Kategorie: Communication Design

The Global Organic Textile Standard (GOTS) is a leading international certification for textiles made from organic fibers. It establishes comprehensive environmental and social criteria throughout the entire textile supply chain to ensure sustainable production and ethical labor practices.

Key Features of GOTS:

• Environmental Criteria: GOTS mandates that textiles labeled as „organic“ contain at least 95% certified organic fibers, while those labeled „made with organic materials“ must have a minimum of 70% organic fibers. The use of hazardous chemicals, such as toxic heavy metals, formaldehyde, and genetically modified organisms (GMOs), is strictly prohibited. Additionally, environmentally friendly processes, like oxygen-based bleaching instead of chlorine bleaching, are required.
• Social Criteria: The standard enforces compliance with key norms of the International Labour Organization (ILO), including the prohibition of forced and child labor, ensuring safe and hygienic working conditions, and the payment of living wages.
• Traceability: GOTS ensures that all stages of production—from raw material harvesting to final product manufacturing—are certified. This guarantees transparency and allows consumers to trace the origin and processing of textiles.

Challenges and Contradictions in Practice:

While the GOTS label aims to help consumers easily identify products that adhere to strict environmental and social standards, several challenges can lead to contradictory practices:

• Complex Supply Chains: The global nature of textile supply chains can make it difficult to monitor compliance at every stage, potentially resulting in products bearing the GOTS label even if certain production steps do not fully meet the standards.
• Inspection Limitations: Although GOTS requires regular on-site inspections, factors such as resource constraints or logistical challenges can lead to insufficient oversight, allowing non-compliant practices to go unnoticed.
• Misuse of Certification: Some companies may engage in „greenwashing“ by using the GOTS label as a marketing tool without fully committing to its principles, leading to a disparity between the claimed and actual adherence to the standards.

To address these issues, it is crucial for certification bodies and companies to enhance transparency and integrity within supply chains. Consumers are encouraged to critically assess certifications and seek additional information to make informed purchasing decisions.

Source:

Muminov, Najmiddin Shamsiddinovich, Zarina Muzaffar qizi Alimova, Moxidil Shuxrat qizi Haqnazarova, and Xayrulla Ulug’bekovich Vasiev. „Quality Analysis and Certification of Textile Products by GOTS—Global Organic Textile Standard.“ Middle European Scientific Bulletin 18 (November 2021). https://cejsr.academicjournal.io/index.php/journal/article/view/892.

Certification Process:

The GOTS certification process involves several steps:

1. Application: Companies seeking certification must familiarize themselves with the GOTS standard and submit an application to an approved certification body.
2. On-Site Inspection: An accredited third-party certification body conducts on-site inspections to assess compliance with GOTS criteria. This includes evaluating processing facilities, reviewing documentation, and ensuring that environmental and social standards are met.
3. Certification: If the inspection is successful, the certification body issues a Scope Certificate, confirming that the company complies with GOTS standards.
4. Labelling: Certified products can be labeled with the GOTS logo, providing consumers with assurance of the product’s organic status and adherence to environmental and social criteria.

Source: Global Standard gGmbH. „Home – GOTS – Global Organic Textile Standard.“ Accessed December 12, 2024. https://global-standard.org/

The Global Organic Textile Standard (GOTS) explicitly prohibits the use of raw fibers from production sites that engage in mulesing, a practice involving the removal of wool-bearing strips of skin from the breech area of sheep to prevent flystrike. This prohibition reflects GOTS’s commitment to upholding stringent animal welfare principles within the textile supply chain.

GOTS defines mulesing as „the removal of wool-bearing strips of skin from the breech area of sheep intended to avoid problems of fly strike. This includes any type of breech modification, including freeze branding.“

By enforcing this ban, GOTS ensures that certified textiles are produced in accordance with ethical and sustainable practices, aligning with its overarching mission to promote responsible textile production.

Source: Global Standard gGmbH. „GLOBAL ORGANIC TEXTILE STANDARD (GOTS) VERSION 7.0“ Accessed December 12, 2024. https://global-standard.org/images/resource-library/documents/standard-and-manual/GOTS_7.0__DE_signed.pdf?utm_source=chatgpt.com

Concerns Regarding GOTS Certification in Australia:

Despite GOTS’s clear stance against mulesing, concerns have been raised about the trustworthiness of GOTS certification, particularly in Australia. Australia remains one of the few countries where mulesing is still practiced extensively, with reports indicating that less than 20% of Australian wool sold at auction is mulesing-free.

The persistence of mulesing in Australia poses challenges for certification bodies like GOTS. Ensuring that certified wool is genuinely mulesing-free requires rigorous supply chain monitoring and verification. However, the complexity of global textile supply chains can make it difficult to guarantee compliance at every stage, leading to potential instances where mulesed wool is inadvertently certified.

RSPCA Australia

All in all the GOTS Certificate is a general and worldwide known certificate used a lot to identify organic cotton but also wool and other fibers. As with all certificates the question of how can companies get this and who is surveilling the process and later also the execution? There is a lot of opinions on this topic online – GOTS itself and a lot of other sources state you can trust this specific certificate. But through this research I also gathered the information that over all for GOTS and other textile certificates the environment and social aspect are main focuses instead of animal welfare. For that PETA (a non profit animal welfare organisation) has their own certificate PETA approved vegan which also states that in this fibers are non animal recources used. So it is still not easy to navigate the way through these certificates.

https://www.le-shop-vegan.de/blog/fair-fashion-siegel-gots-gruener-knopf-und-peta-approved/#:~:text=Während%20sich%20also%20Siegel%20und,vegan%20Siegel%20beim%20Tierwohl%20an.

Neues Thema: Inktraps – Von funktionalem Detail zu modernem Designmerkmal

Da ich mein festgefahrenes Thema „Eszett“ verworfen habe, war ich auf der Suche nach einem neuen Thema, das sich im typografischen Bereich bewegt. Leider hat mir nach längerem Nachdenken das Thema „Modulare Schrift“ auch nicht so zugesagt, da ich mir nicht vorstellen konnte, ein halbes Jahr daran zu arbeiten. Ich denke, dass es eine Bauchentscheidung war, da ich mich damit doch nicht so identifizieren kann. Nach längerem Überlegen, Recherchieren und Inspo-Suche bin ich auf ein neues Thema gekommen, das ich auch schon für mein Expose ausformuliert habe:

Inktraps – Von funktionalem Detail zu modernem Designmerkmal.

Die zentrale Forschungsfrage

Meine zentrale Frage lautet: In welcher Weise haben sich Inktraps von einem rein funktionalen Element zur Optimierung der Druckqualität zu einem ausdrucksstarken, modernen Designelement entwickelt?

Ursprünglich wurden Inktraps entwickelt, um die Druckqualität bei kleinen Schriftgrößen zu verbessern. Sie verhinderten Farbausblutungen an kritischen Stellen, wie Ecken und Übergängen von Buchstaben, was besonders im Bleisatz von Bedeutung war. Mit der Verbesserung der Drucktechnologien und der Digitalisierung ist die Funktionalität von Inktraps jedoch zunehmend in den Hintergrund gerückt, und sie sind heute vor allem als ästhetisches Element in modernen, serifenlosen Schriften relevant.

Theoretische Zielsetzung

Ein zentrales Ziel meiner Arbeit ist es, die historische Entwicklung der Inktraps zu analysieren und zu zeigen, wie sie sich von einem technischen Detail hin zu einem kreativen Gestaltungselement gewandelt haben. Ich möchte untersuchen, wie sich die Wahrnehmung und Nutzung von Inktraps im Laufe der Zeit verändert haben, besonders in der modernen Schriftgestaltung. Dabei werde ich die Rolle von Inktraps in serifenlosen Schriften und deren Einfluss auf das Design von Schriftarten beleuchten.

Gestalterische Zielsetzung

Auf der gestalterischen Ebene möchte ich einen variablen Font entwickeln, der es zum einen ermöglicht, den Grad der Inktraps dynamisch anzupassn und zum anderen den Schriftschnitt nach Belieben zu ändern. Das bedeutet, dass der Nutzer die Möglichkeit hat, von subtilen Inktraps bis hin zu markanteren, stärker ausgeprägten Formen in unterschiedlicher Schriftstärke zu variieren. Dies soll die ästhetischen und funktionalen Potenziale von Inktraps in der modernen Schriftgestaltung sichtbar machen.

Praktische Zielsetzung

Neben der theoretischen und gestalterischen Arbeit möchte ich meine Forschung und die Entwicklung des variablen Fonts in einem Buch oder Magazin dokumentieren. Dieses Druckprodukt soll die gesamte Geschichte und Entwicklung der Inktraps abdecken und auch einige meiner praktischen Experimente und Entwürfe enthalten. Es wird sowohl die funktionalen Ursprünge als auch die heutige Nutzung von Inktraps in modernen Schriften verdeutlichen und eine umfassende Dokumentation meiner Arbeit darstellen.

Inspiration

Vor kurzem war ich beim Tag der offenen Tür an der Universität „Angewandte“ in Wien und habe viele neue Ideen für meine Arbeit mitgenommen. Besonders spannend fand ich die Ausstellung im Schwerpunkt „Klasse für Ideen“, wo viele Poster zu sehen waren, die die Grenzen des Grafikdesigns überschritten. Es war beeindruckend zu sehen, wie kreativ und mutig die Studierenden waren und wie sie die typografischen und gestalterischen Regeln auf den Kopf stellten.

Was mir besonders gefallen hat, war der experimentelle Ansatz. Die Designs waren alles andere als „brav“ – es wurde viel mit verschiedenen Stilen und Schriften gespielt, und oft sahen die Kombinationen wild aus, aber dennoch harmonisch. Diese Freiheit im Design hat mich ermutigt, in meiner eigenen Arbeit mehr zu wagen. Ich habe gelernt, dass es okay ist, Fehler zu machen, solange man daraus lernt. Man muss sich nicht immer an alle Regeln halten, sondern kann auch einfach mal auf seine Intuition hören.

Ich hatte auch die Gelegenheit, mit einigen Studierenden zu sprechen. Sie erzählten mir, wie ihre besten Ideen oft spontan entstanden sind – einfach aus dem Bauch heraus. Es war beeindruckend zu sehen, wie viel Vertrauen sie in ihre eigenen Entscheidungen hatten und wie erfolgreich diese oft waren.

Was die Typografie betrifft, so gab es viele interessante Beispiele. Besonders der Mix aus verschiedenen Schriftarten und Stilbrüchen hat mich fasziniert. Es zeigte mir, wie wichtig es ist, mutig zu sein und neue Wege zu gehen, ohne sich immer an die „sichere“ Gestaltung zu halten.

Alles in allem war der Besuch an der Universität „Angewandte“ eine bereichernde Erfahrung, die mir viele frische Ideen gebracht hat. Er hat mir deutlich gemacht, dass man im Studium ruhig mehr wagen sollte und nicht in festen Strukturen oder gewohnten Wegen stecken bleiben darf. Gerade jetzt hat man noch alle Freiheiten, um neue Dinge auszuprobieren und an Herausforderungen zu wachsen, was einem später umso mehr zugutekommt.

Am 13. November 2024 hatte ich die Möglichkeit, meine Ideen für die Masterarbeit mit Gabriele Lechner zu besprechen. In einem sehr konstruktiven Gespräch ging es nicht nur um das Thema, das ich mir ausgesucht hatte, sondern auch um den methodischen Ansatz und das mögliche Feedback, das mir helfen sollte, die nächsten Schritte klarer zu definieren.

Mein Thema im Detail

Ich habe Frau Lechner mein Thema vorgestellt: „Ordnung und Chaos in Grafik Design“. Für mich ist es eine faszinierende Herausforderung, zwei gegensätzliche Konzepte wie Ordnung und Chaos miteinander zu verbinden und im Kontext des Grafikdesigns zu untersuchen. Ich hatte jedoch Zweifel, ob ich mit einem so weiten Thema weiterarbeiten sollte und fragte mich, in welche Richtung ich es am besten lenken könnte.

Frau Lechner fand das Thema äußerst interessant und betonte, dass die Verknüpfung von Ordnung und Chaos im Designprozess noch wenig erforscht sei. Besonders den interaktiven Ansatz, sowohl Designer als auch Nicht-Designer in Experimente einzubeziehen, hielt sie für eine ausgezeichnete Idee. Diese Perspektive könnte helfen, unterschiedliche Wahrnehmungen und Ansätze zu verdeutlichen, was sowohl für die Theorie als auch für die Praxis von großem Wert ist.

Feedback und Überlegungen

Im Gespräch gab es auch wertvolle Hinweise zur Methodik. Frau Lechner hat mir vorgeschlagen, dass ich neben der wissenschaftlichen Recherche auch philosophische Fragestellungen in meine Arbeit einfließen lassen könnte. Ordnung und Chaos sind sehr subjektiv und individuell wahrgenommene Konzepte, weshalb eine philosophische Auseinandersetzung mit diesen Begriffen eine tiefere Dimension in meine Arbeit bringen würde. Sie meinte, dass die Betrachtung dieser Begriffe aus einer philosophischen Perspektive interessante Einsichten darüber liefern könnte, wie Menschen diese Konzepte im kreativen Prozess wahrnehmen und anwenden.

Darüber hinaus fand sie den interaktiven Ansatz mit Designern und Nicht-Designern sehr gut und stellte fest, dass dies eine spannende Möglichkeit sein könnte, unterschiedliche Reaktionen und Einstellungen zu erfassen. Sie hat vorgeschlagen, noch mehr darauf einzugehen, wie diese Konzepte im kreativen Designprozess eingesetzt werden und wie sie zu neuen Perspektiven in der Gestaltung führen können.

Neue Perspektiven

Dieses Gespräch hat mir nicht nur geholfen, Klarheit über meine Vorgehensweise zu gewinnen, sondern auch neue Perspektiven eröffnet, wie ich das Thema weiterentwickeln kann. Besonders die Anregung, philosophische Fragestellungen mit einzubeziehen, hat mich motiviert, mein Thema noch weiter zu vertiefen. Es öffnet neue Räume für kreative und theoretische Überlegungen, die der Arbeit eine zusätzliche Tiefe verleihen werden.

Ich bin nun sehr überzeugt, dass ich das Thema mit einer klareren Richtung und neuen Ideen weiterverfolgen kann. Das Feedback von Frau Lechner hat mir den nötigen Impuls gegeben, um mit frischem Schwung und einer neuen Perspektive in die nächste Phase meiner Masterarbeit zu starten.

Am Samstag, den 26. Oktober 2024, hatte ich die Gelegenheit, das Kunstfestival KLANGLICHT in Graz zu besuchen. Dieses Jahr widmete sich das Festival den äußerst interessanten Welten der Träume – ein Thema, das mich als Grafikdesign-Studentin sofort neugierig machte. Träume bewegen sich oft an der Grenze zwischen Ordnung und Chaos, Realität und Fantasie, und ich konnte es kaum erwarten, diese künstlerischen Interpretationen mit meinem eigenen Master-Thema zu verbinden und Inspirationen zu sammeln.

Licht und Klang im Zusammenspiel

Die Straßen und Plätze der Grazer Innenstadt erstrahlten im Lichterglanz. Jede Installation entführte in eine andere Traumwelt: mal subtil und eher poetisch, mal beeindruckend und voller Kontraste. An dieser Stelle möchte ich meine persönlichen Eindrücke zu einigen der Werke teilen.

REVERSE

Am Uhrturm zeigte Yann Nguema seine Installation „Reverse“ – ein wortwörtlich traumhaftes Spiel mit Raum und Zeit. Fraktale überlagerten sich, um komplexe und leuchtende Bilder zu formen, die sich ständig veränderten. Ich war fasziniert, wie das Zusammenspiel von Chaos und Ordnung zu einer visuellen Sprache wurde. Diese Installation erinnerte mich daran, dass auch im Design das Zusammenspiel von Struktur und Zufall zu interessante Ergebnisse führen kann.

EINDER / surface

In den Kasematten habe ich mir die Installation „Einder“ von Boris Acket angeschaut – eine leuchtende, sich bewegende Welle, die durch ihre Audiokulisse aus synthetischen und organischen Klängen zu eine ruhige aber bezaubernde Erlebnis führte. Die Installation wirkte beruhigend und “verstörend” zugleich. In der Bewegung der Wellen entdeckte ich ein faszinierendes Zusammenspiel von Ordnung und Chaos. Es erinnerte mich daran, wie oft ich im Design Prozesse kontrolliere, aber dennoch Raum für Unvorhergesehenes lasse, um lebendige Ergebnisse zu schaffen.

SOT GLAS

Das physische und sprachliche Labyrinth „Sot Glas“ von Ana Shametaj und Giuditta Vendrame war eine Reise durch traumhafte Schwerelosigkeit und gemeinsames Erleben. Besonders eindrücklich war der Übergang von einem offenen, lichterfüllten äußere Raum zu einem warmen innere “Klangraum”. Es fühlte sich an, als würde man in einen Traum eintauchen, der sich langsam auflöst und neu formt. Diese Mischung aus Persönlichem und Gemeinschaftlichem hat mich dazu inspiriert, über das Spannungsfeld zwischen persönlichem Ausdruck und allgemeinem Verständnis im Design nachzudenken.

CONSTELLATIONS

Die „Constellations“ von Detlef Hartung und Georg Trenz verwandelten die Festungsmauer am Schlossberg in ein Spiel aus Licht und Sprache. Die Verbindung von Himmel und Erde, von Weitblick und Standpunkt, inspirierte mich dazu, darüber nachzudenken, wie wir im Design Räume schaffen können, die zugleich geordnet und frei interpretierbar sind. Es war, als ob die Installation uns fragte: Wo befinden wir uns im großen Ganzen?

SPEKTRUM

Als Communication Design Studentin war ich natürlich besonders gespannt auf „Spektrum“, eine immersive Licht- und Klanginstallation von Studierenden der FH JOANNEUM. In der Antoniuskirche entstanden Räume, die Harmonie und Chaos sowohl emotional als auch visuell miteinander verknüpften. Die Vielfalt und Experimentierfreude der gezeigten Visuals machten diese Installation zu meinem persönlichen Highlight. Sie hat mich inspiriert, meine eigenen Grenzen im Umgang mit Ordnung und Chaos noch weiter zu verschieben – und vor allem mutiger zu sein.

FLORA

„Flora“ an der Fassade des Schauspielhauses war eine interaktive Installation, die man selber über einem Tablet steuern konnte. Abstrakte Linien verwandelten sich in komplexe, ständig wechselnde Formen – manchmal fließend harmonisch, manchmal kantig und chaotisch. Dieses Werk zeigte eindrucksvoll, wie Interaktivität und Technologie die Persönlichkeit der Betrachtenden sichtbar machen können.

VISUAL PIANO IM DOM

Im Grazer Dom faszinierte mich Laurenz Theinerts „Visual Piano“ besonders durch den starken Kontrast zwischen den chaotischen, bunten Projektionen und der klaren, geordneten Architektur der Wände. Die farbenfrohen, sich ständig verändernden grafischen Formen wirkten wie visuelles Chaos, das die präzise Planung des Raumes spielerisch herausforderte.

Dieser Gegensatz regte mich zum Nachdenken über Ordnung und Chaos an, die oft als Gegensätze betrachtet werden, aber in Wirklichkeit miteinander verschmelzen können.

UNVEILED

Ein weiteres Lieblingswerk war „Unveiled“ von OchoReSotto. Die Projektionen in der Grazer Oper spielten mit der Fragmentierung und Rekomposition von Bildern in Kombination mit Musik. Der Übergang von festen Strukturen zu surrealen Landschaften erinnerte mich daran, wie Design oft Realität und Illusion gleichzeitig darstellen kann. Es war ein Spiel mit Wahrnehmung, das meinen eigenen kreativen Prozess reflektierte: Wo endet die Kontrolle, und wo beginnt das Chaos, das wir kreativ nutzen können?

Fazit: Kunst als Inspiration für das Design

KLANGLICHT 2024 hat mich auf viele Arten inspiriert. Die Installationen waren nicht nur beeindruckend schön, sondern regten auch dazu an, über die eigenen Träume, Grenzen und kreativen Prozesse nachzudenken. Besonders die Gegenüberstellung von Ordnung und Chaos in vielen Werken hat mir gezeigt, wie wichtig es ist, im Design sowohl Struktur als auch Freiheit zuzulassen.

Am 6. November 2024 hatte ich die Gelegenheit, im Rahmen der Lehrveranstaltung ein inspirierendes Gespräch mit Gabriele Lechner über meine Masterarbeit zu führen. Dabei ging es nicht nur um den aktuellen Stand meiner Arbeit, sondern auch um meine Unsicherheiten bezüglich der Themenwahl, die möglichen Risiken und Chancen sowie die methodischen Ansätze.

Rückblick auf mein Thema

Ich habe Frau Lechner von meinem aktuellen Stand erzählt und dass ich mich während der letzten Semester mit dem Thema „Digital Precision vs. Analog Imperfection – Warum suchen wir das Unvollkommene im Design?“ beschäftigt habe. Dieses Thema hat mir sehr gut gefallen, ich fand es interessant und vielversprechend, allerdings kamen trotzdem gegen Ende des Semesters Zweifel auf, ob ich mit diesem Thema wirklich weitermachen sollte.

Gabriele Lechner bestätigte jedoch die meinen Ansatzes und betonte, dass sie das Thema sehr gut und spannend findet. Sie erwähnte, dass ein solcher Schwerpunkt in ihren bisherigen Gesprächen mit Student*innen noch nicht aufgetaucht sei, und riet mir, dabei zu bleiben. 

Methodische Überlegungen

Ein zentraler Punkt des Gesprächs waren die methodischen Ansätze. Hier fiel es Gabriele Lechner zunächst schwer, konkrete Vorschläge zu machen, da mein Thema eher abstrakt und theoriegeleitet ist. Schlussendlich kamen wir auf zwei vielversprechende Möglichkeiten:

1. Zusammenarbeit mit einer Firma: Ein reales Designprojekt könnte als praktisches Beispiel dienen, um meine Hypothese zu testen und zu validieren.

2. Expert*innen-Interviews: Ich könnte Designer*innen befragen, um ihre Perspektive auf analoge Elemente im digitalen Design zu verstehen. Besonders wichtig dabei: die Entwicklung durchdachter und präziser Fragen, um tiefgreifende Antworten zu erhalten.

Diese beiden Optionen bieten spannende Wege, um die Forschungsfrage zu vertiefen und sowohl theoretische als auch praktische Erkenntnisse zu gewinnen. Wir haben uns dann darauf geeinigt, dass die Interviews wahrscheinlich die bessere Wahl sind, da das Ergebnis eines Designprojekt mit einer Firma zu subjektiv zu interpretieren ist, als dass man damit eine Hypothese validieren könnte.

Das „Warum“ ins Zentrum stellen

Ein wichtiger Hinweis aus dem Gespräch war, mich in meiner Arbeit stärker auf die Frage nach dem „Warum“ zu konzentrieren und weniger auf das „Wie“, weil das eh ziemlich klar ist. Warum greifen Designer*innen auf analoge Imperfektionen zurück, obwohl sie über hochpräzise digitale Werkzeuge verfügen? Dabei könnten historische und soziologische Aspekte eine Rolle spielen – etwa die Rückbesinnung auf Handwerkstraditionen oder der Einfluss von Bewegungen wie der DIY-Kultur. Gleichzeitig wurde betont, den Fokus klar zu halten und nicht zu stark abzuschweifen.

Neue Motivation und Perspektiven

Das Gespräch war für mich ein Wendepunkt. Ich verließ es mit neuem Selbstvertrauen in mein Thema und einer klareren Vorstellung davon, wie ich meine Arbeit gestalten möchte. Besonders die Rückmeldung, dass meine Fragestellung innovativ und relevant ist, hat mir sehr geholfen. Das Gespräch mit Gabriele Lechner war der perfekte Impuls, um mit neuer Energie und einem klaren Fokus in die nächste Phase meiner Masterarbeit zu starten.