benefits the environment but also aligns with consumer preferences.
Cost: Strike a balance between the cost of packaging materials and the value of your product, investing in higher-quality materials is justified, especially for valuable items that require added protection.
Regulatory Compliance: Ensure that your chosen packaging material complies with relevant regulations and industry standards. Adhering to guidelines is crucial, especially in industries with specific packaging requirements.
Customer Experience: Packaging plays a role in shaping the overall customer experience. Consider the aesthetics and functionality of your packaging, as it can influence customer perception and satisfaction.
Ease of Handling: Evaluate the ease of handling and processing during manufacturing, filling, and sealing processes. Opt for materials that contribute to efficient packaging, which can lead to cost savings.
Brand Image: Packaging is an extension of your brand. Align your packaging materials with your brand image and values. Sustainable and eco-friendly packaging can enhance your brand’s reputation among environmentally conscious consumers.
Recyclability and Reusability: Prioritize materials that can be recycled or reused. This commitment to sustainability not only benefits the environment but also resonates with consumers increasingly seeking eco-friendly practices.
Innovations in Packaging: Stay informed about new developments in packaging materials. There may be innovative, sustainable options or materials with improved performance characteristics that can give your products a competitive edge.
A really interesting fact that shows the effectiveness of tactile marketing is that a branch of Asda, a British supermarket, unwrapped multiple brands of toilet tissue in-store, enabling shoppers to feel and compare textures. The tactile engagement resulted in a significant boost in sales for the in-store brand, ultimately leading to a 50% increase in shelf space dedicated to that specific product line (Ellison & White, 2000).
In conclusion, we (consumers) might not be aware of it, but tactile experience affects our purchasing behaviour more than we think.
Wang, Q., & Li, H. (2014). Analysis on tactile field in current graphic vision design. Proceedings of the 3rd International Conference on Science and Social Research. https://doi.org/10.2991/icssr-14.2014.235
Ellison, S., & White, E. (2000, November 24). ‘Sensory’ marketers say the way to reach shoppers is the nose. Wall Street Journal. Retrieved from https://www.wsj.com/articles/SB975016895886269171
In der sich ständig wandelnden Welt der Marken spielen die Unterschiede zwischen der Generation Z und den Millennials eine entscheidende Rolle. Die Gestaltung einer Marke muss nicht nur die technologischen Präferenzen, sondern auch die individuellen Kommunikationsstile und Medienvorlieben dieser beiden Generationen berücksichtigen.
Für die Generation Z ist der Smartphone-Bildschirm der Zugang zur Welt, weshalb mobiles Design entscheidend ist. Marken, die eine nahtlose und benutzerfreundliche App-Erfahrung bieten, gewinnen das Interesse dieser Generation. Millennials hingegen sind oft noch stärker auf Desktops und Laptops ausgerichtet. Marken müssen sicherstellen, dass ihre Online-Präsenz auf verschiedenen Plattformen konsistent und ansprechend ist. Während die Gen Z visuell orientiert ist und Instagram, TikTok und Snapchat als ihre Spielplätze ansieht, schätzen Millennials längere Texte, andere Informationsquellen, auf welche ich später noch eingehen möchte. So ist ein Storytelling durch kurze Videos ideal für die Generation Z. Jedoch gewinnt auch für die Millennials visuelle Kommunikation an Bedeutung. Auch wenn es um Social Media geht, gibt es grundlegende Unterschiede. Während die Millennials Facebook und Twitter bevorzugen, sind für die Generation Z Plattformen wie Instagram, TikTok und Pinterest relevant. Marken müssen ihre Social-Media-Strategie anpassen, um präsent zu sein. Authentizität und persönliche Interaktion sind Schlüssel, um eine starke Bindung zu der gewollten Zielgruppe aufzubauen. Die Gen Z orientiert sich an Influencern, die ihre Werte teilen. Millennials neigen jedoch dazu, skeptischer gegenüber diesen zu sein, trotzdem bevorzugen sie authentische Persönlichkeiten. So können Marken die Dynamik von Influencer-Marketing geschickt nutzen, um Vertrauen aufzubauen.
Was beide Generationen verbindet ist gutes Storytelling, aber auf unterschiedliche Weisen. Millennials bevorzugen oft längere, tiefgehende Geschichten, während die Generation Z kurze, emotionale Erzählungen bevorzugt. Die immer kürzer werdende Aufmerksamkeitsspanne der Generation Z kann nicht außer acht gelassen werden. Sie findet sich in vielen Teilen des Marketings für diese Zielgruppe wieder. So ist es vom Vorteil einen Multikanal-Ansatz zu verfolgen. Ob Podcasts für die Millennials oder kurze Videos für die Gen Z – die Diversität der Content-Bereitstellung ist entscheidend.
Die Generation Z zeigt eine beeindruckende Mentalität, die sich deutlich von den vorherigen Generationen unterscheidet. Sie sind nicht bereit, die von Vorgenerationen gesetzten Regeln einfach hinzunehmen. Stattdessen streben sie danach, sich neu zu erfinden und veraltete Strukturen der Gesellschaft aktiv zu hinterfragen und aufzuräumen. Diese Neuausrichtung spiegelt sich in ihrem offenen Umgang mit Werten wider, den sie nicht zögert, öffentlich zu zeigen. Millennials hingegen versuchen sich noch mehr an das alt angelernte Verhalten anzupassen.
Auch was Gender und Sexualität anbelangt, lässt sich die Generation Z nicht mehr in alte Muster zwängen. Im Gegensatz zu vorherigen Generationen schränkt sich die Gen Z nicht mehr durch Herkunft, Kultur oder Wohnort ein. Das Internet spielt dabei eine zentrale Rolle, indem es einen Austausch ermöglicht, der unabhängig von Standort und Zeitzone stattfindet. So heben sie sich deutlich von den Generationen vor ihnen ab.
