Kategorie: Media Design

In seinem Buch AI Aesthetics (2018) analysiert Lev Manovich die tiefgreifenden Veränderungen, die künstliche Intelligenz (KI) in den Bereichen Kultur und ästhetischer Gestaltung bewirkt. KI ist längst nicht mehr nur ein Instrument der Automatisierung kognitiver Prozesse, sondern spielt eine entscheidende Rolle in der Kreation, Selektion und Distribution kultureller Inhalte. Diese Entwicklung wirft zentrale Fragen über die Zukunft der ästhetischen Vielfalt auf: Führt KI zur Standardisierung künstlerischer Ausdrucksformen, oder erhöht sie die Vielfalt an Stilen und Ideen?

Die kulturelle Funktion von KI

Traditionell wurde KI als eine Technologie verstanden, die menschliches Denken nachahmt und automatisiert. Heute erstreckt sich ihr Einfluss weit über diesen Ursprung hinaus. Algorithmen beeinflussen, welche Inhalte Nutzer:innen konsumieren, welche Musik sie hören, welche Filme sie empfohlen bekommen und sogar, wie sie ihre eigenen kreativen Entscheidungen treffen. Plattformen wie Instagram, Spotify oder YouTube setzen KI ein, um personalisierte Empfehlungen zu generieren. Dabei werden ästhetische Vorlieben auf Basis aggregierter Daten modelliert, was zu einer Homogenisierung des Geschmacks führen kann. Gleichzeitig ermöglichen digitale Werkzeuge die Produktion personalisierter, einzigartiger Inhalte.

Ein Schlüsselkonzept in Manovichs Analyse ist die Idee der „ästhetischen Automatisierung“. Hierbei werden ästhetische Entscheidungen zunehmend von Algorithmen getroffen, sei es in der Fotografie, Musik oder im Design. Beispielsweise ermöglichen Fotobearbeitungsapps wie EyeEm eine automatische Bewertung der Bildqualität und können Bilder an populäre Standards anpassen. Huawei experimentierte mit einer KI-Jury für Fotowettbewerbe, wobei die Maschine die besten Bilder anhand vorher trainierter Parameter auswählte (Manovich 2018, 4).

KI und die ästhetische Vielfalt

Ein zentrales Argument Manovichs ist die Frage, ob KI langfristig zu einer Verringerung oder Erhöhung der ästhetischen Vielfalt führt. Einerseits könnte die Nutzung von standardisierten KI-Tools dazu führen, dass immer ähnliche Bilder, Designs oder Musikstile entstehen, da Algorithmen populäre Muster bevorzugen. Andererseits bieten digitale Plattformen den Nutzer:innen zahlreiche Anpassungsmöglichkeiten, die eine individuelle ästhetische Ausdrucksform ermöglichen. Fotobearbeitungsprogramme wie Photoshop oder Snapseed bieten eine Vielzahl an Filtern und Anpassungsmöglichkeiten, wodurch Nutzer:innen trotz automatisierter Vorschläge kreative Kontrolle behalten (Manovich 2018, 6).

Ein weiteres Beispiel ist die Nutzung von KI in der Filmproduktion. IBM Watson wurde eingesetzt, um den ersten „AI-made“ Filmtrailer zu erstellen. Dabei analysierte die KI 100 Horrorfilme, identifizierte zentrale Stilelemente und wählte die passenden Szenen für den Trailer aus. Dennoch musste ein menschliche:r Editor:in die finale Gestaltung übernehmen (Manovich 2018, 10). Dies zeigt, dass KI zwar zunehmend an der künstlerischen Produktion beteiligt ist, aber menschliche Kreativität noch nicht vollständig ersetzt.

Die Zukunft der kreativen KI

Ein wichtiger Aspekt von Manovichs Untersuchung ist die Rolle von KI als „Kulturtheoretiker“. Durch die Analyse großer Datensätze kann KI Muster in der Kulturproduktion identifizieren und Theorien entwickeln, die unser Verständnis von ästhetischer Entwicklung verändern könnten. So wurden bereits Algorithmen entwickelt, die künstlerische Stile erkennen oder die Evolution von Popmusik über Jahrzehnte hinweg analysieren können (Manovich 2018, 15).

Weiters betont Manovich, dass die Integration von KI in den kreativen Prozess sowohl Chancen als auch Herausforderungen mit sich bringt. Während die Automatisierung von ästhetischen Entscheidungen zu einer potenziellen Standardisierung führen kann, können neue Werkzeuge und Methoden die künstlerische Vielfalt ebenso erweitern. Entscheidend ist, wie diese Technologien genutzt werden: als kreative Hilfsmittel oder als strenge Regulatoren des Geschmacks.

Herausforderungen und ethische Fragen

Die wachsende Rolle von KI in der Kulturproduktion bringt auch ethische Herausforderungen mit sich. Wer entscheidet, welche ästhetischen Präferenzen Algorithmen fördern? Gibt es eine Gefahr, dass KI-Systeme bestehende Vorurteile in Bezug auf Geschlecht, Ethnie oder sozioökonomischen Status reproduzieren? Diese Fragen sind besonders relevant in Bereichen wie der Mode- und Werbebranche, wo KI bereits aktiv in Entscheidungsprozesse eingebunden ist. Kritiker:innen argumentieren, dass algorithmische Systeme oft auf historischen Daten trainiert werden, die bereits bestehende Ungleichheiten widerspiegeln, was zu einer Verstärkung dieser Tendenzen führen kann.

Ein weiteres Problem ist die Abhängigkeit von datengetriebenen Systemen. Da viele kreative Prozesse zunehmend durch maschinelles Lernen unterstützt werden, besteht die Gefahr, dass individuelle und experimentelle Ausdrucksformen verdrängt werden. Wenn Algorithmen auf Basis von Mehrheitsgeschmack entscheiden, könnten neue, unkonventionelle Ideen schwerer Zugang zu großen Plattformen finden. Gleichzeitig eröffnen sich auch neue Möglichkeiten für die kreative Nutzung von KI. Künstlerinnen und Künstler experimentieren mit KI-gestützten Tools, um neue Formen der visuellen und musikalischen Gestaltung zu erforschen. Projekte wie Googles DeepDream oder OpenAIs DALL-E zeigen, dass maschinelles Lernen auch als Erweiterung menschlicher Kreativität dienen kann. Diese Entwicklungen lassen vermuten, dass KI nicht nur eine Bedrohung für kulturelle Vielfalt darstellt, sondern auch als Werkzeug zur Erweiterung unseres ästhetischen Horizonts genutzt werden kann.

Literatur

Manovich, Lev. AI Aesthetics. Strelka Press, 2018.

Seit den frühen Tagen des Musikfernsehens hat sich das Musikvideo als Kunstform und kommerzielles Medium stetig weiterentwickelt. Heute, im digitalen Zeitalter, sind Musikvideos nicht mehr nur von professionellen Produktionsfirmen erstellte Inhalte, sondern ein integraler Bestandteil sozialer Medienkulturen. Plattformen wie YouTube, TikTok und Instagram haben die Art und Weise, wie Musikvideos produziert, distribuiert und rezipiert werden, radikal verändert (Reichert 2020, 91).

Mit dem Aufstieg vom Web 2.0 und nutzergenerierten Inhalten hat sich die Rolle der Zuschauer:innen grundlegend gewandelt. Während Musikvideos in den 1980er und 1990er Jahren weitgehend von der Musikindustrie kontrolliert wurden, ermöglichen soziale Medien eine offene, dezentrale Verbreitung. Das Publikum ist nicht mehr nur Konsument:in, sondern agiert aktiv als Kurator:in, Kommentator:in und sogar als Mitgestalter:in von Musikvideoinhalten (Reichert 2020, 93). Dies zeigt sich besonders in Trends wie Reaction-Videos, Remixes und Mashups, die Musikvideos in einen offenen Dialog mit der Internetgemeinschaft stellen.

Eine zentrale Entwicklung ist die Demokratisierung der Produktionsmittel. Dank erschwinglicher Technologien und Software können heute auch Amateurkünstler:innen professionelle Musikvideos erstellen und verbreiten. Diese Dezentralisierung führt dazu, dass traditionelle Hierarchien der Kulturproduktion zunehmend aufgelöst werden. Musiker:innen sind nicht mehr ausschließlich auf professionelle Labels angewiesen, um visuelle Inhalte zu produzieren und einem globalen Publikum zugänglich zu machen (Reichert 2020, 96).

Darüber hinaus haben sich ästhetische Trends durch die Interaktion mit sozialen Medien gewandelt. Während frühere Musikvideos oft als Mini-Filme mit narrativen Strukturen inszeniert wurden, setzt die heutige Generation von Musikclips zunehmend auf Viralität, Memes und schnelle, visuelle Reize. Die fragmentierte Aufmerksamkeitsspanne des Online-Publikums hat die visuelle Gestaltung von Musikvideos nachhaltig beeinflusst, was sich in den Schnitttechniken und der Farbgestaltung vieler aktueller Clips widerspiegelt (Reichert 2020, 99).

Ein weiterer wichtiger Aspekt ist die algorithmische Steuerung der Sichtbarkeit von Musikvideos. Plattformen wie YouTube bestimmen durch ihre Empfehlungsalgorithmen, welche Videos populär werden und welche in der Masse untergehen. Dies hat nicht nur ästhetische Auswirkungen, sondern auch ökonomische, da virale Trends oft von den Plattformen selbst begünstigt oder gar erzeugt werden (Reichert 2020, 102). Dadurch entsteht eine neue Form der Selektion, die nicht mehr primär auf künstlerischer Qualität, sondern auf algorithmischer Optimierung basiert.

Ein interessanter Nebeneffekt dieser Entwicklung ist die Veränderung der Rezeptionsgewohnheiten. Zuschauer:innen konsumieren Musikvideos zunehmend in fragmentierten Sequenzen, sei es durch kurze Ausschnitte auf TikTok oder durch Livestreams auf Twitch. Die lineare Narration, die in klassischen Musikvideos eine Rolle spielte, wird immer häufiger durch interaktive oder serielle Formate ersetzt (Reichert 2020, 105). Diese Veränderung beeinflusst nicht nur die Art der Inszenierung, sondern auch die Produktionsstrategien von Künstler:innen und Labels.

Ein weiteres Phänomen ist die zunehmende Integration von Augmented Reality (AR) und Virtual Reality (VR) in Musikvideos. Künstler wie Travis Scott oder The Weeknd haben bereits Konzerte in virtuellen Welten veranstaltet, die klassische Musikvideoformate herausfordern. Diese Technologien ermöglichen es, immersive Erlebnisse zu schaffen und das Musikvideo in eine interaktive Umgebung zu überführen (Reichert 2020, 107).

Abschließend lässt sich sagen, dass Musikvideos im Social Web eine neue Dynamik erhalten haben. Sie sind nicht mehr nur Werbemittel für Musiker:innen, sondern ein interaktives Medium, das durch die Beteiligung der Online-Community geformt wird. Diese Entwicklung hat sowohl kreative Chancen als auch Herausforderungen geschaffen und verdeutlicht die Transformation audiovisueller Medien im digitalen Zeitalter.

Kulturelle Aneignung im Social Web

Die Übernahme stilistischer Elemente aus anderen Kulturen kann als Ausdruck von Wertschätzung oder aber als problematische Aneignung interpretiert werden. Im Zeitalter des Social Web wird dieser Prozess noch komplexer, da Nutzer:innen Inhalte remixen, parodieren oder für eigene Zwecke umdeuten (Reichert 2020, 103). Besonders auf Plattformen wie TikTok entstehen Trends, bei denen Tanzstile, Mode oder musikalische Elemente aus verschiedenen kulturellen Kontexten übernommen werden, ohne dass die Ursprünglichen Schöpfer Anerkennung erhalten.

Ein Beispiel für diesen Prozess ist die Adaption afroamerikanischer Tanz- und Musikstile durch nicht-schwarze Künstler:innen. Viele populäre Musikvideos greifen ästhetische und choreografische Elemente des Hip-Hop auf, ohne deren kulturellen Hintergrund angemessen zu reflektieren (Reichert 2020, 105). Dies hat in den letzten Jahren zu einer intensiveren Diskussion darüber geführt, inwiefern bestimmte Formen der Aneignung problematisch sind und welche Verantwortung Musiker:innen und Medienproduzenten:innen tragen.

Allerdings ist Appropriation nicht per se negativ. Der interkulturelle Austausch hat in der Musikgeschichte stets eine Rolle gespielt und neue Genres und Stile hervorgebracht. Entscheidend ist, ob dieser Austausch auf Respekt und Kontextverständnis basiert oder ob er kommerziell motiviert und oberflächlich ist (Reichert 2020, 108). Soziale Medien tragen dazu bei, diese Diskussion transparenter zu machen, da Communities Missstände anprangern und kulturelle Ursprünge einfordern können.

Ein weiteres Beispiel ist die Rolle von Cover-Versionen in der digitalen Ära. Während Cover-Songs traditionell als Hommage an das Original betrachtet wurden, haben moderne Plattformen den Prozess beschleunigt und neue Debatten darüber entfacht, wer von diesen Interpretationen profitiert. Oftmals sind es nicht die ursprünglichen Künstler:innen, sondern Influencer oder Content-Creator, die die Aufmerksamkeit und Monetarisierung auf sich ziehen (Reichert 2020, 110).

Zudem spielen kulturelle Narrative eine große Rolle bei der Frage, wie Appropriation wahrgenommen wird. Während einige Communities die Neuinterpretation ihrer Traditionen als eine Form der globalen Verbreitung begrüßen, empfinden andere sie als Entfremdung und Kommerzialisierung ohne tiefere Auseinandersetzung mit den Ursprüngen (Reichert 2020, 112). Die Grenzen zwischen Inspiration, Hommage und Aneignung sind oft fließend und müssen im jeweiligen Kontext betrachtet werden.

Literatur:

Reichert, Ramón. 2016. „Musikvideos im Social Web.“ In Populäre Musikkulturen im Film, herausgegeben von Carsten Heinze und Laura Niebling, 91–115. Film und Bewegtbild in Kultur und Gesellschaft. Wiesbaden: Springer VS. https://doi.org/10.1007/978-3-658-10896-0_5.